Musical Edition

Innerhalb des Korpus von Adornos Beethoven-Fragmenten sticht ein Kommentar ziemlich radikal und nachdenklich stimmend hervor, obwohl selten besprochen. Darin äußert der Philosoph seine Verwunderung über das Streichquartett Op. 127 in Es-Dur, das er als „eines der schwierigsten und rätselhaftesten Werke“ bezeichnet. Dieses „Rätsel“ manifestiert sich sowohl auf technischer als auch auf ästhetischer Ebene: „Der letzte Beethoven verwischt Spuren. Aber welche? […] Soll dies klingen, als wäre es nicht mehr komponiert? Wäre hier das Subjekt eingegangen in die Veranstaltung, es als erzeugendes auszuschalten? Bild einer Selbstbewegung?“ Ein Eindruck von Fluidität – erzeugt durch tänzerische Lyrik und Blockwiederholungen – führt zur Erfahrung der Entfremdung, während eine neue Zeitlichkeit die Sonatenhauptsatzform durchdringt und deren Grundpfeiler nahezu auflöst. Verschiedene Musikwissenschaftler*innen haben versucht, dieses besonderes Zeitkonzept im ersten Satz von Op. 127 zu erfassen und verwendeten dabei Begriffe wie „spiralförmig“ (B. Barry), „schwebend“ (E. McKee) oder „mythisch“ (B. Lodes). Man könnte auch Adornos „Theorie extensiven Typus“ in Betracht ziehen, die auf das Trio Op. 97 und früher auf die Pastorale angewendet wurde, um einen „epischen Charakter“ zu beleuchten – eine Musikentwicklung, die die „Naivität“ transzendiert und zu einer Art der „Selbstbesinnung“ wird.
Obwohl es eine Fülle von Analysen zu Op. 127 gibt – von D. Epstein über D. Chua bis hin zu M. Sichardt – war bisher eine genaue Skizzenforschung ausstehend, die Aufschluss über die „Spuren“ von Beethovens Intentionen geben könnten. In meinem Beitrag möchte ich die Quellen zum ersten Satz des Quartetts untersuchen, um die Rätsel und möglichen Deutungen dieser einzigartigen Sonatenform neu zu kontextualisieren. Die etwa 35 erhaltenen Skizzenseiten ermöglichen einen Einblick in den gesamten Schaffensprozess. Man kann zum Beispiel sehen, wie die erste Idee von Anfang 1823 bereits die Kombination von zwei Elementen beinhaltete: eine „un poco maestoso“-Einleitung – charakterisiert durch leere Quinten und punktierte Motive, die an die Neunte Symphonie erinnern – und ein Allegro mit flexibler Kontur (D-BNba, Engelmann-Skizzenbuch, S. 1). Die fortlaufende Skizze der Exposition, die ein Jahr später entstand, präsentiert das Eröffnungsmotto in der plastischen Akkordfolge der endgültigen Fassung, während das Allegro zunächst mit einem ‚konventionellen‘ zweiten Thema in der Dominanttonart erscheint (PL-Kj, Artaria 206, S. 98), das dann in dem weitaus überraschenderen Kontext der g-Moll-Mediante neu gestaltet wird (D-B, Artaria 205/4, S. 2). Weiterhin werde ich zeigen, wie Beethoven die Form auflockerte, indem er die Analogie zwischen dem ersten und dem zweiten Thema verstärkte: sie zeigen sich als Hell-Dunkel-Paar (Dur/Moll), das durch dieselbe Vier-Takt-Gruppenstruktur und ähnliche Motive verbunden ist. Besonders wichtig sind in diesem Zusammenhang die Entwürfe zur Durchführung, in denen die Zahlen 1–2–3–4 angegeben sind, um die Periodizität der sich wiederholenden Taktmuster zu kennzeichnen, die sich in einigen Fällen bis zu Sechserblöcken ausdehnen (A-Wgm, A 51, F. 1r). Der kompositorische Prozess zeigt also deutlich Beethovens Absicht, eine Sonatenform zu schaffen, die nicht mehr auf dialektisch motivischer Arbeit basiert, sondern sich des Fortspinnungstypus bedient, bei dem Sequenzglieder in treibender Weise wiederholt und variiert werden. Die „Selbstbewegung“ in Op. 127, die Adorno so beeindruckte, erscheint als Ergebnis, das zugleich alt und modern ist, eine Prophezeiung für zukünftige Musik.

La presente edición se centra en un corpus inédito de siete sinfonías, que se encuentra diseminado por tres catedrales españolas: Tudela (Navarra), León y Huesca. Los compositores de estas siete obras son José Castel (Tudela, ¿1737? – Tudela, 1807) y Pablo Rubla (¿Tudela?, ca. 1772 – Tudela, 1860), maestros de capilla en la primera de las tres instituciones mencionadas. Si bien la trayectoria vital de ambos músicos ha sido reconstruida en una extensa monografía, los manuscritos que contienen este repertorio orquestal han pasado desapercibidos para la investigación. En primer lugar, en este estudio se ofrece una visión panorámica acerca del cultivo del género “sinfonía” en España durante la segunda mitad del siglo XVIII y las dos primeras décadas del siglo XIX. Posteriormente, se describen las fuentes que conservan estas siete composiciones, documentando, entre otros aspectos, quiénes son sus copistas y cuál es su cronología, así como el uso y recepción posterior que obtuvieron estas obras. Por último, se analizan las características musicales que presentan estas piezas. Este análisis tiene como objetivo integrar dichas sinfonías dentro de una práctica compositiva que era común a todos los países europeos, evidenciando que todos los compositores de este periodo compartían un lenguaje y unos procedimientos comunes.

