Contemporary Spanish Literature and Film

Este estudio tiene como objetivo analizar el tema de la manipulación en tres obras distópicas españolas contemporáneas: Ciudad sin estrellas (2011) de Montse de Paz, El imperio de Yegorov (2014) de Manuel Moyano y Círculos (2016) de Manuel Ríos San Martín. A través de un examen detallado de pasajes seleccionados de estas novelas, el estudio investiga las diversas manifestaciones del control social, centrándose en cómo la manipulación es empleada por diferentes estructuras de poder. El análisis se basa en metodologías recientes en literatura distópica, particularmente aquellas que abordan la biopolítica, la manipulación mediática y el papel de la tecnología en la conformación de la percepción pública. Cada novela se sitúa dentro de su marco narrativo e ideológico específico, destacando las diferencias en la manera en que los textos exploran temas como el control gubernamental, el poder corporativo y la influencia de los medios de comunicación. El estudio también considera las implicaciones éticas y filosóficas de estas formas de manipulación, examinando cómo desafían las nociones tradicionales de autonomía y libertad. Finalmente, se clasifican las novelas según sus respectivos enfoques de la narrativa distópica, proporcionando una comprensión más profunda de la relación entre literatura, poder y resistencia en la ficción española contemporánea.

When a lot of students struggle in doing their literary analysis, "Heretic (2024)" did better and made it thrilling!"

Heretic (2024) is a thriller movie directed by Scott Beck and Bryan Woods. It was a mind-chilling and an insane approach to storytelling. The dialogues and narratives cause discomfort and goosebumps as it uncovers climactic turns as Mr. Reeds (the antagonist) reveal his conclusion as the "one true religion" to the two female (protagonists) missionaries of the Church of Jesus Christ of Latter-day Saints. But the movie is not only composed of intelligent scriptwriting, it also exhibits a wide-range of literary theories.

Nos guía la pregunta por el aporte de lo visual entendido como una representación con características propias del medio del cómic. El análisis se centra en las técnicas específicas mediante las cuales se logra una clara emergencia de un sujeto colectivo (doble página, viñeta a página entera, uso de planos, focalización). En segunda instancia,

Ripoll León, Verónica y Mendieta, Elios (2025). «El habla neorrural en la literatura española. Recuperación y afectividad por el lenguaje del entorno natural en las obras de María Sánchez y Andrea Abreu», Cultura, Lenguaje y Representación, vol. 36, pp. 183-189. https://doi.org/10.6035/clr.8494

En las últimas décadas, la literatura española ha experimentado un resurgimiento de la temática rural, impulsado por una nueva generación de autores que exploran la vida y el lenguaje del campo. Este artículo se centra en dicha tendencia, conocida como neorruralismo, y analiza las obras de dos jóvenes escritoras, María Sánchez —Cuaderno de campo (2017), Tierra de mujeres (2019), Almáciga (2020) y Fuego la sed (2024)— y Andrea Abreu —Panza de burro (2020)—, poniendo de relieve cómo utilizan el habla rural en sus textos para preservar su riqueza y establecer conexiones afectivas con sus raíces. El análisis revela que el lenguaje literario puede actuar como un medio de resistencia cultural frente a la homogeneización lingüística de un mundo globalizado. A través de su escritura, Sánchez y Abreu contribuyen a la revalorización de lo rural, transformándolo en un espacio de memoria, afecto y resistencia que desafía las narrativas tradicionales.

La mayoría de las contribuciones sobre estudios culturales del turismo, al centrarse en las consecuencias discursivas, identitarias, políticas y culturales del sector turístico, tienden a pasar por alto el metabolismo masivo de esta industria, es decir, los flujos de materiales y energía movilizados por la actividad turística y las drásticas transformaciones ecológicas derivadas de los cambios en los usos del suelo. Así, un foco demasiado centrado en discursos identitarios corre el riesgo tanto de caer en un nacionalismo (o regionalismo) metodológico para analizar un fenómeno de carácter global como de dejar fuera del radar los conflictos ecológicos específicos causados por dichas transformaciones y la manera diferencial en la que estos conflictos afectan a diferentes grupos sociales. Los conflictos socioambientales causados por el metabolismo turístico transnacional son precisamente el foco de estudio de la ecología política del turismo. Este ensayo invita a los estudios culturales españoles sobre el turismo a tener en cuenta las investigaciones sobre ecología política. Todo bajo el sol (2021), novela gráfica de Ana Penyas, ejemplifica claramente la simultánea corrosión social y ecológica causada por la expansión metabólica del turismo en un pueblo valenciano. Esta correlación entre degradación social y ecológica es, precisamente, el centro de la crítica de la ecología política. La novela gráfica española de la última década ha servido de vehículo para criticar dos aspectos importantes a la hora de entender la situación presente: el neoliberalismo y la memoria histórica. Lo que faltaba era conectar estos dos aspectos con la ecología política del turismo en el contexto de la península ibérica. Es precisamente la triangulación magistral de estos tres factores lo que la novela gráfica de Penyas nos ofrece.

within autobiographical-essayistic comics, exploring her own migratory experience in a spatial and temporal narrative that is more evident because of the visual code. Drawing from semiotics, phenomenology, and posthumanism, the analysis examines how the graphic novel constructs a memory of migration through a decolonial and gendered lens. Some elements such as flashbacks, train iconography, and visual metaphors highlight historically marginalized subjects, granting them space and representation within the narrative.

