Digital Aesthetics

Objective: The integration of animated elements into digital environments has transformed motion design into a core tool for emotional communication. This study investigates how specific motion parameters influence emotional perception and user engagement across platforms. Methods: A mixed-method design was employed, combining content analysis of 20 motion-based digital products, semistructured interviews with six professional motion designers, and an evaluative user study involving 20 participants. Visual rhythm, transition timing, pacing, and animation types were analyzed alongside self-reported emotional responses and expert commentary. Key findings: Smooth transitions and fade-in effects were strongly associated with calmness and trust, while sharp cuts and pulsing animations evoked urgency and tension. Designers emphasized rhythm and timing as key emotional drivers, though cited challenges in standardizing affective outcomes across platforms. User testing showed 70% alignment between intended and perceived emotions. Engagement was highest for synchronized animations on social media platforms, with content reveal sequences receiving the strongest positive response. Conclusions: Motion design functions as an affective layer of digital interaction, capable of modulating user emotion when calibrated effectively. Combining designer intent with real-time user feedback and platform specificity is critical for emotionally intelligent digital communication. Further development of standardized affective frameworks may enhance consistency and design precision.

This paper examines Hans Haacke's Gift Horse (2015), analyzing how the work both continues and reconfigures the legacy of conceptual art within a contemporary framework. It positions Gift Horse as a critical intervention in public space, where systems aesthetics, institutional critique, and digital infrastructures intersect. Central to the analysis are the concepts of art's dematerialization, political performativity, and data-driven aesthetics. This paper examines Gift Horse formally, semantically, and contextually, showing how it operates on both symbolic and algorithmic levels-combining a monumental sculpture with live stock market data to challenge how capitalism abstracts and conceals its operations. The core question driving this research is how conceptual strategies-such as political performativity shaped by 20th-century avant-garde movements-are now playing out through networked systems, protocol-based structures, and public infrastructure. The paper takes a mixed approach, combining art historical analysis, digital theory, and institutional critique, with key references to the work of Alexander Galloway, Adrian Piper, and Hans Haacke. The conclusion identifies Gift Horse as a critical model for contemporary conceptual practice-that redefines aesthetic experience through its engagement with systemic operations and infrastructural visibility.

Today's political conditions—dominated by the global spread of far-right ideologies and governments—make it necessary to reflect on the political dimension not only of art but of aesthetics itself. Using the theories of Walter Benjamin and Vilém Flusser, this article analyses the relationship between aesthetics, technology, and politics, questioning why the digital world has proven to be a fertile ground for the aestheticisation of politics in a late-fascist key. While Flusser shows how technical images program subjects, Benjamin helps us understand how the recursiveness of the digital world favours the spectacularisation and aestheticisation of political discourse. Finally, I will also examine how the aesthetic-artistic gesture becomes a political act capable of activating practices of resistance and outsmarting the pervasive algorithmic infrastructure of the digital world.

RESUMEN La obra de poesía algorítmica Máquina Cóndor (versión 4.0) del artista chileno Demian Schopf presenta un complejo sistema combinatorio donde datos sobre el mercado de valores y las guerras económicas presentes se enlazan para generar alteraciones sobre el poema gongorino "De la ambición humana". El presente trabajo se propone analizar la obra desde la metodología procesual de Philippe Bootz, con el fin de destacar cómo el autor manipula y adapta las particularidades del emergente género de la literatura generativa para expandir los campos de acción de la literatura como acontecimiento. Con esto observaremos cómo la máquina evidencia la presencia del lector y su potencial efecto sobre la contingencia del sistema que articula la realidad actual, en el cual los algoritmos vienen jugando un papel esencial como creadores de perfiles al servicio de los poderes disciplinarios en la era de la revolución digital.

This review explores the relationship between Ghibli-style visual characteristics, copyright regulations, and viral phenomena in the context of modern generative artificial intelligence (AI). This research examines the ethical, legal, and technological implications of the new wave of Studio Ghibli-inspired AI-generated visuals, focusing on their popularity. The research employed a narrative review method to synthesize findings from computer science, law, media studies, and art theory literature. Research shows that Ghibli-style content created by AI raises important copyright challenges while posing considerable ethical questions about ownership, creator identification, and the pressure on computational systems due to its widespread popularity. The paper examines theoretical explanations that link authorship with labor, as well as nostalgia dynamics that activate digital virality. The review proposes future research approaches and advocates for modern legal structures, moral guidelines, and collective leadership mechanisms to safeguard artistic quality in our age of automated creative production.