Em 1940, a compositora Dinorá de Carvalho publicou pela editora Irmãos Vitale a peça para piano solo Jogos no parque infantil Dom Pedro II. Para esta composição, a autora criou também partituras orquestrais inéditas em suas publicações. Os objetivos do presente estudo são: 1) contextualizar esta produção composicional; 2) descrever as fontes documentais localizadas; 3) empregar uma análise comparativa dos conteúdos das fontes documentais. A metodologia empregada foi a análise comparativa das fontes documentais a fim de determinar as versões e variantes da peça. Como resultados finais, percebeu-se a existência de três versões e uma variante para esta obra. Além disso, pretende-se que o estudo empreendido possa fundamentar a edição das partituras orquestrais desta peça musical da compositora.

The paper presents the contract for the organ built by Giovanni Stagnoli (surnamed
“il Cacciadiavoli”) in Milan cathedral between 1567 and 1568. This source, previously
unknown, not only informs us about the most ancient organ attributable to this organ
builder but also provides new musicological elements concerning the episcopate of Carlo
Borromeo (1565-1584).

Um livro que resgata a riqueza e a expressividade do piano na música regional do Rio Grande do Sul. Resultado de uma pesquisa documental, a obra revela como o instrumento se integrou à identidade sonora do Sul. Além do conteúdo histórico, o leitor encontra um método com 9 estudos para piano, inspirados nos ritmos mais tocados da região. Ideal para músicos, estudantes e apaixonados pela cultura gaúcha. Uma leitura envolvente que une tradição, técnica e musicalidade. Projeto realizado com recursos da Lei Complementar nº 195/2022.

Presentación Sergio Aschero, Doctor en Musicología argentino de enorme y reconocida trayectoria en nuestro país y en el mundo, ha creado tras treinta y cinco años de investigación científica la "Numerofonía de Aschero", revolucionario sistema de lectura y escritura de la música que constituye en sí misma un profundísimo aporte en el área de las ciencias de la educación y en la semiótica. Es un código que se basa en las ciencias matemáticas (geometría y aritmética), en la óptica, en la acústica y en la lingüística, lo que lo hace muy claro y comprensible hasta para niños desde los tres años de edad, en absoluta contraposición al sistema de notación musical tradicional. Utiliza colores y formas geométricas para los más pequeños y a medida que van avanzando en edad y en su aprendizaje, el sistema va incluyendo números enteros y fraccionarios, o sea que acompaña al niño en el desarrollo escolar de manera natural. Es un sistema lógico que permite que todos, pero todos, sin excepciones, puedan leer, escribir, interpretar y crear cualquier obra musical, culta o popular, incluyendo a adultos, adolescentes y a niños desde los tres años de edad, y a personas con capacidades especiales (incluyendo el autismo y el síndrome de Asperger), sin tener que caer en el absurdo de los bemoles, sostenidos, claves, o tantos otros sin sentidos que integran el sistema de notación tradicional, para que todos aquellos que aman la música puedan leerla y ejecutarla, y no sólo el 5% de la humanidad, que es lo que ocurre estadísticamente, lo que demuestra el altísimo nivel de analfabetismo musical. Por cierto que hay quienes en su deseo de mantener posiciones de elite, pueden oponerse, pero este código no está dirigido a quienes ya leen música, sino a ese 95% de gente que no lo ha logrado con el viejo sistema de notación, incluyendo tantos músicos populares. "De todos modos, no se oponen a mí cuando discuten mi sistema. Se oponen a Pitágoras, a Galileo, a Newton.. . que son la base del código que he creado." "Escribir un pentagrama con claves hoy en día es un anacronismo, es remitirse a un sistema medioeval que aleja a la gente de la música, en lugar de facilitar su acercamiento, su comprensión y la posibilidad de apropiarse de un lenguaje que ayude a disfrutar del aprendizaje.-afirma Aschero-Y el deseo de desarrollar el sistema también en mi país, es lo que me ha hecho regresar a la Argentina El objetivo de esta investigación es mejorar la relación entre la música y la gente, a partir de la recuperación de la unión entre la ciencia y el arte, tal como ocurría en la Academia de Atenas de la Antigua Grecia cuando la música se enseñaba dentro de las ciencias matemáticas en el quadrivium. Debe cambiarse todo lo que sea necesario para que perdure lo verdaderamente profundo de las cosas (por ejemplo, la música creada en todas las épocas y en todas las culturas), y no jerarquizar lo superficial, como es atarse a formas vetustas y a signos obsoletos, que se han demostrado ineficientes y que no están al servicio de la gente.

Les bandes de música d’arreu de l’illa han acompanyat i acompanyen els principals moments de la vida del seu poble i, en molt casos, ho fan desfilant amb músiques originals i pròpies, que s’han convertit en inseparables de la celebració en si. La col·lecció Passacarrers neix per a contribuir a la conservació d'aquella música feta per a tocar caminant. Amb l’edició d’aquesta nova col·lecció, la Federació Balear de Bandes de Música i Associacions Musicals pretén estendre la música de passacarrers pròpia de les nostres bandes més enllà de les fronteres de cadascun dels pobles on es toquen, donar a conèixer aquestes obres i col·laborar a la preservació del llegat musical mallorquí. En aquest tercer volum presentam una marxa fúnebre del músic llucmajorer Pere Antoni Jaume Garí.

El texto  analiza los retos de traducir la música en palabras y su relación con la industria editorial. La autora plantea que la música, por su naturaleza efímera y performativa, no puede reducirse exclusivamente a su representación escrita, como la partitura. Sin embargo, la obsesión por fijar la música en un formato tangible ha influido en la construcción del canon musical, especialmente desde el siglo XIX. 