Mary Shelley, la autora de Frankenstein o el moderno Prometeo (1818), ocupa un lugar central en la literatura universal no sólo por su contribución al género gótico y de ciencia ficción, sino también por la manera en que su vida y obra refleja tensiones de género, ciencia y creatividad.

No está permitida la reproducción total o parcial de este libro, ni su incorporación a un sistema informático, ni su transmisión en cualquier forma o por cualquier medio, sea este electrónico, mecánico, por fotocopia, por grabación u otros métodos, sin el permiso previo y por escrito del editor. La infracción de los derechos mencionados puede ser constitutiva de delito contra la propiedad intelectual (art. 270 y siguientes del Código Penal). Diríjase a Cedro (Centro Español de Derechos Reprográfi cos) si necesita fotocopiar o escanear algún fragmento de esta obra. Puede contactar con Cedro a través de la web www.conlicencia.com o por teléfono en el 917021970/932720407. Este volumen ha sido publicado con una subvención de la Unión Europea en el marco del Proyecto 2023-1-ES01-KA131-HED-000138041 Imágenes de la violencia en la literatura y el arte: representaciones artístico-literarias en España y Latinoamérica (siglos XX y XXI). Este libro ha sido sometido a evaluación por parte de nuestro Consejo Editorial Para mayor información, véase www.dykinson.com/quienes_somos

Epilogue 16 "Qué casa tan … acogedora": Gendering Comfort and Domestic Space in Pedro Almodóvar's ¿Qué he hecho yo para merecer esto! 329 sally faulkner Contributors 341 Index 347 2 "By Which Ritual Was the House of Our Life Erected"? carlos sambricio

A partir de un estudio de la antología «Seis jóvenes poetas españoles», publicada en la revista Mundo Nuevo en 1968 por José María Castellet, se reconstruye el contexto estético e ideológico en el que apareció este olvidado precedente de Nueve novísimos poetas españoles (1970). Muchos de los presupuestos estéticos esbozados allí aparecerían radicalmente expuestos en la antología de 1970. El estudio también revela la conexión estético-ideológica entre el enfoque de Castellet y los movimientos intelectuales progresistas disidentes de la segunda mitad de los años sesenta.

Resumen: Este artículo analiza La isla de los jacintos cortados (1980) de Gonzalo Torrente Ballester, enfocándose en la relación entre Historia e historia, la intertextualidad y la fractalidad en la construcción del relato. Tomando como punto de partida la teoría de la narratividad histórica de Hayden White, se examina cómo la novela problematiza la construcción del pasado, la autoridad del historiador y la autoría literaria. Integrando la polifonía bajtiniana y la intertextualidad según Julia Kristeva, se exploran las posibilidades de creación literaria y de escritura como un ejercicio de conjugación de múltiples voces y transgresión. De esta forma, se analiza el relato enmarcado, en el que el narrador, en su intento de (re)construcción de la figura de Napoleón, no solo revisita la historia, sino que la transfigura, guiado por un personaje misterioso. Finalmente, se propone una lectura de la novela como un ejercicio de puro gozo, que en el juego de la repetición transforma la Historia en historia.

A partir de la lectura de El jinete polaco Antonio Muñoz Molina se reflexiona sobre la construcción del discurso sobre la memoria histórica que realiza el autor en esta novela. Se analiza la utilización de fotos e imágenes como motivos a partir de los cuales los personajes arman su relato del pasado desde una perspectiva personal. Se pone en consideración este procedimiento con otras novelas del autor y como característica de autores contemporáneos. En 1991 Antonio Muñoz Molina publica El Jinete polaco, novela por la que obtiene el Premio Planeta. El autor vuelve a invocar en el texto la ciudad imaginaria, Mágina que ha construido ya en novelas anteriores 2 . Esta novela desplegará ante el lector la trayectoria vital de un muchacho de un pueblo de provincias, que escapa hacia la ciudad para estudiar y convertirse luego en intérprete simultáneo 3 . Plantado en la vida que parecía inalcanzable de niño en las sierras andaluzas, recorrerá de adulto las grandes capitales. Para el personaje irse de la ciudad entonces también es la solución o el objetivo de quien no quiere seguir defendiendo la identidad estable que da un pueblo y que sus convecinos le reclaman. Es así que retoma Muñoz Molina al héroe modelo de sus primeros escritos, el capitán Nemo. 1 Este trabajo forma parte de mi investigación como integrante del proyecto "Memoria histórica y representación del pasado reciente en la narrativa española contemporánea" dirigido por la Dra. Raquel Macciuci, acreditado ante el Programa de Incentivos a la Investigación (UNLP H407) y aprobado por la AGENCIA (Agencia Nacional de Promoción Científica y Tecnológica) FONCyT bajo el registro PICT 2004 Nº 20918. 2 Aparece en este gesto la referencia a la tradición literaria, ya que se desprende de las declaraciones del autor la cita homenaje a la Santamaría de Onetti cuando explica su intento de construir imaginariamente esta ciudad de provincia, con su sierra, su río, y su colección de personajes y referencias arquitectónicas que aparecerán en varios de sus textos de ficción. En la presentación de su último libro en Buenos Aires el 25 de octubre pasado, el autor comentó: "Hay una sierra de Mágina y un aceite de cocina «Oro de Mágina». Al cambiarle el nombre a mi ciudad [se refiere a Úbeda, la ciudad «real»], es mía, puedo cambiarle lo que quiera" (mimeo). 3 Es necesario recordar aquí que simultáneamente a la novela de Muñoz Molina, Julián Marías publica su Corazón tan blanco, en la que el protagonista también es interprete simultáneo. Para análisis al respecto de ambas novelas ver Fernández ( ) y ( ).

