Music Psychology

Foco, Ergo Volo: I Focus, Therefore I Will advances a new architecture of the mind that reframes free will as the governance of attention. Where centuries of debate have circled the metaphysics of determinism and indeterminism, this work pivots the question: freedom is not about escaping causality but about how consciousness distributes, sustains, and redirects its own focal energy.

The book develops a unified model of attention in which awareness unfolds across two dynamic fields, internal and external, regulated by the interplay of impressive forces (signals that capture us) and expressive forces (acts of volitional focus). Within this framework emerge a series of interlocking submodels: the constellation model of distributed focus, the valve as a gate of cross-field flow, subconscious suggestion as the quiet engine of influence, and the taxonomy of impressive and expressive action that shapes the rhythm of conscious life.

At its culmination, the work introduces a two-threshold account of volition: the event horizon of intention, where focal energy begins to coalesce, and the event horizon of decision, where attention commits to action. This attentional reframing allows us to reinterpret classic debates from Aristotle to Libet, while bridging phenomenology, cognitive science, and lived experience.

Drawing on philosophy, cognitive psychology neuroscience, and everyday examples, Foco, Ergo Volo argues that free will is neither an illusion nor a metaphysical mystery, but the structured authorship of attention itself. In doing so, it offers a comprehensive framework for understanding the architecture of conscious agency, situating focus, not thought, not reason, not even choice, as the true currency of freedom.

The aim of this study was to compare the left and right hand overarm shooting accuracy levels to target depending on hand dominance. Totally 110 left handers (LH) and 108 right handers (RH) were voluntarily participated in this study in Amasya City Center. LH and RH throwed shoots to circled shaped target with the diameter of 60 cm on the wall at the head level by tennis ball from 5 meters. The sum of scores from these twenty attempts after five practice trials was used as the score for shot accuracy (possible scores 0-20). The results of this study showed that LH and RH had similar physical characteristics. RH were better in the right hand shooting and LH were better in the left hand shooting. There were small difference for LH and big difference for RH between two shooting sides, there was a big difference in a wide range in the RH. The shooting accuracy of Left hand was lower than the right hand. In shooting accuracy, RH were better than LH depending on hand dominance. The LH, du...

Bu calismanin amaci, genc erkeklerin el dominanslarina gore sag ve sol elleri ile hedefe yonelik yuksek atislarda isabet duzeylerini karsilastirmaktir. Calismaya Amasya il merkezinde, erkek lise ogrencisi 110 solak ve 108 saglak olmak uzere toplam 218 gonullu katilmistir. Deneklerin 5 metre mesafeden 60 cm capinda dairesel sekilde bas seviyesinde duvara cizili hedefe once sag ve sonra sol ellerini kullanarak kort tenisi topu ile 5 denemeden sonra 20 atis yaptirilmistir. Hedefi bulan sutlar sayilarak 0-20 puan araliginda isabet skoru belirlenmistir. Bu calismanin sonuclari gostermistir ki saglak ve solaklar benzer fiziksel ozelliklere sahiptir. Sag el ile atista saglaklar, solaklardan daha iyi isabet oranina sahiptir. Ayni sekilde, sol el ile atista solaklar, saglaklardan daha iyi isabet oranina sahiptir. Sag ve sol elle yapilan atislarin isabet sayilari arasindaki fark, solaklarda daha dusuk iken saglaklarda daha yuksektir Solaklarda ortalama sag ve sol el atis isabet sayisi dar bir...

This study examines patterns of rhyme identification among English Language Learners (ELLs) towards the development of an educational game, JOLLY, intended to improve phonemic awareness among school-aged children in the Philippines. Leveraging on students' intrinsic interest in Western popular music, we ask students to identify rhyming words from among the song lyrics. We find that the extent to which an English phoneme is similar to a Tagalog phoneme determines how likely it is to be identified. From these findings, we draw implications on how JOLLY's underlying domain model can be structured with each song as a learning object and each learning object consisting of an inventory of phonemes to be mastered. We also recommend the use of open, possibly social, student models to help learners track their progress and that of their peers.

The experience of music seems unequivocally related to the experience of time. And it is precisely in this time experience where the different dimensions of a phenomenon conventionally called musical rhythm are developed. The attempt to capture musical rhythm in its formal and operative aspects has represented both a theoretical challenge and a discussion with few agreements. Contemplating the latest ideas about rhythm in music, we observe that they have been directly or indirectly related to ideas close to musical cognitivism. A wide-scope vision is pursued in this work where the conceptual transformation of rhythmic thought in the tonal music of the common practice period is reviewed. Assumptions and problems are here presented, giving rise to reflections on the subject and on conceptual tools that allow us to think the space of theoretical research. We discuss the aspects that will be considered central in the construction of our proposal, to be developed in future contributions

En este artículo se presenta una nueva categoría de análisis musical, a saber: Espectro Métrico como descripción del espacio en el cual compositor, intérprete y oyente interactúan. Piezas de J. S. Bach, L. van Beethoven y F. Mendelssohn son analizadas luego de que el constructo Espectro Métrico fuera brevemente explicado. También se discuten distintos conceptos técnicos vinculados a la métrica musical.

Desde determinadas perspectivas, el concepto de gesto musical remite a una traducción corporal de la percepción de los emergentes sonoros de las obras musicales. De esta forma, hablar de gestualidad musical es referirse a una gestualidad corporal entendida como el vehículo con el que un músico comunica corporalmente ese complejo mundo de sensaciones, imágenes, movimientos que surgen internamente al hacer música. Otros enfoques estudian las probables analogías existentes entre los gestos musicales y ciertos patrones gestuales corporales o determinadas formas de expresión vocal. Pero también a este concepto se lo encuentra vinculado a aspectos performativos de la música. Desde esta perspectiva, uno de sus fundamentos básicos (y en la que coinciden diferentes teóricos ) es que la gestualidad musical remite a un tipo de movimiento que conlleva alguna significación particular. En líneas generales, podemos decir que este concepto ha sido motivo de múltiples indagaciones vinculado no sólo ...