Desde una perspectiva teórica, el artículo retoma ideas de Roger Chartier y George Steiner para explorar cómo la edición y circulación de partituras han influido en la percepción de la música. Chartier destaca que la materialidad de los textos y su recepción a lo largo del tiempo moldean su significado, lo que en el caso de la música se traduce en la manera en que la partitura se ha equiparado erróneamente con la obra en sí. 

El análisis histórico muestra cómo la imprenta transformó la difusión musical desde el siglo XVI y cómo en el XIX surgió una floreciente industria editorial de partituras. Este fenómeno estuvo impulsado por la demanda de la creciente clase media, que consumía música tanto en conciertos como en el ámbito doméstico. Con la independencia de las colonias españolas, América Latina se convirtió en un importante mercado para las editoriales europeas, y más tarde, en la segunda mitad del siglo XIX, surgieron editores locales en países como México, que diversificaron la oferta musical y la hicieron más accesible. 

En la actualidad, la digitalización ha revolucionado la edición musical, facilitando el acceso a partituras a través de internet y dispositivos electrónicos. La pandemia de 2020-2021 aceleró este proceso, pues los músicos recurrieron a copias digitales ante la imposibilidad de acceder a bibliotecas físicas. Este cambio ha desafiado el modelo tradicional de las editoriales y ha dado mayor protagonismo a la edición crítica, que no solo rescata obras históricas, sino que también corrige errores, interpreta fuentes y facilita la difusión de nuevos repertorios. 

El artículo destaca que la edición crítica desempeña un papel fundamental en la recuperación de repertorios marginados, como los de compositoras o músicos de regiones periféricas, que históricamente han sido excluidos del canon. La musicología feminista y latinoamericana han cuestionado la visión hegemónica de la historia musical, promoviendo una mirada más inclusiva. 

En conclusión,el texto argumenta que la edición musical no solo fija y transmite el repertorio, sino que también moldea su significado e impacto cultural. La digitalización y las ediciones críticas han abierto nuevas posibilidades para una distribución más democrática de la música, desafiando la tradicional identificación de la partitura con la obra y ampliando el acceso a repertorios antes olvidados.

<www.bnc.cat>. L'evolució del model organitzatiu de la Secció de Música -en el marc del 175è aniversari del naixement del seu impulsor, Felip Pedrell (1841-2016), i del centenari de la seva creació (1917-2017)-respon a un canvi impulsat per la normalització dels estudis de musicologia, la desaparició de la figura del conservador de música, la gestió per objectius, l'ús de les noves tecnologies, l'especialització professional i el treball cooperatiu. Inicialment, els seus objectius principals foren l'estudi i la divulgació de la música i la musicologia. Músics i musicòlegs tingueren cura essencialment de les obres manuscrites, mentre que les bibliotecàries dugueren a terme tasques tècniques, com la catalogació d'obres impreses. Actualment els seus objectius són la recopilació, preservació i difusió del patrimoni musical, i les estratègies de gestió recauen en bibliotecaris documentalistes amb estudis de música i musicologia. La visió musicològica es manté a través de la col•laboració amb institucions i entitats, especialistes i estudiants de musicologia. La evolución de la Sección de Música en el marco del 175º aniversario del nacimiento de su impulsor, Felip Pedrell (1841-2016), y del centenario de su creación (1917-2017) responde a un cambio de modelo organizativo impulsado por la normalización de los estudios de musicología, la desaparición de la figura del conservador de música, la gestión por objetivos, el uso de las nuevas tecnologías, la especialización profesional y el trabajo cooperativo. Inicialmente, sus objetivos principales fueron el estudio y la divulgación de la música y la musicología. Músicos y musicólogos se encargaron esencialmente de las obras manuscritas, mientras que las bibliotecarias realizaron tareas técnicas como la catalogación de obras impresas. Actualmente sus objetivos son la recopilación, preservación y difusión del patrimonio musical, y las estrategias de gestión recaen en bibliotecarios documentalistas con estudios de música y musicología. La visión musicológica se mantiene a través de la colaboración con instituciones y entidades, especialistas y estudiantes de musicología. Paraules clau: música, musicologia, musicòlegs, bibliotecaris, documentalistes, col•laboració, Secció de Música, Biblioteca de Catalunya. Palabras clave: música, musicología, musicólogos, bibliotecarios, documentalistas, colaboración, Sección de Música, Biblioteca de Catalunya.

Wind bands played a pivotal role in the democratization of musical culture in nineteenth-century Spain. Their development and popularity led to a surge in the composition, publication, distribution, and circulation of music that encompassed both original compositions and transcriptions of canonical and fashionable music. One of the main publications of band music on the Iberian Peninsula was Eco de Marte, which was founded in Madrid in 1856 by José Gabaldá and distributed not only in Spain and Portugal, but also in the colonies of Cuba, Puerto Rico, and the Philippines. Ownership of this publication changed hands over time, and significant editors included Gabaldá himself, Antonio Romero, Antonio López Almagro, Casa Dotesio, and the Unión Musical Española. Based on the identification of primary sources in various archives and research centers, the objectives of this present article are, firstly, to study and characterize the publication Eco de Marte and its different periods; and secondly to reconstruct the catalog of published works in order to discern the repertoire needs of this emerging industry.