The Role of Women in Carmen Laforet's Short Stories. Mark P. Del Mastro. The Citadel. ... Demasiada carne y patatas… A ti se te nota. Has perdido la línea" (Novelas 273). To society, however, Juan Pablo's own situation is almost less respectable than his sister's. ...

El Sitio de Baler (1898-1899) fue el hito culminante de los más de tres siglos de presencia española en Filipinas. Uno de sus protagonistas, el castillero Felipe Castillo Castillo (1877-1964), tuvo una existencia ejemplar, que puede servir como modelo para algo tan denostado en la educación actual como es la cultura de la defensa. Su existencia, que vivió ese episodio en Filipinas y otros no menos azarosos de vuelta a España y a nuestra Sierra Sur, es un referente que trasciende la simple historia local, normalmente desarrollada por eruditos de las propias villas, pueblos o ciudades, que, con la mejor de sus intenciones, ofrece resultados dispares, pero siempre interesantes para estudiosos o investigadores de mayor o menos cualificación o amplitud de miras.

Un extranjero llamado picasso (paidós, Barcelona 2023), ofrece una mirada fresca y atractiva sobre la relación de Francia con Picasso, un genio que eligió vivir y crear en Francia a partir de 1901. Y, sin embargo, de
Francia al inicio solo consigue el rechazo: el gran país de los maestros del siglo XX: Miró, Brâncuși, Dalí, Brauner, Wols, Max Ernst, Apollinaire, Ghérasim Luca... Francia, enriquecida con talentos venidos de fuera, niega la nacionalidad francesa al gran monstruo de la pintura del siglo XX.

Se trata de una obra extensa, compuesta de tres grandes partes, que reciben nombres originales, descriptivos: de cintura para abajo (primera parte), de cintura para arriba (segunda parte) y del cuello para arriba (tercera). Cuenta, además, con tres aparta dos introductorios: un prólogo (la brecha) donde orienta la producción, qué tipo de antropología ha
querido hacer; en segundo lugar, Aprobado general, donde se da un repaso a la anatomía que conocemos para conseguir movernos mejor luego en el interior de la obra y, finalmente, tercer apartado introductorio, Paseo por el museo del Prado. Aquí el autor nos invita a tomar la escultura  grecolatina como modelo para  reconocer en ella la fisiología que  describe en su obra. Y cuatro apartados conclusivos: epílogo, apéndices anatómicos, el índice completo y las notas. una obra muy completa y minuciosa.

Own Death, an autobiographical narrative by one of Hungary’s most acclaimed prose writers, tells the story of the author’s heart attack and resuscitation with a focus on the episode that is popularly referred to as a « near-death experience ». In his adaptation,3 the experimental film-maker Péter Forgács turned Nádas’s narrative into a melancholic-poetic-ironic complex of text and images that can be seen as both an adaptation of or homage to Nádas’s literary work and Forgács’s own self-reflexive autobiography in film. In my paper I discuss Forgács’s adaptation as an essayistic answer to Nádas’s philosophical autobiography and try to describe its texture of voice, text, and image as a reflection on the inevitably multi-subjective nature of adaptations of autobiographies

Este artículo analiza Barton Fink (1991), de los hermanos Coen, como una reflexión sobre el proceso creativo, la figura del escritor y su lugar dentro de la industria hollywoodense. La película se construye en torno a la "vida de la mente", explorando las tensiones entre la soledad, la imaginación, la creación artística y las presiones del sistema cinematográfico. A través de un relato ambiguo y enigmático, se ponen en juego referencias literarias, históricas y cinematográficas que revelan una crítica tanto al rol del guionista como a la industria del espectáculo. El texto examina cómo el personaje de Barton encarna el dilema entre el arte personal y las exigencias del mercado, situando la obra como una de las representaciones más inquietantes del oficio de escribir en el cine contemporáneo.