This paper is concerned with the relationshtp between "the gesture" and "the mesoamerican glyph" as a minimal unit of a writing system. This relationship makes possible many reflections about the capacity ofcondensing information in the graphic representation as a register system. The gesture offers the systematic study of the mesoamerican writing from a semiotic perspective given a typology that shows the characteristics ofthe units that are part ofthis system. The presence ofthe graphic system moc4fIes the relationshtp, gives the gesture a syntheticflinc tion in the transcription ofthe nahuati word.

The concept of musical gesture refers to a holistic conception, where the harmonic, melodic, rhythmic and metric materials, together with indications of tempo, joints, dynamics and timbres interact in the quite indivisible one. This conception will be raised in the perceptual frame across which the concept of musical gesture is approached. In this way, we will study aspects of the intrinsic significance of a musical piece of work to arrive at its expressive, metaphorical, symbolic content and its social belonging.

Tanto en el contexto de la vida cotidiana como en el del ámbito musical, el término "gesto" conlleva múltiples acepciones. Dentro del campo específico de la música académica, el concepto de gesto musical suele remitir, frecuentemente, a una especie de "traducción" corporal que surge de la percepción de los emergentes sonoros de las obras musicales. Así, por ejemplo, puede formar parte de la enseñanza y de la práctica instrumental o de la dirección orquestal y coral ejemplificar determinado fraseo o determinado proceso sonoro de una obra con movimientos de los brazos y del cuerpo. O también puede remitir al resultado sonoro de una gestualidad física sobre un instrumento musical como, por ejemplo, el rasgueo de una guitarra, el golpe de una baqueta sobre un xilofón o el movimiento de un arco sobre una cuerda de un violín. Desde esta perspectiva, hablar de gestualidad musical es referirse, entonces, a una gestualidad corporal entendida como el vehículo con el que un músico comunica corporalmente ese complejo mundo de sensaciones, imágenes, movimientos que surgen internamente al hacer música. En una apretada síntesis, 1 podemos decir que el tema de la gestualidad corporal ha sido motivo de numerosas investigaciones desde la década de 1960. Dichas investigaciones han sido encaradas, inicialmente, por un reducido núcleo de semióticos, lingüistas, psicólogos y terapeutas quienes han puesto énfasis, fundamentalmente, en el lenguaje de señas de los sordomudos. Posteriormente, han extendido sus intereses investigativos al área de la gestualidad corporal en la comunicación oral, dentro de determinadas culturas y contextos específicos. Así, ponían el acento en analizar el gesto corporal como un "lenguaje" buscando sus unidades distintivas. Uno de los precursores de estos estudios (llamados "cinésicos" o kinéticos, término que proviene de "kiné", movimiento) fue Ray Birdwhistle, que llamó cine (del griego kiné) a la menor unidad de movimiento. Originalmente sustentados por un enfoque estructuralista, los estudios recientes, integran a los gestos en la interacción comunicativa humana y lo convierten en un elemento de base de dicha interacción. Pero también ha sido motivo de múltiples indagaciones el concepto específico de gestualidad musical. Una de las acepciones básicas en la que coinciden diferentes teóricos es que, la gestualidad musical, remite a un tipo de movimiento que conlleva algún tipo de significación particular. Desde este lugar, dicho concepto nos enfrenta a un sentido de continuidad discursiva, de movimiento, que va más allá de la mera continuidad de sonidos y ritmos encadenados. Esta continuidad, este movimiento, es perfectamente perceptible al escuchar una obra musical y más aún al interpretarla o componerla. Habida cuenta de que toda obra musical, desde un punto de vista sintáctico, es el resultado de la interacción entre diferentes parámetros (melodía, armonía, ritmo, etc.), el emergente gestual, remite más al mundo de significaciones que surgen de la interacción entre dichos parámetros que al mundo de sus lógicas constructivas sintácticas. El gesto musical puede ser concebido, entonces, como una continuidad discursiva que adquiere significación. 2 En este sentido, el concepto de gesto musical