Textual errors can de made my copyists, editors, and the composers themselves. In the first part of this paper, I deal with aspects connected with such errors, such as their characterization and tipology, according to their origin and impact in the text, with examples from maurician sources, copies and autographs. In the second part, I deal with the attitudes of editors in relation to errors, departing of the existent literature and of statements of Brazilian editors about their editorial decisions, complemented with statistics extracted from the Catalogue of Publications of Brazilian Sacred and Religious Music -XVIII and XIX centuries.

La Semana de Música Religiosa de Cuenca (SMR) es un festival musical que se celebra, desde 1962, en Cuenca, la ciudad castellanomanchega declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO en 1996. En cada edición, que suele desarrollarse coincidente en fechas con la Semana Santa, conviven conciertos -se celebran en lugares de gran belleza y adecuación tanto en el Casco Antiguo de la ciudad como en el moderno Teatro Auditorio de Cuenca y en algunos puntos de la provincia- con otras actividades. Entre ellas, cabe citar conferencias, talleres, clases magistrales, recitales didácticos dirigidos al público escolar, entre otras propuestas. La atención a la música académica de diferentes etapas creada en torno a la religión, sobre todo vinculada con el cristianismo, el apoyo que el ciclo ha ofrecido a la composición de nuevas piezas -en todas las ediciones se encargan partituras que se escuchan por primera vez-, el fomento de la investigación musicológica, y la atracción a una ciudad de menos de 55.000 habitantes a un buen núcleo de directores, agrupaciones vocales e instrumentales, solistas, medios de comunicación y público, son algunas de las claves que se han mantenido en su ya dilatada carrera.
Este festival es, precisamente, el protagonista de un libro firmado por Marco Antonio de la Ossa Martínez, docente, investigador, divulgador y gestor cultural. Así, el autor es Maestro de Educación Musical, Licenciado en Historia y Ciencias de la Música, Máster en Gestión Cultural y Doctor en Bellas Artes. Su tesis doctoral sobre la música de la guerra civil española (2008) obtuvo el Premio de Investigación de la Sociedad Española de Musicología (SEdEM) en 2009.

Esta comunicación informa sobre resultados del proyecto UBACyT "Historias socioculturales del acontecer musical de la Argentina (1890-2000)", radicado en el Instituto de Artes del Espectáculo. Correspondiente a la programación 2020-2024, la investigación se encuentra en su último año de ejecución, por lo cual esta presentación se constituye como un informe grupal resumido de lo realizado hasta el momento. Con el objeto de socializar las principales perspectivas teórico-metodológicas puestas en juego, las dificultades encontradas y el grado de cumplimiento de los objetivos iniciales, se comentan los aportes obtenidos y el modo de trabajo llevado adelante, que se constituye como un espacio comprometido con la formación de recursos humanos para la musicología. Cuestiones de identidad diaspórica, intertextualidad, interdisciplina y migraciones transnacionales se problematizan en varios textos dados a conocer en el período que se informa.

This cello arrangement of Mendelssohn's Concerto has been issued in two parallel editions: previously-in 2021-the 'simple version', and now the 'full version'. As the name indicate, this 'full version' makes full use of the technical resources of the cello in the second half of the 19th century, with the aim of being as close to the original as possible.

The first edition of the work, from 1845, is the principal source. However, in some passages, the author's manuscript version has been recovered, valuing the outcome in cello as more idiomatic. Bockmühl's fascinating version has been used as a reference for transcribing some double-stops passages, especially in the second movement. Since Bockmühl made his arrangement a minor second lower, not all of his solutions are applied.

In the present edition the original key of E minor is preserved, so the accompaniment for orchestra or the reduction for piano is the same as for violin.

As each cellist may have his own reading of how to play this arrangement, I have also uploaded to IMSLP the 'Finale file' as open source.

U ne vaste étude consacrée à l'opéra-comique ne pouvait laisser de côté les innombrables variations et autres fantaisies pour piano qu'il suscita pedant des décennies. Loin d'être considéré alors comme un art mineur-on sait que Liszt ne jouait pratiquement que des arrangements et des transcriptions à ses concerts 1-, ce répertoire a permis non seulement d'élargir le savoir et le goût du public mais a également favorisé le développement de la technique pianistique 2. On tentera ici de dégager la nature des rapports qu'entretiennent ces pièces avec les oeuvres originelles et de souligner leur importance dans la diffusion de l'opéra-comique. Le renouveau de l'opéra-comique autour de 1830 Depuis le décret de 1806 divisant les théâtres en grands théâtres (le théâtre français, l'Italien, l'Opéra et l'Opéra-comique) et en théâtres secondaires (Vaudeville, Variétés, Porte St martin, Gaîté et Variétés étrangères), la scène de l'Opéra-comique était réservée «à la représentation de toute espèce de comédies ou drames mêlés de couplets, d'ariettes et de morceaux d'ensemble» 3. Autour de 1830, ce théâtre, moins subventionné que l'Opéra et le Théâtre-Italien connaît des difficultés financières qui se traduisent par des fermetures répétées 4 et des déménagements successifs. Il s'installe entre 1829-32 au 1. Autexier, Philippe. 'Musique sans frontière? Le choix des programmes de Liszt pour ses concerts de la période virtuose', in:

XIV Jornadas Nacionales de Historia de las Mujeres y IX Congreso Iberoamericano de Estudios de Género
Mesa Temática 39: Escuchar las diferencias: género, cuerpo, música y sonido en el arte. Coordinada por: Julia Kratje (UBA/CONICET) y Romina
Dezillio (INM/ Damus-UNA).
Universidad Nacional de Mar del Plata, 29 de julio a 1 de agosto de 2019.