This essay is a review of Anna Kornbluh’s book "Immediacy, or, The Style of Too Late Capitalism" (2023), published by Verso. Following Frederic Jameson’s "Postmodernism, or the Cultural Logic of Late Capitalism", Kornbluh proposes the theorisation of the contemporary cultural dominant, which she recognises as being different from the one in postmodernism. She calls it “immediacy,” which means a tendency to eschew mediation and strive for direct connection. The author of the essay finds Kornbluh’s theoretical intervention invigorating while having some restrictions regarding her attempt at periodisation. He also points out the category of attention and its historicisation as an element that could enrich further studies on immediacy. Drawing mainly on examples from Romania and Poland, the author in conclusion indicates that immediacy might be considered a contemporary hegemonic style not only in North America and Western Europe but also in semi-peripheries of the West, such as Eastern Europe.

This review explores the relationship between Ghibli-style visual characteristics, copyright regulations, and viral phenomena in the context of modern generative artificial intelligence (AI). This research examines the ethical, legal, and technological implications of the new wave of Studio Ghibli-inspired AI-generated visuals, focusing on their popularity. The research employed a narrative review method to synthesize findings from computer science, law, media studies, and art theory literature. Research shows that Ghibli-style content created by AI raises important copyright challenges while posing considerable ethical questions about ownership, creator identification, and the pressure on computational systems due to its widespread popularity. The paper examines theoretical explanations that link authorship with labor, as well as nostalgia dynamics that activate digital virality. The review proposes future research approaches and advocates for modern legal structures, moral guidelines, and collective leadership mechanisms to safeguard artistic quality in our age of automated creative production.

The article explores the intricate relationship between technology and culture, tracing its historical roots and contemporary manifestations in new media art. Drawing from thinkers like Sherry Turkle, Andrew Ross, Constance Penley, and Walter Benjamin, it examines how technology shapes and is shaped by cultural, social, and political forces. The discussion extends to interactive media art through case studies of Shilpa Gupta’s Singing Cloud and Simon Biggs’ reRead, highlighting how artists engage with digital interfaces to challenge perceptions of identity, memory, and agency.

Language: Italian and English

The use of non-standard language on the internet has long been a topic of controversy, as some believe its prevalence indicates carelessness or a lack of intelligence in the (mostly) younger generations who use it. Non-standard language can refer to spelling or grammar that deviates from preferred language conventions, and is popular in what are called internet “memes.” Though the definition of a “meme” can vary, the term can be used to refer to pieces of culture that are remixed and disseminated by internet users. This thesis identifies patterns of non-standard language in memes to demonstrate that these changes are not accidental, but follow their own set of conventions. Examples of these patterns were collected and documented by the types of change that standard language undergoes. They were then matched to existing rhetorical figures, or figures of speech, that have historically been used by authors and orators to create a desired rhetorical effect. These rhetorical figures could include changing the length of a vowel sound, or adding or cutting a syllable. It was found that for each pattern of change, there was a rhetorical figure that matched in both pattern and effect. This illustrates that the presence of non-standard language in memes is intentional, and that it is often used where text, rather than tone of voice or body language, is all that the user has at their disposal. The use of rhetorical figures in memes can also textually represent paralanguage, which includes pitch and tone of voice, in order to express a more nuanced message than could be conveyed through standard text alone.

Tandis que de nombreux ouvrages retracent les opérations qui ont été nécessaires pour transformer le projet émancipateur originaire d'Internet en une structure globale d'aliénation, tout un pan de l'activité artistique s'attache aujourd'hui à rendre sensible le vrai visage du système technologique en mobilisant contre lui des aspects de son fonctionnement, établissant ainsi des formes critiques hors discours, indispensables aujourd'hui dans un espace d'opinion gangrené par la post-vérité. Dans cet article, certaines de ces oeuvres sont passées en revue, en privilégiant la scène française, pour essayer de les inscrire dans un cadre d'intelligibilité construit à partir d'éléments conceptuels empruntés à doses variables aux pensées de Theodor W. Adorno, Gilbert Simondon, Vilém Flusser et Jean-Louis Déotte. Quelle lecture des arts numériques ces pensées peuvent-elles nous offrir ? Est-il envisageable, à partir de ces oeuvres, d'établir une anatomie réaliste du numérique et d'Internet tels qu'ils existent aujourd'hui, c'est-à-dire constituant un puissant dispositif biopolitique ? Internet-Capitalisme de surveillance-Dispositif/Appareil-Art numérique-Algorithme