Tanto en el contexto de la vida cotidiana como en el del ámbito musical, el término "gesto" conlleva múltiples acepciones. Dentro del campo específico de la música académica, el concepto de gesto musical suele remitir, frecuentemente, a una especie de "traducción" corporal que surge de la percepción de los emergentes sonoros de las obras musicales. Así, por ejemplo, puede formar parte de la enseñanza y de la práctica instrumental o de la dirección orquestal y coral ejemplificar determinado fraseo o determinado proceso sonoro de una obra con movimientos de los brazos y del cuerpo. O también puede remitir al resultado sonoro de una gestualidad física sobre un instrumento musical como, por ejemplo, el rasgueo de una guitarra, el golpe de una baqueta sobre un xilofón o el movimiento de un arco sobre una cuerda de un violín. Desde esta perspectiva, hablar de gestualidad musical es referirse, entonces, a una gestualidad corporal entendida como el vehículo con el que un músico comunica corporalmente ese complejo mundo de sensaciones, imágenes, movimientos que surgen internamente al hacer música. En una apretada síntesis 1 , podemos decir que el tema de la gestualidad corporal ha sido motivo de numerosas investigaciones desde la década de 1960. Dichas investigaciones han sido encaradas, inicialmente, por un reducido núcleo de semióticos, lingüistas, psicólogos y terapeutas quienes han puesto énfasis, fundamentalmente, en el lenguaje de señas de los sordomudos. Posteriormente han extendido sus intereses investigativos al área de la gestualidad corporal en la comunicación oral, dentro de determinadas culturas y contextos específicos. Así, ponían el acento en analizar el gesto corporal como un "lenguaje" buscando sus unidades distintivas. Uno de los precursores de estos estudios (llamados "cinésicos" o kinéticos, término que proviene de "kiné", movimiento) fue Ray Birdwhistle, que llamó cine (del griego kiné) a la menor unidad de movimiento. Originalmente sustentados por un enfoque estructuralista, los estudios recientes integran a los gestos en la interacción comunicativa humana y lo convierten en un elemento de base de dicha interacción. Pero también ha sido motivo de múltiples indagaciones el concepto específico de gestualidad musical. Una de las acepciones básicas en la que coinciden diferentes teóricos es que la gestualidad musical remite a un tipo de movimiento que conlleva algún tipo de significación particular. Desde este lugar, dicho concepto nos enfrenta a un sentido de continuidad discursiva, de movimiento, que va más allá de la mera continuidad de sonidos y ritmos encadenados. Esta continuidad, este movimiento, es perfectamente perceptible al escuchar una obra musical y más aún al interpretarla o componerla. Habida cuenta de que toda obra musical, desde un punto de vista sintáctico, es el resultado de la interacción entre diferentes parámetros (melodía, armonía, ritmo, etc.), el emergente gestual remite más al mundo de significaciones que surgen de la interacción entre dichos parámetros que al mundo de sus lógicas constructivas sintácticas. El gesto musical puede ser concebido, entonces, como una continuidad discursiva que adquiere significación 2 . En este sentido, el concepto de gesto musical remite a un concepto holístico, en donde los parámetros armónico, melódico, rítmico y métrico, junto a indicaciones de "tempo", articulaciones, dinámicas, tímbricas, interactúan en un todo indivisible 3 . Si escuchamos los cuatro primeros compases del 1er. movimiento de la Sinfonía en Do Mayor K.551 de Mozart Ejemplo 1

Come componente del focus group della ricerca mi sono trovata nel ruolo di osservatore delle video registrazioni delle lezioni di strumento svolte nell'ambito del progetto di ricerca. L'osservazione di un video, con un ruolo non-partecipante, suscita diverse domande a chi è coinvolto nella video-osservazione: cosa osservare e come? Cosa accade al di là dell'inquadratura? Cosa è successo prima e dopo l'attività che è stata ripresa? Nello stesso tempo, un contesto di interazione tra alunno e insegnante è definito da attività, invenzioni musicali, scambi di parole e discorsi articolati secondo una successione temporale, ma anche da gesti, prossemica, relazioni spaziali, sguardi, anticipazioni, posture. Ci si chiede se è utile selezionare solo alcuni fenomeni e osservarli secondo un asse longitudinale o avere un approccio olistico. Inevitabilmente il mio personale background di docente di pedagogia musicale mi ha portato a mettere a fuoco alcuni aspetti della realtà che mi è stato chiesto di osservare e a metterne altri sullo sfondo. Inoltre, il sistema di valori, credenze, convinzioni che inevitabilmente formano la mia personalità si saranno interposti nel creare un inconsapevole filtro interpretativo dei fenomeni osservati. È dunque da questa prospettiva, in qualche modo parziale, che vorrei offrire la mia testimonianza sull'esperienza di ricerca in ambito strumentale e stimolare una serie di riflessioni. Fin dal primo video emerge un profondo ripensamento dell'impianto metodologico e pedagogico della tradizionale lezione di strumento che si evidenzia in molteplici aspetti, alcuni dei quali si potrebbero riassumere nei seguenti punti: -Rilevanza della relazione tra insegnante e alunno -Percorso di apprendimento centrato su un approccio creativo e analitico nell'interazione con lo strumento -Differente rapporto con il repertorio -Proposta di modelli esecutivi posticipata -Centralità della relazione tra suono, gesto e simbolo. Il mio intervento cercherà di definire questi ambiti e riflettere sulle loro implicazioni pedagogiche nelle prime fasi di apprendimento strumentale. La relazione insegnante/alunno: la relazione diadica tra alunno e maestro è centrata costantemente sulle "scoperte" del bambino intorno alla musica, piuttosto che sulla trasmissione di conoscenze tra maestro e alunno. La centralità del bambino non si limita all'approccio didattico sullo strumento, ma si estende ad ogni aspetto della sua esperienza affettiva con la musica. Ogni incontro inizia a termina con domande che pongono al centro il benessere del bambino nella sua interezza "come ti senti oggi" e al termine della lezione "e adesso come ti senti? Come è passato il tempo?" per

The article offers an overview of the main perspectives on the functions of music drawn from sociology and semiotics. A first section is devoted to the classical approaches by Mukarovsky, Jakobson, Lévi-Strauss, Stefani, Merriam, Adorno and Attali and is focused on music as perceived/consumed and produced in presence (Live). A second section faces the changes brought about by recorded music and focuses on a few functions such as background (décor), mobilization, competition and a plethora of functional uses.