La Dra. Ana Alonso-Minutti, analiza la obra/album "A Woman of no Importance (Cybernetics Oratorium)" [IGM, 2018) de Susan Campos Fonseca, realizada en colaboración con Elena Zúñiga Escobar y Tomás de Camino Beck [https://irreverencegroupmusic.com/recordings/a-woman-of-no-importance]. La conferencia completa esta disponible en el minuto 31:25 de:  https://www.youtube.com/watch?v=eLm--rhJYR0
[Muchas gracias Ana por tu generosa escucha]

El cine contiene una larga lista de villanos que han mostrado su predilección por el canon musical europeo decimonónico. Nos preguntaremos desde cuándo se observa esta tendencia, tratando de rastrear algunos de los pasos que la "música clásica" ha seguido para terminar siendo la favorita de "los malos". También buscaremos las posibles interpretaciones y significados que adquiere este repertorio cuando se saca de su contexto y se vincula a estos personajes.

A digital music edition that follows the principles implemented in the fully-digital, MEI-coded Digital Interactive Mozart Edition, pursued by the Mozarteum Foundation and the Packard Humanities Institute, has many advantages over conventional analog editions. One advantage is greater transparency, which is achieved not only at the level of the material, e. g. the inclusion of digital images of the sources, but above all by making editorial processes and decisions visible in the edition itself. In the digital edition, the Critical Report, a defining component of any critical edition and often physically separate from the edited musical text, becomes part of the overall digital code. The philological findings and editorial processes reported encompass the entire range of forms of expression, from verbal comments and annotations to pure code and non-verbal, largely visual communication strategies. Therefore, the format of the traditional printed Critical Report, which is mainly made u...

Ve své práci se zaměřím na chrámové skladby J. A. Reichenauera, které jsou dnes v majetku Národního muzea - Českého muzea hudby (dále jen České muzeum hudby).&#39; Jde o prameny ze svatomikulášského fondu z malostranské jezuitské koleje u kostela sv. Mikuláše, které se do dnešních dnů dochovaly díky sběratelské činnosti O. Horníka.2 Tyto hudebniny významně doplňují naše poznání o tvorbě pražských skladatelů a hudebním provozu na počátku 18. věku v Praze. Powered by TCPDF (www.tcpdf.org

La colección de música de la editorial barcelonesa Acantilado constituye una de las series de mayor interés en los últimos tiempos. Se trata de monografías que engloban la reflexión y los estudios de especialistas de renombre, tanto nacionales e internacionales, algunos de tanto prestigio como es el caso de intérpretes como

Desde el CIDoM (Centro de Investigacion y Documentación Musical), organismo dependiente de la UCLM y Unidad Asociada al CSIC, hemos querido sumarnos al homenaje que se ha tributado a nivel internacional al compositor alemán Ludwig van Beethoven con motivo del 250 aniversario de su nacimiento en Bonn. Y lo hemos efectuado intentando singularizar la aportación española mediante varios medios: la publicación de una monografía, publicada en 2020 en Tirant lo Blanc, considerada la más prestigiosa editorial académca española según SPI (Scholarly Publishers Indiactors), y titulada Beethoven desde España: estudios interdisciplinares y recepción musical (ISBN: 978-84-18534-72-0); la celebración del ciclo de conferencias Diálogos con Beethoven (noviembre-diciembre 2020), accesibles a través de nuestro propio canal de Youtube CIDoM Online: https://www.youtube.com/channel/UCzZhZaZ6f0Nc1CDlrCvsVnw; y el presente número monográfico de la revista Cuadernos de Investigacion Musical, órgano de expre...

Desde el CIDoM (Centro de Investigacion y Documentación Musical), organismo dependiente de la UCLM y Unidad Asociada al CSIC, hemos querido sumarnos al homenaje que se ha tributado a nivel internacional al compositor alemán Ludwig van Beethoven con motivo del 250 aniversario de su nacimiento en Bonn. Y lo hemos efectuado intentando singularizar la aportación española mediante varios medios: la publicación de una monografía, publicada en 2020 en Tirant lo Blanc, considerada la más prestigiosa editorial académca española según SPI (Scholarly Publishers Indiactors), y titulada Beethoven desde España: estudios interdisciplinares y recepción musical (ISBN: 978-84-18534-72-0); la celebración del ciclo de conferencias Diálogos con Beethoven (noviembre-diciembre 2020), accesibles a través de nuestro propio canal de Youtube CIDoM Online: https://www.youtube.com/channel/UCzZhZaZ6f0Nc1CDlrCvsVnw; y el presente número monográfico de la revista Cuadernos de Investigacion Musical, órgano de expre...

La canción artística representa uno de los géneros musicales más desarrollados por los compositores de corte académica de todo el mundo; en Venezuela, uno de los más importantes propulsores del género fue el pianista docente y compositor Moisés Moleiro. Moleiro desarrolló trece obras de estas características, con un alto nivel artístico, pero lamentablemente no son interpretadas con mucha frecuencia. La razón de esto es que desde el año 1973 no se ha realizado ninguna edición de esas canciones, por lo que son desconocidas e inaccesibles para muchos posibles intérpretes. El presente trabajo consiste en la realización de una edición de uso de las canciones artísticas de Moisés Moleiro, es la primera vez que se recopilan todas sus canciones en un solo volumen. El objetivo primordial de la investigación es contribuir a la difusión de las partituras de las referidas canciones de Moleiro, con la intención de que sean frecuentemente interpretadas y grabadas. La edición de uso está destinada a los potenciales intérpretes de las obras, su función es proporcionarles un documento confiable y directo para que sea posible la inmediata lectura e interpretación de las canciones. Para realizar la edición realizamos una exhaustiva investigación de los aspectos históricos y estilísticos relacionados con la vida y obra del compositor. Las fuentes principales utilizadas para la transcripción y edición fueron los manuscritos del compositor que pudimos conseguir y las anteriores ediciones de las obras. Adicionalmente, presentamos una edición complementaria transportada para voces graves, ya que los registros en que fueron originalmente concebidas la mayor parte de las partituras limitan su interpretación a voces agudas (tenores y sopranos); de esta forma se aumenta exponencialmente la posibilidad de que las mencionadas obras sean interpretadas.