This article analyzes Barton Fink (1991), by the Coen brothers, as a reflection on the creative process, the role of the writer, and his position within the Hollywood industry. The film revolves around the “life of the mind,” exploring the tensions between solitude, imagination, artistic creation, and the pressures of the film system. Through an ambiguous and enigmatic narrative, it brings together literary, historical, and cinematic references that expose a critique of both the screenwriter’s role and the entertainment industry. The text examines how Barton embodies the dilemma between personal art and market demands, positioning the film as one of the most unsettling portrayals of writing in contemporary cinema.

Al hilo de los últimos compases del Vaticano II, José Jiménez Lozano, que había cubierto desde Roma el concilio, comienza a publicar en el semanario Destino las "Cartas de un cristiano impaciente", artículos que constituyen un "ensayo en marcha", una demanda "impaciente" por lograr que la doctrina de aquella asamblea se trasladara a la sociedad hispánica. Las "Cartas" constituyen un retrato fascinante de un cambio de modelo, la intrahistoria de un punto de giro en las sociedades occidentales.

Este artículo explora los imaginarios de la corrupción en España mediante la representación de la Sevilla del Barroco en El oro del rey (2000) de Arturo Pérez-Reverte. A través del análisis de tres personajes centrales-el duque de Medina Sidonia, el capitán Alatriste y el rey Felipe iv-, se enseña la corrupción como una norma social de la Sevilla del siglo xvii. Pérez-Reverte aborda este fenómeno desde diversas perspectivas éticas y niveles de privilegio social, lo que facilita una exploración exhaustiva de sus implicaciones. El análisis revela que la tolerancia y la impunidad frente a la corrupción actúan como fuerzas transformadoras de los imaginarios sociales y literarios. Este estudio contribuye al entendimiento de cómo los escritores contemporáneos ofrecen una comprensión diacrónica de la corrupción, a la vez que invitan a los lectores a reinterpretar esta problemática histórica y su relevancia en la actualidad.

Este artículo analiza la posibilidad de considerar a Joaquín Sabina un poeta maldito en virtud de su imagen autorial. Para ello se revisan los rasgos configuradores esenciales del malditismo y se comprueba que Sabina solo se vincula circunstancialmente con ellos. Por tanto, se propone observar su imagen dentro de la bohemia y en relación con la figura del dandi más que con la del maldito. / This article examines the possibility of considering Joaquín Sabina as a poète maudit based on his image as an author. To this end, the essential characteristics of malediction are reviewed, and it is found that Sabina is only circumstantially associated with them. Therefore, it is proposed that his image should be placed the world of bohemianism and that the figure should be that of the dandy rather than that of the poète maudit.

El vaho de mi aliento, Ecos, ondas, rumor de murmullo, raíz-amor, hilos de seda, horca y vid, Mi respiración e inspiración, el latido de mi corazón, el paso de sangre y aire por mis pulmonp, El olor ele las hojas verdes y de las hojas secas, y de la playa y de las oscuras rocas marinas, y del heno en el granero. En este Material de Lectura, Ana Rosa González Matute ha celebrado y cantado a \\'hilman en una traducción cuidadosa, la cual adquiere aún más ,•alor si tomamos en cuenta que la bella obra en espailol de León Felipe es una paráfrasis, la traducción de Concha Zardoya para la Editorial Aguilar utiliza el espailol de Espaila, lo cual res\!lta algo raro para gran parte del público mexicano, y la ,•ersión de Alvaro Armando Vasseur, quien fue el primer traductor de vVhitman al español, no respeta la división en cantos, entre otras cosas. En el último canto del poema Whitman escribe: El halcón manchado desciende sobre mí y me acusa, se queja de que hablo mucho y no hago nada. A mí tampoco me ha domado, yo también soy intraducible, Hago sonar mi bárharo graznido por encima de los techos del mundo. Con esta traducción, Ana Rosa no sólo ha desafiado al"gran viejo de la arruga olímpica", también ha demostrado que el hárbaro graznido intraducible puede sonar en otras lenguas~

En esta película, que para mí fue la mejor del año 2024, dijeran lo que dijeran los premios Goya -sólo dos nominaciones, a Mejor Guión Adaptado y Mejor Actriz Revelación, y un único premio, a la segunda-, Mar Coll aborda un tema que continúa siendo tabú en nuestra sociedad, puesto que la maternidad sigue estando tan idealizada (e incentivada) como en el franquismo... si no más. Ya no se trata de una "obligación" y -precisamente por ello, porque se presenta como "libre elección"-, la presión a la que están sometidas las mujeres en edad de procrear es aún más perversa que antaño.