In this paper we aimed to understand the effect of the store's color on the intention to purchase microtransactions in video games. We emphasized understanding the effect of color (blue and red) on purchase intention when the relationship is mediated by the individual's degree of arousal and conditioned to the levels of involvement. The theoretical model used is inspired in the stimulus-organism-response paradigm , and advocates that the warmer colors may have a negative response. The results of the quasiexperiment, in which only the ambient color was manipulated, showed that reddish colors induce a higher degree of arousal when compared to bluish colors. However, the impact on behavioral intention is indirectly proportional to the store environmental stimuli hue. Moreover, the conditional effect of involvement indicates that low-involvement gamers are more susceptible to persuasive influences of store environment color than high-involvement players.

publicado el 19 de septiembre de 2025 Resumen Este artículo examina, desde una perspectiva físico-matemática y transdisciplinaria, las relaciones estructurales y epistemológicas entre la matemática y la música. Se argumenta que ambas disciplinas comparten principios formales como la simetría, la periodicidad, la proporción y la emergencia de patrones complejos, lo que permite su articulación teórica mediante modelos diferenciales, sistemas dinámicos no lineales, geometría fractal, topología musical y algoritmos computacionales. A partir de una revisión crítica que abarca desde las proporciones armónicas-pitagóricas hasta los modelos contemporáneos de inteligencia artificial generativa, se muestra cómo la música puede ser comprendida como una estructura formalizada en el tiempo, susceptible de análisis, síntesis y creación mediante lenguajes matemáticos. Asimismo, se exploran implicaciones epistémicas profundas en torno a la representación, la creatividad y la cognición musical, proponiendo una integración entre conocimiento formal y experiencia estética. La música emerge así no solo como objeto de análisis, sino como una expresión computable de orden, complejidad y sentido. Introducción La relación entre matemática y música tiene sus raíces en la tradición pitagórica, donde el descubrimiento de las proporciones armónicas marcó un punto de inflexión en la comprensión del sonido. Los pitagóricos observaron que intervalos musicales fundamentales correspondían a razones numéricas simples: la octava (2:1), la quinta justa (3:2) y la cuarta justa (4:3). Estas proporciones, construidas a partir de números enteros pequeños, se interpretaron como la manifestación de un orden cósmico, en el cual el universo entero respondía a leyes matemáticas expresadas a través de la armonía musical.

In der Haupthalle des Pariser Musée d'Orsay schwebte 2021 ein riesiger Bildschirm, auf dem rätselhafte Bilder zu sehen waren: Eis schollen, aus denen Feuersäulen aufsteigen, Mondlandschaften mit Pfützen in bizarren Farben, Geisterschiffe, die über Packeis gleiten, aber auch Blumen mit doppelten Stempeln, die wie geklont aussehen und eine Art postapokalyptisches Herbarium bilden. Im Kontext der Ausstellung Les ori gines du monde. L'invention de la nature au XIX siècle (Die Ur sprünge der Welt. Die Erfindung der Natur im 19. Jahrhundert) er öffnete Artificialis, eine eigens für das Museum entworfene Präsentation des Films von Laurent Grasso, neue Perspektiven auf unsere heutige Welt-eine Welt, in der die Idee einer eigenständigen Natur, wie sie im 19. Jahrhundert Konjunktur hatte, nicht mehr gültig ist, eine Welt, in der nichts mehr ursprünglich und in der es nicht nur sinnlos, sondern praktisch unmöglich geworden ist, das Natürliche vom Künstlichen zu trennen.

Where can reggae knowledge be found? Where is the extraordinary contribution made to British culture by dub lyricism and bass culture to be found? After half a century of reggae music it remains true that its story is not adequately documented in books or on the university curriculum. With some honourable exceptions, the story of reggae in Britain remains

It has been established over the years that music has the potential of influencing people psychologically, emotionally, culturally, etc. Often times, this influence usually manifest in people's preference for certain products while engaging in shopping or marketing activities. This paper therefore examines the intersection of music and marketing of selected goods and services in Nigeria with the aim of exploring the significant role which music plays in promoting such products, services, brands, etc. While this is a welcome development in meeting household needs, however, there are notable challenges that are associated with marketing of goods and services in Nigeria in relation to engagement with music. Therefore, this paper examines such challenges and prospects, and also discusses related issues. This paper employs an ethnographic method and analysis of the selected songs chosen for this paper. The findings of the study revealed the significant roles of music in marketing thereby enhancing high demand and consumption of goods and services by consumers at all levels inspite of seemingly challenges involved in the intersection of music and marketing.

Abstract. The use of expressive marks on musical scores (eg, lamen-toso, affetuoso, etc.) documents well the common assumption that emo-tions play an important role in music performance. This paper describes a model for simulating emotional behaviour in autonomous agents, for ...

In this paper, we report on a qualitative study based on the “Meet4Music” (M4M) project recently developed at the University of Music and Performing Arts Graz, Austria. M4M is a low-threshold community-based program where participatory sessions dedicated to different artistic activities are freely offered to people from different social and cultural backgrounds. Our study explores how M4M promotes self-expression, creativity, social understanding, and artistic development through a number of interviews that we collected with the “facilitators”—those who help guide the heterogeneous ensemble of participants without being committed to a fixed and pre-defined teaching content. Our data focus on three aspects of M4M: “mutual collaborations,” “non-verbal communication,” and “sense of togetherness.” Taking the “enactive” approach to cognition as a theoretical background, we argue that M4M helps to promote a sense of community that goes beyond the distinction between “individuality” and “c...

The music genre of jazz is commonly associated with creativity. However, this association has hardly been formally tested. Therefore, this study aimed at examining whether jazz musicians actually differ in creativity and personality from musicians of other music genres. We compared students of classical music, jazz music, and folk music with respect to their musical activities, psychometric creativity and different aspects of personality. In line with expectations, jazz musicians are more frequently engaged in extracurricular musical activities, and also complete a higher number of creative musical achievements. Additionally, jazz musicians show higher ideational creativity as measured by divergent thinking tasks, and tend to be more open to new experiences than classical musicians. This study provides first empirical evidence that jazz musicians show particularly high creativity with respect to domain-specific musical accomplishments but also in terms of domain-general indicators of divergent thinking ability that may be relevant for musical improvisation. The findings are further discussed with respect to differences in formal and informal learning approaches between music genres.