Revue éditée par le Laboratoire d'ethnologie et de sociologie comparative 35 | 2011 : Virtuosités ou les sublimes aventures de la technique L'ermite et le virtuose Glenn Gould et Georges Cziffra en figures de l'ascèse pianistique The hermit and the virtuoso Glenn Gould and Georges Cziffra figures of pianistic asceticism DENIS LABORDE Résumés Cette contribution est consacrée à deux pianistes virtuoses de la seconde moitié du XX e siècle : Glenn Gould (1932-1982) et Georges Cziffra (1921-1994). Glenn Gould vécut en ascète dans l'Ontario, renonçant au concert, qu'il assimilait à la corrida, pour se consacrer à l'enregistrement. Georges Cziffra se retira à Senlis, près de cette chapelle Saint-Frambourg dont il fit le siège de sa fondation après avoir bâti le célèbre festival de La Chaise-Dieu et avoir consacré une vie de virtuose à ces salles de concert et ces plateaux de télévision qui l'accueillirent dans le monde entier. Ces deux artistes incarnèrent deux figures antagoniques du pianiste : l'un, pour qui la pratique musicienne n'était « ni une démonstration de la virtus (virtuosité) du soliste, ni la complaisante exhibition d'une pratique de soi » (Schneider, 1988 : 40), incarna la figure érémitique de l'artiste en prise sur « la musique » ; l'autre, « le type qui peut jouer du piano plus vite que tous les autres » (Böhm, 1995 : 88), incarna la figure mondaine du virtuose. Aucun ne fit l'unanimité, aucun ne laissa indifférent. Ainsi se construisirent, aux deux extrêmes d'une rhétorique de la virtuosité, deux figures antagoniques de l'ascèse pianistique : Gould, absorbé par la technologie ; Cziffra, par la technique. This contribution is devoted to two pianists virtuoso of the second half of the XX e century: Glenn Gould (1932-1982) and Georges Cziffra (1921-1994). Glenn Gould lived as an ascetic in Ontario, giving up concerts, which he likened to bullfights, to devote himself to recording. Georges Cziffra withdrew to Senlis, near the chapel of St. Frambourg which he turned into his foundation after having built the famous Festival de La Chaise-Dieu and having devoted a virtuoso lifetime to these concert halls and television studios that welcomed him worldwide. These two artists incarnated two conflicting pianist figures: one, for whom music practice was "not a demonstration of the soloist's virtues (virtuosity) nor a complacent exhibition of self practice" (Schneider, 1988: 40), embodied the figure of the hermit artist in tune with "music", the other, "the guy who can play the piano faster than all others" (Böhm, 1995: 88), embodied the worldly face of the virtuoso. Neither was unanimously beloved nor did they leave anyone indifferent. Thus at the two extreme of this rhetoric of virtuosity, two conflicting faces of L'ermite et le virtuose http://ateliers.revues.org/8841 1 sur 24 12/01/12 17:02 pianistic asceticism were constructed: Gould, absorbed by technology; Cziffra, by technique. Entrées d'index Index de mots-clés : musique, Cziffra, Gould, pianiste, virtuose Index by keyword : music, Cziffra, Gould, pianist, virtuoso Texte intégral Il sentait le dangereux attrait de la virtuosité…, plaisir bien excusable, presque innocent chez un jeune homme, mais néanmoins mortel pour l'art et pour l'âme. Romain Rolland, Jean-Christophe, t. IV. 1. Une personne extrêmement douée, « amateur de sciences et des beaux-arts, qui en favorise le progrès » (Encyclopédie). « Madame la Dauphine… est virtuose (elle sait trois ou quatre langues) » (Sév.). 2. (1668, répandu XVIII e siècle). Musicien, exécutant doué d'une technique brillante. Virtuose du piano. « Le jeu vertigineux du virtuose » (Proust). Adj. Il est plus virtuose qu'inspiré. 3. (Dans toute activité, artistique ou autre). Personne, artiste extrêmement habile, dont le métier, la technique sont supérieurs. Virtuose du pinceau. Rivarol… « était un virtuose de la parole » (Ste-Beuve). « Il y a des virtuoses de la diplomatie » (André Siegfried)… Pour qu'il y ait virtuosité, il faut un virtuose. C'est ce que dit mon dictionnaire usuel : la virtuosité, c'est « le talent, la technique du virtuose » (Le Petit Robert, 1990). Quant au virtuose, en voici trois acceptions escortées d'exemples : 1 … et de l'identité, serait-on tenté d'ajouter après avoir lu l'ouvrage canonique de Xabier Itçaina (2007). C'est au deuxième de ces virtuoses qu'est consacrée ma contribution, au « musicien, exécutant doué d'une technique brillante » (Le Petit Robert, 1990). Mais le fait que l'on se trouve en présence d'un virtuose garantirait-il que l'on aperçoive nécessairement « de la virtuosité » ? Pour qu'il y ait virtuosité, il faut, certes, se trouver plongé dans une situation de face à face avec un virtuose, mais ne faut-il pas, en outre, être à même de repérer « du talent », « de la technique » dans le jeu du virtuose, et de remarquer son caractère « brillant » ? C'est bien la question qu'une approche anthropologique va nous permettre d'adresser à cet oublié de la définition du dictionnaire, à ce témoin de virtuosité, ce spectateur-chacun de nous-qui voit le virtuose à l'oeuvre : l'opération qui nous fait qualifier tel ou tel musicien de virtuose, ou le même musicien de virtuose dans telle interprétation et pas dans telle autre, irait-elle de soi, serait-elle imposée par l'expérience ? Comment éprouvons-nous la technique de son jeu instrumental ? La virtuosité serait-elle une caractéristique immanente du jeu de l'interprète ? 2 Deux pianistes emblématiques de la seconde moitié du XX e siècle vont servir à la fois de cibles et de guides pour l'analyse de cette construction de la virtuosité. Bien que contemporains, jamais ils ne se rencontrèrent. Glenn Gould (1932-1982) vécut en ascète dans l'Ontario, renonçant au concert, qu'il 3 L'ermite et le virtuose http://ateliers.revues.org/8841