Desde los principios de las historia del cine se han intentado recrear situaciones y mundos sólo existentes en la mente de sus autores. Con la aparición de las técnicas de realidad virtual el cine (RV) se encontró no sólo con una nueva herramienta técnica para facilitar esa recreación, sino además un terreno sobre el que desarrollar nuevas producciones. En esa lógica, es habitual que en el mundo de la ficción en todos los terrenos los creadores más visionarios intenten anticipar lo que pueden ser los próximos avances tecnológicos, ...

En las últimas décadas el dibujo tradicional se ha visto complementado con la aparición del dibujo digital, donde las tabletas digitales y los nuevos software de dibujo y edición resultan igual de importantes que los lapiceros o el papel. De ahí que el presente estudio busque aunar estas dos técnicas para el estudio del dibujo del cuerpo. Para ello mostraremos la metodología y los resultados obtenidos durante el primer curso (2012-2013) del grado de animación de la U-tad (Centro de Tecnología y Arte Digital adscrito a la Universidad Camilo José Cela). La investigación busca encontrar nuevas técnicas de enseñanza del dibujo que fomenten no solo la destreza manual del alumno, sino que promuevan la creatividad y la expresividad de los alumnos. Para ello emplearemos una metodología activa que incluye la utilización de técnicas tradicionales de dibujo junto con las técnicas digitales. Las conclusiones extraídas de esta investigación, plantean la necesidad de un cambio en la forma de enfocar las tareas que ponemos a nuestros alumnos para afrontar la enseñanza del dibujo en un mundo donde las nuevas tecnologías proponen un reto educativo en la enseñanza del dibujo. Palabras clave: formación del profesorado, dibujo, animación, videojuegos y creatividad.

Este breve ensayo aborda un análisis del cibersexo en la película de Brett Leonard El jardinero asesino inocente. Es una pelicula plagada de contradicciones en sus contenidos, debate la realidad virtual como violencia, pero al mismo tiempo como posibilidad. Así, en este trabajo se presenta una panorama de formas de entender la realidad virtual, consluyendo con el tema del cibersexo. soñamos en el cuerpo de la tecnología. En 1992 apareció en la escena cinematográfica El jardinero asesino inocente en español y conocida también con el nombre de El cortador de césped. Dirigida por Brett Leonard y curiosamente como suele ocurrir en el cine ciencia ficción, la película resulta ser la adaptación de una novela de Stephen King llamada The Lawnmower man. A pesar de su deficiente logro, considerado por la critica en términos de adaptación y de construcción cinematográfica, el jardinero asesino es un filme pionero y se ha convertido en un clásico por introducir en escena lo tecnológico, la realidad virtual y el ciberespacio, a través de sus imágenes generadas por ordenador que representaban entornos virtuales, como aparecen a menudo en el trabajo de Brett Leonard. Una de las más representativas es la escena del cibersexo, donde los cuerpos virtuales exploran nuevas dimensiones de lo erótico, y que ha sido retomada no sólo como categoría artística y estética, sino igualmente como representación de análisis por la ciencia social al reflexionar sobre las nuevas tecnologías.

This paper advocates the future of the body as a distributed and shared embodiment; an unfolded body that doesn't end at one's skin, but emerges as intercorporeality between bodies and the technological environment. Looking at new tendencies within interaction design and ubiquitous computing to see how these are to an increasing extent focusing on sociality, context-awareness, relations, affects, connectedness, and collectivity we will examine how these new technological movements can change our perception of embodiment towards a distributed and shared one. By examining interactive textiles as part of a future rising landscape of multi-sensory networks we will exemplify how the new technologies can shutter dichotomies and challenge traditional notions of embodiment and the subject. Finally, we show how this 'new embodiment' manifests Deleuze's philosophy of the body as something unstable and changing, and how his refolding of the body can be useful for future int...