Este texto é um fragmento do primeiro capítulo do livro Deleuze - De l'animal à l'art. O capítulo O animal anômalo é divido em sete partes e optamos por traduzir somente as três primeiras partes do mesmo. Todas as referências utilizadas pela autora são citações diretas das obras originais em francês. No entanto, como as obras estão traduzidas para o português (Brasil) escolhemos utilizar a referência da tradução brasileira nas citações, fora do corpo do texto, da obra DR (Diferença e Repetição) que é a mais citada no texto em voga.

Profesores y alumnos de música en conservatorios y escuelas encontrarán en “Música… ¡y acción!” un método “todo en uno”, una propuesta completa, amena y activa, para embarcarse en el apasionante camino de la formación musical.
Partiendo de canciones populares los alumnos descubren los elementos del lenguaje musical abordados en la unidad didáctica correspondiente. Los nuevos contenidos se trabajan desde múltiples
enfoques a través de actividades de ritmo/lectura, entonación, teoría, audición/dictado, movimiento y creatividad/improvisación/composición.
Cada unidad gira en torno a una temática, generada por el texto de la canción inicial, y que también está presente en las actividades de movimiento y creatividad.
Se presentan nuevos instrumentos en cada unidad. Sus timbres se emplean en la grabación de los ejercicios de audición/dictado y lecciones de entonación que pueden descargarse siguiendo las siguientes instrucciones.
El libro del profesor contiene, además de las soluciones de los ejercicios de audición/dictado, orientaciones para descubrir y presentar los elementos novedosos de cada unidad didáctica a partir de la canción introductoria (“Descubriendo una canción”) y sugerencias adicionales para el desarrollo de las actividades de creatividad/improvisación/composición (“¡Inventamos!”).

Robert Root-Bemstein es un viejo conocido entre 10s estudiosos de la creatividad. Desde hace 20 años ha publicado numerosos trabajos, gran parte de ellos en la linea de 10 que va a ser uno de 10s ejes fundamentales que vertebran este libro firmado con su esposa: la dimensión estética de la creación científica, la búsqueda de una síntesis comprehensiva que explique tanto la labor del científic0 como la del músico, artista o escritor. Es de lamentar la traición al titulo que se ha hecho en la traducción española, con criterios -suponemos-de marketing, aunque un tanto discutibles pues creo que puede resultar más sugerente el titulo original en singular: <<La chispa del genion (Sparks of genius). Es un libro de más de 400 páginas pero de lectura amena y ágil, un libro estimulante, creativo, proponiendo al final de cada capitulo interesantes tareas que involucren al lector a través de una puesta en practica de las habilidades presentadas en el capitulo; de una sorprendente erudición, cargado de análisis de casos ilustrativos de cada tema que trata; aunque en ocasiones son tantos 10s datos de las biografias que aporta que te pierdes en ellos, llegándose a olvidar el propósito del capitulo. Por otra parte, la caractenstica mis digna de elogio -a mi entender-de este libro es su carácter aplicado. El esfuerzo de 10s autores por mostrar las posibilidades de implementar, tanto en la educación formal como en la vida cotidiana del lector, 10s hábitos de una forma creativa de pensar a través de las herramientas que van a presentar en el cuerpo del texto. Se trata de un buen libro-guia para aquellos interesados en la creatividad y su aprendizaje a través del ciclo vital, mediante una educación interdisciplinar. De 10s 16 capitulos, 10s 2 primeros son introductorios y el Último titulado <<La educación integral>> tiene una gran importancia por su dimensión aplicada y porque sintetiza toda la filosofia del libro, como luego expondré. Los 13 capitulos restantes nos presentan cada una de las herramientas de las que esta dotado el pensamiento -según 10s autores-para alcanzar las cotas más elevadas de la creatividad: crlas chispas del genio>>. Todo el10 ilustrado con numerosos ejemplos del ejercicio de tales funciones por genios reconocidos de la ciencia, literatura, música o artes en general, en forma de referencias introspectivas o bien extemas. Los aspectos mis discutibles del libro -desde la perspectiva de la psicologia de la creatividad-son 10s referentes a la presentación de ese catálogo de 13 herramientas que conforman el banco de trabajo de la creatividad y que son, según 10s autores: la observación, la imaginación, la abstracción, el reconocimiento de pautas, la formación de pautas, la analogia, el pensamiento corporal, la empatia, el pensamiento dimensional, el modelado, el juego, la transformación y la síntesis. Cada una de ellas tiene una función psicológica distinta, y todas y cada una de ellas son necesarias para la creatividad. Sin embargo, niegan el carácter cognitivo, en 10s términos clásicos en que es concebido, a estas herramientas que son complementarias de las capacidades cognitivas, a las que no suplen. Sin embargo, parece que existe una contradicción con ese carácter complernentario y casi secundari0 que dan a estas herramientas cuando, más adelante, en el capitulo 2, terminando la presentación, 10s autores dicen: crNosotros creemos que las herramientas mencionadas son útiles para el cultivo de la imaginación y el intelecto, para la reintegración entre el conocimiento intelectual y el conocimiento corporal y para poner de relieve, en suma, con todo lujo de detalles, el modo en que 10s artistas, 10s científicos, 10s bailarines, 10s ingenieros, 10s músicos y