Guhit-Tugtugin is a collection of Filipino folksongs arranged for piano by Augusto Espino, pianist, pedagogue, conductor, arranger, and member of the UP College of Music Piano Faculty. This book won for its author the Gawad Chanselor for "Pinakamahusay na Alagad ng Sining" in February 2001. This compilation consists of ten "sketches" (guhit) of the arranger's favorite folksongs (tugtugin). At first glance, these little pieces may seem to be short and simple miniatures, but a closer look would reveal that they are highly innovative, original works that are both interpretatively and technically challenging.

The aim of this introduction is to contextualise the life and work of Théodore Gouvy by considering contemporaneous key events during the period 1820-1900 in the fields of politics, economics, and music.
The composer’s dual French and German origins allowed him to nurture solid friendships on both sides of the Rhine river during a time when political Romanticism and its national and liberal movements brought him closer to Moritz Hartmann, the notorious Austrian political exile. Although the Franco-German War of 1870-1871 initially strengthened Gouvy’s ties with France, later his German ties as well as the wealth of musical life in Wilhelmian Germany drew him back to Germany.
The composer of the 40 songs based on poems by Pierre de Ronsard is a singular figure in music: in a way an artist-entrepreneur, more anti-Wagner (the character and his writings) than anti-Wagnerian, but remaining deeply rooted in a classic-romantic style, investing only in his creative activity and ensuring that his vocal work (oratorios, operas, melodies…) relies on the two linguistic pillars that matter to him, French and German.
Throughout the 19th century, the “mediatisation” of industrial society had the corollary of the progressive establishment of an economic and reputational order in “learned music” giving the primacy of repertoire music and performers over musical creation and composers. The “canonical repertoire” of classical and romantic music that was thus established was further reinforced in the 20th century by the recording industry, which sidelined a number of composers, including Gouvy, despite the fact that the latter’s works were comparatively widely recognized during his lifetime.

France music into literature. The verbal text appears to be or to become, to a certain extent, similar to music or to effects connected with certain compositions, and we get the impression of experiencing music 'through' the text. » (Wolf, 1999, 51). 7 (Barthes, 2002, 706). 8 Un des topoï qui viennent immédiatement à l'esprit est celui du virtuose-soliste, que l'on trouve déjà à l'époque des castrats, mais qui se développe pleinement au XIX e siècle avec le concerto de soliste et avec l'essor du piano. Voir Cécile Reynaud, « Misère et Accomplissement de l'art dans la virtuosité romantique », Romantisme, n°128, 2005/2, pp.3-17. 16 « A child is a keyboard on which the world plays nonstop, never letting up on the sustaining pedal. No wonder most people can't really HEAR ANYTHING by the time they're adults, what with such a RUCKUS resounding in their heads. » (Miller, 2002, 13). 17 « Simon was taught to fear the noises of the outside world-and not just taught but traumatized. » (Miller, 2002, 12). 18 L'une des éditions du roman (Mariner Books, 2004) porte précisément ce titre. 19 « Silber's life was a losing crusade against all noises but his own […]. » (Miller, 2002, 6).

Concluido el trabajo de investigación doctoral sobre la canción popular litoraleña argentina en torno a la década de 1960 desarrollado en el marco del IAE durante los últimos seis años y entregada la tesis correspondiente el pasado mes de noviembre, previo a su defensa, esta ponencia pretende dar a conocer la conformación final de la misma. Se comentan de forma escueta la estructura de los capítulos, sus alcances y temas desarrollados. Se comunican los principales resultados y se reflexiona en torno a posibles líneas de trabajo a seguir. La presentación se enmarca en el proyecto grupal “Historias socioculturales del acontecer musical de la Argentina (1890-2000)”, radicado en el IAE.

Dès l'âge de trois ans, Mozart manifeste pour la musique des dons exceptionnels. Il a six ans lorsque son père l'emmène en tournée avec sa soeur Nannerl : Linz, Munich et Vienne les accueillent d'abord. Puis un second voyage, beaucoup plus long, les conduit à Munich, Augsbourg, Mannheim, Mayence, Francfort, Bruxelles, Paris, Londres, La Haye… Partout, l'enfant prodige soulève l'enthousiasme. Il rencontre les plus importantes personnalités de l'époque (Goethe, le baron Grimm…) mais surtout des musiciens dont l'influence sera décisive : Schobert à Paris, Jean-Chrétien Bach à Londres. Après un second séjour à Vienne en 1768, suivi de quelques mois à Salzbourg, Mozart et son père prennent de nouveau la route pour l'Italie où l'enfant entre en contact avec des compositeurs renommés tels que le Padre Martini ou Giambattista Sammartini.