Even though Instagram has been the subject of numerous studies, none of them have systematically investigated its potential as a narrative medium. This article argues that Instagram's narrative capabilities are comparable to those of literature and film. To support our claims, we analyze a number of prominent female Instagram creators and demonstrate how they employ the platform's diverse features, functionalities, and interface to create multi-year biographical narratives. Furthermore, we discuss the applicability of theories developed in literary and film studies in analyzing Instagram's narrative capabilities. By employing Bakhtin's influential chronotope concept, we examine in depth how these narratives make specific use of space and time. Additionally, we compare time construction in film and Instagram narratives using the cinema studies' theory of narrative time in movies. pp. 67-71.

Documento sobre viejas tecnologías generativas recuperado de mi antigua pagina académica, a fin de constituir una especie de arqueología (pos-foucaultiana) de la "Inteligencia Artificial" en abierta polémica contra Elon Musk, Javier Milei y otros autores proclives al autobombo, prestando oídos a lo que Noam Chomsky (el padre de las ideas generativas y transformacionales) tiene para decir sobre asuntos tales como la cognición, los procesos convolucionales y el aprendizaje profundo desde el punto de vista de la ciencia cognitiva. El mismo Chomsky participó en la fundación de esta ciencia en el MIT en una sesión histórica el 11 de setiembre de 1956, fundando el uso de la teoría de autómatas y sentando las bases para un uso creativo de la geometría diferencial riemanniana a la que el perspectivismo amazónico interpretó torcidamente.

Este será en el mediano plazo (espero) un texto que permanecerá como borrador durante largo tiempo, porque el problema se descubre más complicado cada día que pasa. No todos los dilemas que desencadena esta transición entre un paradigma y otro de la Inteligencia Artificial, de la Ciencia Cognitiva y de las Ciencias Sociales se podrán resolver en el corto plazo. 

Este documento (actualizado permanentemente) incluye elementos de juicio para poner a prueba las principales herramientas y todos los Grandes Modelos de Lenguaje desde ChatGPT-4 a DeepSeek R1, Claude 3 y Grok-3.

In) this) paper) I) will) study) the) ar/s/c) status) and) circula/on) of) cultural) products) in) the) social) network) Twioer.) To) this) end,) I) will) take) the) ideas) of) Walter) Benjamin) on) the) loss) of) "aura") and) the) José) Luis) Brea's) approaches) about) the) electronic) cultural) capitalism,) a) new) stage) of) culture) characterized) by) the) passage) of) an) aura/c)monumental)logic)to)an)"era)of)electronic)distribu/on")and)its)new)possibili/es)of)distribu/on)and)access.)) RESUMEN:)En)este)arOculo)reflexionaré)sobre)el)estatuto)arOs/co)y)circulación)de)los)productos)culturales)en)la)red) social) Twioer.) Con) este) obje/vo,) tomaré) como) punto) de) par/da) las) reflexiones) de) Walter) Benjamin) sobre) la) pérdida) del) aura) y) los) planteamientos) de) José) Luis) Brea) acerca) del) capitalismo) cultural) electrónico,) una) nueva) etapa)de)la)cultura)caracterizada)por)el)paso)de)una)lógica)monumental)aurá/ca)a)una)nueva)"era)de)la)distribución) electrónica")señalada)por)las)posibilidades)de)distribución)y)acceso.) KEYWORDS:)Twioer,)digital)aesthe/cs,)netRart,)social)networks,)cyberculture PALABRAS)CLAVE:)Twioer,)esté/ca)digital,)netRart,)redes)sociales,)cibercultura) Advierte)José)Luis)Molinuevo)acerca)de)la)"desdefinición" )del)arte:)"Llamamos)a)una)pluralidad) 2 de) obras) 'arte',) pero) no) en) función) de) una) unidad) de) sen/do) sino) de) una) diversidad) de) argumentos)y)de)miradas")(2001:)9).)La)crí/ca)literaria)y)arOs/ca)ha)tendido)habitualmente)a) posicionamientos) tecnofóbicos) en) los) que) se) ha) augurado) de) manera) recurrente) el) "final) del) arte") o) la) completa) "desar/zación" .) No) obstante,) este) /po) de) discursos,) como) bien) ha) 3 observado) Gerard) Vilar,) se) prodigan) en) contextos) de) ruptura) y) redefinición) conceptual:) "los) discursos) sobre) el) fin) o) la) muerte) del) arte) surgen) de) una) disonancia) entre) una) definición) ) Este) trabajo) se) encuadra) dentro) de) las) labores) de) inves/gación) derivadas) de) la) condición) de) beneficiario) del) 1 programa) de) becas) y) ayudas) a) la) Formación) de) Profesorado) Universitario) (FPU)) del) Ministerio) de) Educación) español. )Expresión)acuñada)por)Harold)Rosenberg.)En)palabras)del)crí/co)de)arte)estadounidense:)"The)nature)of)art)has ) Como) explica) Gerard) Vilar,) el) concepto) adorniano) de) Entkunstung) -"desar/zación"R) se) refiere) al) proceso) 3 dialéc/co)de)pérdida)del)Arte)de)sus)"cualidades")arOs/cas)hasta)su)cosificación)como)producto)o)mercancía)de) una)industria)cultural)"que)deja)de)ser)un)modo)esencial)de)pensar)el)mundo")(2010:)14).