Robert Root-Bemstein es un viejo conocido entre 10s estudiosos de la creatividad. Desde hace 20 años ha publicado numerosos trabajos, gran parte de ellos en la linea de 10 que va a ser uno de 10s ejes fundamentales que vertebran este libro firmado con su esposa: la dimensión estética de la creación científica, la búsqueda de una síntesis comprehensiva que explique tanto la labor del científic0 como la del músico, artista o escritor. Es de lamentar la traición al titulo que se ha hecho en la traducción española, con criterios -suponemos-de marketing, aunque un tanto discutibles pues creo que puede resultar más sugerente el titulo original en singular: <<La chispa del genion (Sparks of genius). Es un libro de más de 400 páginas pero de lectura amena y ágil, un libro estimulante, creativo, proponiendo al final de cada capitulo interesantes tareas que involucren al lector a través de una puesta en practica de las habilidades presentadas en el capitulo; de una sorprendente erudición, cargado de análisis de casos ilustrativos de cada tema que trata; aunque en ocasiones son tantos 10s datos de las biografias que aporta que te pierdes en ellos, llegándose a olvidar el propósito del capitulo. Por otra parte, la caractenstica mis digna de elogio -a mi entender-de este libro es su carácter aplicado. El esfuerzo de 10s autores por mostrar las posibilidades de implementar, tanto en la educación formal como en la vida cotidiana del lector, 10s hábitos de una forma creativa de pensar a través de las herramientas que van a presentar en el cuerpo del texto. Se trata de un buen libro-guia para aquellos interesados en la creatividad y su aprendizaje a través del ciclo vital, mediante una educación interdisciplinar. De 10s 16 capitulos, 10s 2 primeros son introductorios y el Último titulado <<La educación integral>> tiene una gran importancia por su dimensión aplicada y porque sintetiza toda la filosofia del libro, como luego expondré. Los 13 capitulos restantes nos presentan cada una de las herramientas de las que esta dotado el pensamiento -según 10s autores-para alcanzar las cotas más elevadas de la creatividad: crlas chispas del genio>>. Todo el10 ilustrado con numerosos ejemplos del ejercicio de tales funciones por genios reconocidos de la ciencia, literatura, música o artes en general, en forma de referencias introspectivas o bien extemas. Los aspectos mis discutibles del libro -desde la perspectiva de la psicologia de la creatividad-son 10s referentes a la presentación de ese catálogo de 13 herramientas que conforman el banco de trabajo de la creatividad y que son, según 10s autores: la observación, la imaginación, la abstracción, el reconocimiento de pautas, la formación de pautas, la analogia, el pensamiento corporal, la empatia, el pensamiento dimensional, el modelado, el juego, la transformación y la síntesis. Cada una de ellas tiene una función psicológica distinta, y todas y cada una de ellas son necesarias para la creatividad. Sin embargo, niegan el carácter cognitivo, en 10s términos clásicos en que es concebido, a estas herramientas que son complementarias de las capacidades cognitivas, a las que no suplen. Sin embargo, parece que existe una contradicción con ese carácter complernentario y casi secundari0 que dan a estas herramientas cuando, más adelante, en el capitulo 2, terminando la presentación, 10s autores dicen: crNosotros creemos que las herramientas mencionadas son útiles para el cultivo de la imaginación y el intelecto, para la reintegración entre el conocimiento intelectual y el conocimiento corporal y para poner de relieve, en suma, con todo lujo de detalles, el modo en que 10s artistas, 10s científicos, 10s bailarines, 10s ingenieros, 10s músicos y

The aim of this mixed-methods study was to investigate the development of children’s improvised song endings over the course of two years, through researcher-led tasks. While quantitative data were used to examine the roles of age, biological sex, and music training on children’s improvised song endings and pitch-matching skills, qualitative data were gathered to shed light on the musical contents of improvisations, the strategies used by children when improvising, and children’s reactions to different improvisatory tasks. Although scores for both improvised song endings and pitch-matching skills increased with age ( p &lt; .01), there were no significant group differences between musically-trained children and their untrained peers. Additionally, girls outperformed boys in both improvisation and pitch-matching tasks ( p &lt; .01). Qualitative data offered six strategies that children used to improvise song endings, and suggested that engagement in improvisational tasks depends on a...

Anhand einer Untersuchung der Bagatellenzyklen op. 119 und op. 126 von Ludwig von Beethoven wird eine Theorie der kleinen Form entwickelt - und in eins damit ein Aspekt der Modernität beleuchtet, die von Beethovens Spätwerk antizipiert wird.

Based on an examination of the Bagatelle cycles op. 119 and op. 126 by Ludwig van Beethoven, a theory of the small form is developed — and, at the same time, an aspect of modernity is illuminated, which is anticipated in Beethoven’s late works.

The article characterizes the component structure of music and performance practice of a musical art would-be-teacher, determines the notion of “author’s ability” as a system-making cause of music and performance practice of a future teacher and professionally meaningful personal feature, which denotes the highest level of a personal artistic development, its core power, artistic intellection and emphasizes the meaningful of a would-be-teacher personality of a musician as continuity. The psychological analysis of music and performance process, its entire mechanisms states that the interrelation of the highest intellectual value and meaningful power of personality realizes in process of its activity, personal features are reviling, making current, developing, the artistic mind, emotionality, artistic vision, empathy, creativity, freedom, self-analysis is mastering, artistic and interpretational abilities are improving. The structure and functional analysis of entire components of mus...