La novela La casa del padre (2020), publicada originalmente en euskera por la escritora Karmele Jaio, gira en torno a la toma de conciencia que realiza su protagonista, un escritor que padece dificultades para escribir su nueva obra, sobre la transmisión intergeneracional de los valores hegemónicos de la masculinidad y las consecuencias negativas que estos acarrean. La novela desarrolla una crítica profunda de la patrilinealidad –la educación masculina tradicional de los hijos por parte de sus padres– y de la homosocialidad –las relaciones sociales entre hombres que asientan el poder heteropatriarcal. Ismael, el protagonista, encarna una masculinidad intelectual que resulta cómplice de la hegemónica al centrarse en su obra y apoyarse en los trabajos de cuidados de su madre y de su esposa, quien, además, se encarga de corregirle las obras que publica. Sin embargo, los casos de mujeres violadas que aparecen en los medios de comunicación y la toma de conciencia del sacrificio familiar de su madre y de su esposa provocan que Ismael asuma la realidad ubicua del heteropatriarcado y se percate de su complicidad y culpabilidad en el mantenimiento del poder masculino en la sociedad. Aunque al final decide no firmar con su nombre la novela de su esposa y comienza a escribir una nueva explorando los aspectos negativos de la masculinidad transmitidos por su padre, se desconoce si llegará a adoptar un comportamiento más igualitario en su vida cotidiana, lo que muestra la compleja realidad de las supuestas “nuevas masculinidades”.

Interview with Carmen Gil Martínez. Spanish writer of children's literature, teacher and literature professor. Author of fiction, theatre and poetry for children. A lover of children and the charm of words. A tireless advocate for reading. The present work presents the results of an interview conducted with the writer about the power of children's literature in shaping readers.

La autobiografía "El amor del revés" (2016) de Luisgé Martín constituye un ejemplo paradigmático en la literatura española de cómo los discursos hegemónicos inciden en la construcción identitaria, pues narra el largo proceso de autoaceptación como hombre gay que experimenta su protagonista. Para analizar dicho proceso, este artículo se centra en las manifestaciones de lo abyecto y lo monstruoso que aparecen a lo largo del texto y que remiten a la percepción de sí mismo que tuvo el autor antes de reconocer su sexualidad.

Artikulu hau Jean Etxepareren Beribilez (1931) liburuari buruzko tesi baten jarraipena da. Hari nagusia da Jean Etxepareren eta Pío Barojaren arteko paralelismo bat egitea, zenbait berdintasun eta alde zerrendatuta. Paralelismoa, batez ere, idazle bi horien euskal alderdi identitarioari dagokio, nahiz eta sartu-irten bat edo beste ere egingo den haien ikuspegi filosofikoetan. Bi idazleak garaikideak dira eta Europako pentsamendu-giro beraren zordun, ahaztu gabe biek adierazten duten euskaltzaletasun konpartitua, zentzurik zabalenean. Azpimarratzekoak dira, bestalde, bi idazleon obrek izan zituzten gizarte-harrera bereziak, eta idazleon jarrera-desberdintasunak egia adierazteko, kontuan izanik bakoitzak zuen irakurlegoaren izaera, bata euskalduna eta bestea erdalduna. Gako hitzak: Jean Etxepare; Pío Baroja; laikotasuna; literatura konparatua; heterodoxia. rEsUMEn Este artículo es continuación de un completo estudio para una tesis doctoral sobre el libro de Jean Etxepare Beribilez (1931). se realiza un estudio comparativo entre Jean Etxepare y Pío Baroja con el objeto de encontrar coincidencias y diferencias. Esta investigación se basa principalmente en su ideología identitaria vasca, aunque también se presta atención a cuestiones filosóficas. Los dos escritores son parte del mismo ambiente intelectual europeo, y ambos son empáticos con el País Vasco. se puede decir que su obra literaria estuvo determinada por el perfil de sus lectores hipotéticos, ya que Jean Etxepare escribió principalmente para hablantes de euskera y Pío Baroja dirigió sus escritos a los españoles.

Este artículo tiene como objeto de estudio las canciones-relato de Joaquín Sabina, en otras palabras, aquellas letras en las que cuenta historias. A la luz de diversas teorías narrativas, se analizan los elementos diegéticos de estas canciones -es decir, los acontecimientos, el tiempo, los personajes y el espacio- con un doble objetivo: llevar a cabo un estudio específicamente narratológico que complemente los abordajes previos de esta cuestión y argumentar cómo, en la configuración de esos elementos diegéticos para la narración cancioneril, Sabina se aproxima mucho a los procedimientos característicos del microrrelato. // This article focuses on Joaquín Sabina's song-stories, in other words, those lyrics in which he tells stories. Drawing on various narrative theories, it analyses the diegetic elements of these songs -namely, the events, time, characters, and space- with a dual objective: first, to conduct a specifically narratological study that complements previous approaches to this subject, and second, to argue that, in shaping these diegetic elements for narrating in song lyrics, Sabina closely aligns with the characteristic techniques of microfiction.