El presente artículo tiene como propósito reflexionar en torno a las relaciones entre sujetos humanos y dispositivos tecnológicos desde dos instalaciones artísticas: Máquina Cóndor (2006-en curso) y Máquina de Coser (2009-en curso), del artista visual chileno Demian Schopf, a través de la perspectiva crítica de los nuevos materialismos. Por medio de un breve recorrido teórico que aborda los estudios de Walter Benjamin (1936, 1983), Jane Bennett (2010), Jusi Parikka (2012, 2021), Manuel de Landa (2021), entre otros, propongo que las obras de Schopf son constitutivas de una poética del ensamblaje, en la que los roces entre cuerpos orgánicos y dispositivos tecnológicos propicia la configuración de un complejo entramado humano-maquínico. Como metodología, examino dos procedimientos discursivos de las obras que asientan dicha configuración: la escritura y el diálogo, mecanismos poéticos posibilitados por la inteligencia artificial.

The profound transformations introduced by contemporary digital technologies demand a deeper  engagement  with  digital  aesthetics,  extending  beyond  the  scope  of  new  media aesthetics. From AI to extended realities, these media reshape human perception, enabling novel human-machine interactions and participatory experiences, creating “environments” marked  by  fluidity,  modularity,  and  immateriality  that  challenge  established  aesthetic frameworks. Consequently, these technologies of sensibility call for a digital aesthetics capable of capturing the innovative dynamics of creative processes and new artistic experimentations. This issue seeks to outline a provisional map of potential pathways and research directions, prompting a critical rethinking of traditional aesthetic categories to address the transformative, immersive nature of these digital environments.

Drawing on the contributions presented in the special issue “God’s Influencers: How Social Media Users Shape Religion and Pious Self-Fashioning”, this introduction explores resonances and dissonances between the six articles: First, I reconsider the online/offline connection in relation to the religious actors examined. Then, I articulate a post techno-utopian vision of religion online, identifying digital media as a social space where inequalities, prejudices and power structures offline can be both reinforced and challenged. Third, I shed light on the subjective turn in the way online religious actors understand and impart “authenticity”, a heatedly debated concept in the context of both religion and social media. Fourth, I present some of the communicative strategies that the religious social media users examined in this special issue employ. And, finally, I conclude by sketching future research directions in the study of how social media users shape religion and pious self-fashioning.

espanolEn este articulo se trazan algunas de las coordenadas conceptuales basicas para un mejor entendimiento de las condiciones de posibilidad de la Literatura Comparada en el contexto de la cibercultura. A partir de la expansion del concepto de lo literario y del ambito propio de disciplinas como el comparatismo, en las fronteras con los estudios culturales y visuales, de comunicacion audiovisual y nuevos medios, se propone una revision de la descripcion teorica (fundacional y de referencia) de la cibercultura y el ciberespacio de Pierre Levy. Dicha revision se articula a modo de critica en contrapunto, tanto de dicha descripcion como de algunas de las voces mas relevantes de la critica cultural de la cibercultura. Se enfatiza la necesidad de una renovada teoria critica de la cibercultura, suficientemente ilustrada sobre la especificidad de la misma que, trascendiendo todo determinismo tecnologico (las tecnologias no determinan, solo condicionan el cambio social), sea capaz de dar...