What you see above is Figur 3, the third graphic example, from an analytical essay on Beethoven's Third Symphony by the Austrian music theorist, pianist, and composer Heinrich Schenker . The essay is titled "Beethoven's Third Symphony: Its True Content Described for the First Time" (Beethovens Dritte Sinfonie zum Erstenmal in Ihrem Wahren Inhalt Dargestellt). It is the second of three essays in the third of three volumes of Schenker's Masterwork in Music series (1925)(1926)(1927)(1928)(1929)(1930). Figur 3 depicts what Schenker conceives of as the "third layer" (dritte Schicht) of the subsurface organizational layout of the symphony's entire first movement. (More on the conceit of layers in a moment.) There is a lot going on in Figur 3. Its cascade of hieroglyphs is visually overwhelming. But we can home in on a detail that is both noteworthy and manageably bite-sized by observing that one thing Figur 3 does is to use horizontal beams, i.e. slightly thickened lines that are tangent and parallel to vertical note stems, to isolate, underscore, and characterize a handful of musical events. Let's briefly examine three of these events. 1 Near the end of the graph (at the beginning

Our contribution to the field of Plastic-Visual Education focuses on the updating of the contents and methodology for the teaching of COLOR, based on sensitising children to the work of art. It consists of: 1. A teacher's guide 2. Video tape containing two parts A) Chromatic aspects of ontstanding themes in Art history related to children's expressive interests: The Portrait (5 to 6year-old children) and Stille Life (7 to 8 -year-olds). B) A demonstration of the experience with school children. Thir piece of work is aimed at teacher training students and teacher in general. Nuestra aportación al campo de la Educación Plástico-Visual se centra en la actualización de los contenidos y metodología de la enseñanza del COLOR, fundamentados en la sensibilización del niño hacia la obra de arte. Consta de: 1. Una guía didáctica 2. Un vídeo centrado en A) Aspectos cromáticos de los temas relevantes de la historia del Arte relacionados con los intereses expresivos infantiles: EL RETRATO. (Niños de 5-6 años) y EL BODEGON (6-8 años). B) Ejemplificación de la experiencia con niños escolarizados. Este trabajo está destinado a los alumnos de la Escuela Universitaria de Magisterio y a maestros en activo.

In this paper the question of whether the Phrygian mode is always associated with perceived emotional responses of negative valence is looked into. To this end, we carried out a series of experiments. Music from two musical traditions where the Phrygian mode is very common, flamenco and Galician music, were chosen for listening tests. Our subjects were 124 children of age 4-7. Some subjects were complete unfamiliar with both traditions and some were familiar with the Galician tradition; none was familiar with flamenco music. Results showed that the perceived emotion was in all cases of positive valence, flamenco music having less valence than Galician music.

This article focuses on a paragraph from the work On the Causes, Symptoms, and Treatment of Acute and Chronic Diseases by the Imperial-era physician Aretaeus of Cappadocia (1 st or 2 nd c. AD). Found in the chapter On Mania, this passage describes a specific form of the condition, characterized by violent self-mutilation occurring in ritual contexts marked by aulós music, drunkenness, and collective exaltation. A close analysis of the text suggests that the physician is comprehensively alluding to the widespread cults of female deities such as Magna Mater, Cybele, Dea Syria and Rhea, as well as to their devotees, known in ancient sources as Galli. While Aretaeus refers to this type of madness as entheos ("divinely inspired") and compares its phenomenology to that of initiatory rituals, this article argues that he employs such designations ironically. Rather than embracing a religious framework, he interprets this form of mania in entirely naturalistic and psychopathological terms-an approach with few parallels in ancient medical thought.

A arte, em suas inúmeras formas de manifestação, é reconhecida como a mais antiga forma de comunicação humana e relaciona-se com a educação nos moldes formais como reconhecemos hoje pelo fato inequívoco de que, por si só, já educa. Entender os processos educativos da arte, enquanto formação dos seres humanos, legitima o seu valor e contribuição no contexto educacional. 1 Como manifestação ancestral do homem, a arte está presente em todas as culturas desde os primórdios dos tempos. Sua signifi cação e consequente importância no desenvolvimento das sociedades podem ser vistas nas mais diferentes organizações sociais ao longo da história da humanidade. Arte e Educação entrecruzam-se em um processo de colaboração constante sem, no entanto, que esta ou aquela percam suas especifi cidades. Dizemos isso considerando que a Arte constitui-se como um território que abarca estruturas de organização e desenvolvimento próprios, embora o "contexto" seja considerado sua fonte primária de refl exões. Partindo dessas colocações, vislumbramos a Educação como outro território envolto em suas prerrogativas e objetivos também diretamente ligados ao contexto, portanto, processos históricos dentro do desenvolvimento da humanidade, tal como a Arte. A Educação, ou campo educacional, deve ser considerada como área organizada para mediar/ orientar o processo formativo dos cidadãos. Na concepção de alguns autores, entendemos que a articulação entre os territórios da Arte e Educação gera objetivos e funções ao longo da história da educação brasileira, em outro espaço (hibridizado) que assumiu diferentes perspectivas. Para que possamos estabelecer as bases de refl exão e procedimentos didáticos no âmbito do ensino de arte, faz-se necessário revisarmos os * Doutoranda em Design pela Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro (PUC-Rio); Mestre em Sociedade e Cultura na Amazônia pela Universidade Federal do Amazonas (UFAM); Especialista em História e Crítica da Arte e licenciada em Educação Artística pela UFAM. Maria Evany é bolsista da Fundação de Amparo à Pesquisa do Amazonas (FAPEAM). ** Mestre em Educação, Bacharel e licenciado em Desenho e Plástica pela Universidade Federal de Santa Maria (UFSM). Valdemir de Oliveira é professor e coordenador de qualidade de ensino da Escola Normal Superior (ENS -UEA). 1 Osinski faz uma síntese desse processo, indicando as variações do conceito de artista, artesão, aprendiz e espaços de aprendizagem, para destacar a importância da arte na formação do indivíduo (OSINSKI, Dulce. Arte, História e Ensino -uma trajetória. São Paulo: Cortez, 2002).