Este artículo presenta una caracterización de las 27 óperas primas de ficción filmadas por realizadores noveles en Guadalajara, México, entre 2011 y 2020, examinando su presencia como capital específico dentro del Campo Cinematográfico Transnacional, a través de la perspectiva teórica de Pierre Bourdieu. Se describe la presencia de estas películas en el campo y su integración en el panorama cinematográfico global. Metodológicamente, el estudio implicó la búsqueda y categorización de películas por medio de una investigación documental, sistematizada en una base de datos. Los hallazgos revelan un aumento en la producción cinematográfica, impulsado principalmente por esfuerzos individuales en medio de oportunidades de financiamiento y circulación limitadas.

The filmic productions of Basque filmmaker Álex de la Iglesia are a superb mix of high and low textual, filmic, and musical traditions. My analysis specifically focuses on the aesthetic style and genre manipulations in two films by de la Iglesia, El día de la bestia (1995) and La comunidad (2000).  Both works reference Spanish dark comedy and esperpento, as well as American sci-fi, terror, and horror. The narrative and visual effect of this genre mixing reflects a terrifying image of Madrid, one that comments on the street-level spectacles of economic and consumer excess beginning in Spain's transition to democracy through to the "Spanish miracle" of the 1990s. While this analysis has been suggested by others (Buse et all 2007), they have either not talked about how genre has worked to construct social commentary, or they have misinterpreted the role that genre has played in de la Iglesia's films. Contrary to those critics, the connection between genre and social commentary is fundamental to understanding the director's entire oeuvre, especially El día de la Bestia and La comunidad. It is precisely through genre considerations and textual references that a critique of the economic transformations of post-transition Spain is based. Indeed, the director's allusions to and deviations from genre and canonical text are essential in creating a cognitive space where the films reveal the "hidden" discursive violence of capitalist accumulation as an objective, visible spectacle, one that makes clear the relationship between space, consumption, and individuality in a neo-liberal state. The ultimate effect of de la Igelsia's pastiche is to first blow-up our expectations of genre and, by extension, our notions of ideology as expressed through genre.

Estudios de Historia de España, 27/1 (número monográfico coordinado por Gisela Coronado Schwindt y Julia Roumier titulado « Un paisaje de aromas y perfumes: la seducción del olfato según las fuentes y prácticas medievales y de la temprana modernidad »), 2025, p. 105-124.

Resumen. ¿Es el “olor a vieja” (auto I) que exhala la alcahueta, o sea un olor desapacible, extensible a los demás personajes y al mundo celestinesco en su conjunto? Escasean las menciones propiamente olfativas en la "Tragicomedia" de Fernando de Rojas, como si los demás sentidos —entre los cuales despuntan el oído, dadas las modalidades de transmisión de la misma, y el gusto, tan imperante en una diégesis poblada de consumidores y epulones— monopolizaran y saturaran el espacio sensorial. Intentamos evidenciar lo que sería un paisaje olfativo celestinesco, a partir de la diseminación de notas implícitas e indicios indirectos. ¿Resultaría este paisaje representativo de la manera como los olores se insinúan en los textos literarios cuando no se tematizan explícitamente, y revelador del ambiente olfatorio de las ciudades castellanas en el umbral del siglo XVI? ¿No podrían estos olores ser otras tantas posibilidades de oralización y gestualización de una obra destinada a ser leída en voz alta?

Enlace: https://erevistas.uca.edu.ar/index.php/EHE/article/view/6752

El presente trabajo tiene como objeto plantear y desarrollar una propuesta de Plan Lector y Plan Escritor integrada en el currículo de 1.º de Educación Secundaria Obligatoria en la Comunidad Autónoma de la Región de Murcia que reformule la educación literaria en las aulas. Con ella se pretende que los alumnos se conviertan en lectores activos que participen en la reflexión y producción de la literatura dentro de los márgenes de la cultura de la convergencia del siglo XXI.

La propuesta se sustenta en el marco teórico con la explicación de la narración transmedia como una nueva forma de lectoescritura que podrá llevarse a las aulas, escogiendo la serie televisiva norteamericana «Once upon a time» como hipertexto con el que trabajar la intertextualidad, la inteligencia colectiva y la creatividad. Las guías de lectura diseñadas incentivan la reflexión crítica de los alumnos al introducirlos en la comparación de las versiones y adaptaciones de los doce cuentos populares seleccionados que funcionan como hipotextos de la serie. Igualmente, con las tareas planteadas se pretende fomentar su encuentro con la literatura por medio de su contribución en narraciones clásicas que han superado la oralidad y se han asentado en los medios de difusión digital.

Las FC y las FO que se van a encargar de facilitar y promover la reali-zación de producciones audiovisuales en los territorios en los que se en-marcan, presentan tres pilares de actuación preminente: en primer lugar, se ocupan del asesoramiento y de la mediación administrativa, ofreciendo información sobre localizaciones, premisos para rodar y los servicios lo-cales; en segundo lugar, atraen inversiones a los territorios que repre-sentan, implementando sus escenarios como espacios atractivos para los rodajes, la creación de empleos y el desarrollo de infraestructura que po-tencien y refuercen a la industria audiovisual local; y, en tercer lugar, como promotores de destinos turísticos, diseñan estrategias para la atrac-ción del turismo de pantalla.