This presentation concerns the adaptation of contemporary organ works for historical Portuguese organs. In
this case, the organ of the Ajuda Parish, located in Lisbon near Ajuda Palace, built in the 18th century by
António Xavier Machado e Cerveira and restored in 1988 by António Simões. The chosen repertoire consists
of these works; Harmonies, Coulée, Musica Ricercata, by György Ligeti, ASLSP, ASLSP2
, by John Cage,
Rrrrrrrr..., General Bass, by Mauricio Kagel and Compositions 1960, Piano Pieces for David Tudor, by La
Monte Young. These works needed to be heavily adapted since they were originally composed for piano or a
much larger and modern organ.

Les Regards sur Debussy, publies sous la direction de Myriam Chimenes et Alexandra Laederich, contiennent les actes du colloque international « Claude Debussy » organise a Paris en fevrier 2012 dans le cadre des celebrations du 150e anniversaire de la naissance du compositeur. Cet epais volume de 579 pages rassemble pas moins de 36 articles issus des communications prononcees lors du colloque, en plus d’une « preface » de Pierre Boulez et d’une introduction signee par les deux editrices scien...

The Capricci for Solo Cello by Joseph Clement-Giuseppe-Dall'Abaco (ca. 1708-1805) have in recent decades come to occupy a well-deserved place in the repertoire of the instrument. Their musical interest and relative technical simplicity have helped these pieces to fill a certain void of 18th-century works for unaccompanied cello. Unfortunately, the source in which these Capriccios have been preserved presents serious problems. Errata accumulate and it is not even possible to know how many there were originally, since the manuscript is abruptly interrupted before the end of No. XI. It is difficult to imagine the cause of these problems. Probably a combination of the copyist's limited musical knowledge and a haste in the act of copying. The fact is that any publication of this set will require an unusual degree of intervention by the editor. Not only by fixing the obvious dissonant errors, but also for the identification of consonant errata, or for the repetition or absence of certain fragments. Actually, this new edition of Dall'Abaco's Capriccios does not include any attempt to reconstruct the incomplete Capriccio XI. This is not only because of the challenge, in principle manageable, of having to extrapolate material from part A towards the conclusion of part B. The amount of errors and inconsistencies accumulated in this last Capriccio demands almost a recomposition, thus leaving the doubt that the final result would match the original piece written by Dall'Abaco. On the other hand, we have a little less than a half hundred sonatas for cello and basso written by the composer, almost all of them collected in the volume ms. B.M. Add. 31.528, housed in the British Library in London. We have extracted and added to this edition three Rondeaux and an Allegro from Sonatas 21, 19, 26 and 15. The criteria for the selection of these new four Capriccios have been that of a homogeneous technical level, musical relevance and the possibility of performing them without feeling the lack of the basso part. In the previous ten original Capriccios, the text has been modified with a wide margin of freedom. Since the scanner of the source is available online, the present edition retouches not only the obvious errors, but also proposes new readings of passages apparently free of fault, especially in Capriccio VIII. All these modifications are listed in the Critical Apparatus. The main reference study on the life and work of Joseph Clemens Dall'Abaco-or Giuseppe as he is recorded in many of his scores-is Martine Marsigny-van Goethem's: Joseph Clemens Dall'Abaco (v. 1708-1805) et la sonate pour violoncelle au 18e siècle.

En aquest article es descriu la meva aproximació a l'obra de Cererols i, de retruc, als repertoris hispànics del segle xvii a partir de la pròpia experiència com a intèrpret: instru mentista en un primer temps, i com a cantant i director després. Intento definir els proble mes que es plantegen a un intèrpret d'avui des del punt de vista dels efectius, la instrumen tació, les tessitures vocals i les diferències entre la música litúrgica i la paralitúrgica, la prima prattica i el món barroc, establint una paral•lelisme, i no una comparació, amb altres autors del món hispànic i europeu de la mateixa època. Hi adjunto una llista d'obres treballades de Cererols amb comentaris sobre les possibilitats interpretatives. En tractarse d'un escrit totalment subjectiu, es fa difícil establir una col•lecció de notes a peu de pàgina. Sí que hi ha, però, al final, una petita bibliografia, no exhaustiva, dels llibres que m'han ajudat a ferme meva la qüestió… i la música.

http://www.ub.edu/cultura/activitats

Aquest concert tan especial és fruit de la voluntat de col·laboració entre la Universitat de Barcelona, l'Arquebisbat de Barcelona, el Consejo Superior de Investigaciones Científicas i altres centres vinculats a la recerca musical per tal de consolidar, sota la coordinació de la Universitat de Barcelona, un projecte de recuperació, estudi i difusió del patrimoni musical antic del país que, en la línia editorial s'està materialitzant en la publicació de la col·lecció "Consonantia".

El programa d'aquest concert proposa un viatge musical pel repertori setcentista de Barcelona a través de tres institucions, la catedral, l’església parroquial de Santa Maria del Pi i el convent de carmelites descalços de Sant Josep, situat a la Rambla, a l’espai que ocupa ara el mercat de la Boqueria. Tot fent un recorregut per l’obra dels tres mestres de capella que van ocupar el càrrec després de la jubilació del cèlebre Francesc Valls (1671-1747): Josep Picanyol (actiu 1711-1751), Josep Pujol (actiu 1738-1787) i Francesc Queralt (1740-1825).

Intèrprets
Orgue: Javier Artigas
Orgue positiu: Javier Artigas
Violí I: Ricart Renart
Violí II: Marta Guillén
Violoncel: Guillermo Turina
Soprano: Soledad Cardoso
Tenor: Martí Doñate