The purpose of this study was to compare muscle tension between individuals with and without generalized anxiety disorder (GAD) during a resting state and a stressful mental arithmetic task. Methods: A total of 95 undergraduate students (68 females and 27 males; mean age=19.6, SD=3.5) completed an online survey on GAD symptoms and pathological worry, a diagnostic interview, and two laboratory tasks (resting and mental arithmetic tasks) while electromyography (EMG) signals were being recorded. Results: We found a significant main effect of condition, F(1,93) = 24.13, p<.001, and group, F(1,93) = 4.55, p=.036. Furthermore, there was a significant interaction effect between condition and group, F(1,93) = 5.85, p=.017. A post-hoc analysis revealed that the increase in EMG activity from the resting period, 95% CI [.002398 .003474], to the mental arithmetic task, 95% CI [.003850 .005086], was significant for the GAD group, but not for the non-GAD group. Conclusions: Individuals with and without GAD did not show significant differences in physiologically measured muscle tension at baseline. However, the GAD group showed higher levels of muscle tension during stressful situations when compared to the non-GAD group.

Der Text verortet die Postdigitalität im Kontext einer sich auflösenden Dichotomie von analog und digital und deutet sie als Teil einer umfassenderen Hyperrealität, die sich durch différance als fluider Signifikantenraum kennzeichnet. Dieses philosophisch-medientheoretische Fundament wird auf die Musikpädagogik übertragen. In einem historischen Durchgang wird nachgezeichnet, wie das Fach seit den 1960er-Jahren zunächst reserviert auf neue Medien reagierte, sich dann aber zunehmend für digitale und hyperreale Ausdrucksformen öffnete. Besonders am Beispiel der Universität Münster wird gezeigt, wie Musiklehramtsbildung heute digitale Medien nicht nur integriert, sondern als Teil humanistischer Bildung versteht. Künstliche Intelligenz wird in diesem Zusammenhang nicht als Bedrohung, sondern als Teil der vierten anthropologischen Kränkung diskutiert – und zugleich als Chance zur Erweiterung ästhetischer Praxis begriffen.

The text situates post-digitality within the dissolving dichotomy of analogue and digital, interpreting it as part of a broader hyperreality characterised by différance as a fluid space of signifiers. This philosophical and media-theoretical framework is then applied to music education. Tracing a historical trajectory from the 1960s onwards, the book shows how the field initially approached new media with caution, but gradually embraced digital and hyperreal forms of expression. The case of the University of Münster illustrates how music education today not only integrates digital media but also regards it as an element of humanistic education. In this light, artificial intelligence is presented not as a threat, but as part of the “fourth anthropological affront” — and simultaneously as an opportunity to expand aesthetic practice.

In many West African dance-drumming genres, the emphasis is on involving the gathered community in the performance, inviting them to take turns dancing. In such performance contexts, there is no audience in the strict sense: no group of participants who are not themselves directly involved as performers. Based on ethnographic case studies of music-dance events in rural southern Mali, this article argues for the concept of embedded audiency, showing how musicians provide dancers with the crucial contributions of audiency to performance: focused attention, social recognition, and meaning.

În contextul unei digitalizări accelerate, inteligența artificială (AI) redefinește percepțiile despre identitate, intimitate și autenticitate în mediul online. Această lucrare investighează impactul AI asupra creării și manipulării imaginilor, cu accent pe industria divertismentului pentru adulți, prin analiza filmului Cam (2018). Studiul abordează teme precum personalizarea conținutului, dilemele etice ale utilizării AI și influența tehnologiei asupra percepțiilor despre frumusețe și intimitate. Printr-o metodologie calitativă și o analiză tematică a conținutului vizual și narativ, cercetarea evidențiază modul în care tehnologiile avansate pot submina autenticitatea și controlul asupra identității digitale. Concluziile subliniază vulnerabilitățile individuale în fața noilor tehnologii și relevanța unor măsuri etice și de securitate pentru protejarea identității în era digitală.
Lucrarea propune direcții viitoare de cercetare în domeniul identității digitale și al impactului psihologic al AI în spațiile virtuale.

Rhythmic actions benefit from synchronization with external events. Auditory-paced finger tapping studies indicate the two cerebral hemispheres preferentially control different rhythms. It is unclear whether left-lateralized processing of faster rhythms and right-lateralized processing of slower rhythms bases upon hemispheric timing differences that arise in the motor or sensory system or whether asymmetry results from lateralized sensorimotor interactions. We measured fMRI and MEG during symmetric finger tapping, in which fast tapping was defined as auditory-motor synchronization at 2.5 Hz. Slow tapping corresponded to tapping to every fourth auditory beat (0.625 Hz). We demonstrate that the left auditory cortex preferentially represents the relative fast rhythm in an amplitude modulation of low beta oscillations while the right auditory cortex additionally represents the internally generated slower rhythm. We show coupling of auditory-motor beta oscillations supports building a me...

considerable effort has been made towards understanding how acoustic and structural features contribute to emotional expression in music, but relatively little attention has been paid to the role of timbre in this process. Our aim was to investigate the role of timbre in the perception of affect dimensions in isolated musical sounds, by way of three behavioral experiments. In Experiment 1, participants evaluated perceived affects of 110 instrument sounds that were equal in duration, pitch, and dynamics using a three-dimensional affect model (valence, energy arousal, and tension arousal) and preference and emotional intensity. In Experiment 2, an emotional dissimilarity task was applied to a subset of the instrument sounds used in Experiment 1 to better reveal the underlying affect structure. In Experiment 3, the perceived affect dimensions as well as preference and intensity of a new set of 105 instrument sounds were rated by participants. These sounds were also uniform in pitch, du...