This article proposes a discussion on the emergence of self-published, alternative, and grassroots periodicals in neighbourhoods and towns after the end of Franco's dictatorship in Spain (1975), then known as 'marginal press' ['prensa marginal']. Its focus is Bananas (1979-80), a magazine published by a group of young people in Valencia, which brought together poetry, illustrations, and other creative outputs. The study intends to reflect on the following: the historical singularity that characterizes the end of authoritarian regimes; the link between this conjuncture and the self-publishing gesture; and the role of marginal periodicals in articulating strategies of belonging to an alternative culture under construction.

The Iberian Peninsula, home to modern-day Spain and Portugal, serves as a crossroads of regional, international, and transatlantic relations. The peninsula plays a pivotal role in shaping global interactions through its cultural exchanges and geopolitical alliances. This continues to influence global politics, economics, and cultural identity, making the study of Iberia’s relationships crucial to understanding global trends. By examining its connections across Europe, Africa, the Americas, and beyond, researchers may gain insight into how the Iberian Peninsula shapes and is shaped by the world.

Regional, International, and Transatlantic Relations From the Iberian Peninsula to the World explores memory politics and historical revisionism, focusing on dictatorships, migrations and exiles, as well as cross border dialogues between communities within the Iberian Peninsula. It examines international relations, centering on the Anglo-Iberian contacts and influences in the political, historical and cultural domains, and on transatlantic studies in North and South America. This book covers topics such as diplomacy, regional development, and nationalism, and is a useful resource for business owners, historians, government officials, policymakers, academicians, researchers, and scientists.

El volumen recoge una selección (quince) de los trabajos que se presentaron en el Congreso Internacional Ecos y resplandores helenos en la literatura hispana, celebrado en Atenas entre los días 1 y 4 de septiembre de 2021, después de haber sido pospuesto por la pandemia. Fue la tercera edición del encuentro 1 , centrado en el género poético: la tradición cultural helena en la poesía española e hispanoamericana. Las editoras recogen aquí 2 los estudios que se centran en reconocidas voces poéticas de los siglos XIX, XX y XXI, en cuyos versos se destila el amor y la admiración por el mundo griego, tanto antiguo como moderno, convertido en fuente de inspiración, y los han distribuido en dos partes: Voces de hogaño (siete estudios de autores nacidos después de la Guerra Civil española) y Ecos de antaño (ocho, que «prestan mayor atención al cuadro político en el que se enmarcan», pág. 16; todos los autores nacen con anterioridad a la contienda española). Van precedidas de un «Prólogo» (págs. 11-18) en el que Tatiana Alvarado presenta la obra, su temática y sus diferentes capítulos, que siguen un orden cronológico inverso (no rígido), que nos lleva de los poetas más recientes, comenzando por Aurora Luque, Premio Nacional de Poesía 2022, hasta el siglo XIX, terminando con el greco-mexicano Plotino Rhodakanaty. También los va relacionando unos con otros, según fuentes, autores o temáticas.

El simbolismo provinciano ha sido reconocido exclusivamente por los estudiosos en su etapa de eclosión decimonónica al presentarse como novela de perfil urbano. Está tras célebres obras de Balzac, Flaubert, Galdós y Clarín, entre otros. La posterior evolución de la novela provinciana con su expansión hacia el espacio rural y el trasvase de todas sus variantes al ámbito cinematográfico son fenómenos menos estudiados. Nos proponemos iluminar el último de estos capítulos en el que lo provinciano se ofrece como género cinematográfico buceando primero en las raíces culturales de su simbolismo, sentando las bases de su género y ejemplificando sus ramificaciones fílmicas mediante el análisis de películas del ámbito español que, mayoritariamente, adaptan novelas provincianas.

El biográfico-familiar es un subgénero novelesco escasamente reconocido por los estudiosos, pese a estar tras clásicos de Dickens, Balzac o Turguénev. Éxitos actuales de Landero, Longares o María Dueñas lo confirman como una opción prioritaria de la novela contemporánea. Gracias a Bajtín y a sus seguidores, sabemos que simboliza un episodio clave de la Modernidad, que enfrenta tradición y libertad: el proceso polémico de construcción del individuo, envuelto por la familia, la nación o la escuela. Su clave constructiva, una síntesis de biografía, costumbres, historia y educación, debe servir para comprender su espectacular salto a las pantallas, donde ha dado lugar a la "película biográfico-familiar". Pretendemos justificar teóricamente su existencia, iluminar su

El objetivo de este artículo es explicar por qué pueden considerarse posmodernas las letras de Joaquín Sabina. Para ello, se contextualiza primero el poliédrico concepto de la posmodernidad, que surge en respuesta a la modernidad y que se caracteriza por el escepticismo, la fragmentación y la ruptura con los grandes relatos. A partir de esta base teórica, se examina la canción de autor como un objeto artístico posmoderno caracterizado por su hibridismo. Una vez expuestos estos asuntos, la parte nuclear del artículo analiza la posmodernidad en las letras de Sabina desde dos planos, el temático y el estilístico. En el primero de ellos, se explica cómo las letras de Sabina, alineadas con las actitudes vitales que caracterizaron a la España de los 80 y de la movida, reflejan una visión posmoderna de la vida, marcada por la despreocupación y el hedonismo. Frente a cualquier compromiso o acción histórica, sus canciones optan por una actitud lúdica, por la exaltación del placer y por la transgresión de las normas y los convencionalismos. Por otra parte, desde un punto de vista más formal y estilístico, se destacan los recursos característicos de la posmodernidad en la escritura de Sabina, como la intertextualidad, la autoficción, la ironía, la metacanción, la mezcla de registros lingüísticos e incluso el uso de lo que hemos llamado imágenes posmodernas. Estas estrategias refuerzan la conexión de los textos con el público, pues promueven la participación del receptor en la interpretación de una obra posmodernamente abierta.

This article examines the ways in which Sons of the Clouds: The Last Colony, the 2012 documentary directed by the Spanish filmmaker Álvaro Longoria and produced by the Spanish actor Javier Bardem, makes use of celebrity activism and diplomacy in order to reach an international audience and directly pressure the United Nations to intervene in what the film frames primarily as a question of human rights and freedom from oppression. Despite Senator Edward Kennedy's sympathy to the Sahrawi cause and the attention devoted to it by the Robert F. Kennedy Center for Justice and Human Rights, it was a little-known issue in the U.S. before Bardem began to talk about it on a variety of talk and news shows while promoting the James Bond thriller Skyfall (2012). Michael Renov has argued that, although we generally think of documentary in terms of social activism and the discourses of sobriety, desire and the unconscious may play an important role in this genre as well. In this case, Bardem's 'sex appeal' draws viewers to his viewpoint, and his considerable fame within the English-speaking media world, in which actors are expected to share personal tidbits as they pitch their latest projects, gives him a platform to present this issue as an extension of his charming persona.

This paper presents a study of common themes in young adult (YA) and middle grades novels published between 2006 and 2015 that feature young, undocumented immigrant protagonists who live in the United States. The themes found in the novels include the realistic yet sometimes sanitized portrayal of the violent experiences of undocumented immigrants, the protagonists' perilous journeys to the United States, their silence over their status as undocumented immigrants, their refusal to be victims which corresponds with a demonstration of agency, their desire for and assistance in getting an education, and their development or display of a hybrid identity. Overall, the novels have happy endings even in situations in which the protagonists do not obtain United States citizenship. Although the prevalence of happy endings may not be entirely true-to-life, reading the novels may be a starting point for exploring issues relevant to undocumented immigration. : Children's literature Immigrants Immigrants --Undocumented Young adult fiction Young adult literature brought to you by CORE View metadata, citation and similar papers at core.ac.uk

En este trabajo, se elaboró un análisis de la historieta gráfica "Mujeres Alteradas", y ver aquellas tiras que hacen referencia a familias urbanas de clase media occidentales (argentinas) heterosexuales, a
fin del S XX y comienzos del S XXI. Dicho trabajo monográfico, elaborado en el contexto de una materia de la carrera de Sociología, salió publicado en la revista "Bitácora Académica 3: publicación de trabajos académicos de estudiantes de la carrera de sociología" (2023)

En este trabajo analizamos las autonovelas familiares como vehículos de historias silenciadas, donde el sujeto narrado está en una posición de subalternidad (Gramsci, Spivak). Desde un abordaje doble de este concepto (memorias subterráneas y antibiografías), nos interesa estudiar el modo en el que los autores se enfrentan a su propio sentido de la subalternidad: desde qué historias eligen hasta cómo extraen la información de las huellas documentales y cómo la (re)presentan en el texto. Para ello, analizaremos Los rojos de ultramar (2004) de Jordi Soler, dos capítulos independientes de Los extraños (2014) de Vicente Valero, West End (2020) de José Morella y Memoria del frío (2021) de Miguel Martínez del Arco.

Resumen El “da Sein” o el “ser ahí”, lleva en su seno una estructura a priori que determina su existencia: el “ser en el mundo”. Partiendo de este enunciado el siguiente ensayo se preguntará ¿hasta qué punto el hombre contemporáneo se desenvuelve de forma auténtica en el mundo? Para lograr echar luz sobre este interrogante, se hará uso de dos páginas que conforman la serie de historietas “Dinero”, del artista español Miguel Brieva. La primera de ellas ilustra como el hombre inmerso en un mundo tecnológico, lleno de contradicciones, parece alejarse cada vez más de su esencia primogénita, es decir, de su origen, quedándose prisionero en el terreno de lo “uno”, lo “inauténtico” y el sin sentido. La segunda de ellas nos servirá para pensar cual es el motivo que lo conduce a actuar de “mala fe” y evitar la angustia, alejándose de la libertad que le confiere su existencia. ¿Por qué la ausencia de aparatos tecnológicos provoca desesperación en los personajes representados cuyos rostros tie...