**Abstract** 

This essay explores the philosophical implications of the rise of technical images, drawing on Vilém Flusser’s insights into their transformative nature. Technical images, unlike traditional ones, are not reflections of physical reality but abstractions generated through digital processes. This detachment from materiality, often perceived as a loss, signals the obsolescence of older conceptions of the world and the emergence of a posthuman reality. Drawing parallels with Walter Benjamin’s notion of the "aura" and E.M. Forster’s *The Machine Stops*, the essay examines how virtual presence reshapes identity, intimacy, and perception. While digital images lack the historical depth and tangible immediacy of natural images, they introduce new dimensions of autonomy and abstraction, requiring a reorientation of human imagination. In this shift, traditional binaries such as real and artificial give way to categories like concrete and abstract. As Michel Foucault anticipated, the dissolution of historical frameworks challenges the very concept of "man," suggesting that the virtual age may herald a profound transformation in human self-conception. Ultimately, the essay posits that this posthuman moment offers not a nihilistic loss but an opportunity to reimagine reality and identity in radically new terms.

Identitas yang terfragmentasi dan narsisisme digital yang dialami oleh streamer seperti Putri RP mencerminkan krisis identitas yang lebih luas di era digital. Dalam dunia di mana identitas "nyata" dan "virtual" semakin sulit dibedakan, individu sering kali merasa tertekan untuk terus membangun dan mempertahankan citra diri yang ideal. Ini dapat menyebabkan krisis identitas, di mana individu merasa terjebak dalam siklus pembandingan yang tak ada habisnya dengan orang lain di dunia maya. Ketidakmampuan untuk memisahkan antara identitas virtual dan identitas asli dapat memperburuk krisis ini, membuat individu merasa bahwa mereka tidak lagi memiliki kontrol atas siapa mereka sebenarnya. Bagi para streamer, tekanan ini bahkan lebih besar. Mereka tidak hanya harus menghadapi ekspektasi dari audiens mereka, tetapi juga dari platform tempat mereka melakukan streaming. Algoritma platform seperti YouTube dan Twitch mengharuskan mereka untuk terus menarik lebih banyak penonton dan keterlibatan, yang pada akhirnya memperkuat siklus narsistik yang mereka alami

This paper critically considers digital curatorial practices, increasingly used both in commercial and museum settings, involving the animated mapped projection of digitised works of art. It draws attention to the problematic and common misuse of the term 'immersive' to designate such practices and examines their effectiveness for art historical knowledge sharing and meaning making. Through first-hand observation of a number of such exhibits, the paper considers the lessons that can be learned from them and how they would specifically apply to a corpus of twentieth-century frescoes that make up the study object of a research project on art historical digital curatorship.

This article focuses on the emerging styles of visual digital aesthetics that have become relevant in light of technological advancements and the introduction of innovative tools for creating and processing digital images. The analysis is based on a cultural approach and aims to identify the influence of contemporary digital technologies on the shaping of cultural benchmarks and aesthetic preferences in art and design. The primary focus is on scrutinizing the defining attributes of modern styles that have taken shape within the digital sphere at the onset of the 21st century (such as vaporwave, seapunk, webpunk, psychedelia, pixel art, voxel art, and others) and delving into their artistic autonomy and cultural nuances. Style is defined here as both a guiding principle of artistic thought and a distinctive mode of communication among cultural agents. An integral component of this study involves comprehending how digital technologies impact the interpretation of contemporary culture and society at large. The study aims to uncover the peculiarities of modern transnational culture, as a mode of consciousness and worldview, through the lens of the artistic culture of the early 21st century. The research identifies overarching tendencies characteristic of contemporary network art, outlining the interrelations and differentiations among new digital styles. It meticulously examines distinct style clusters based on various criteria. The classification of contemporary visual styles is predicated on methods and techniques of creation and imitation, usage contexts, presentation specifics, and design elements. The results of the study can enrich the exploration of contemporary culture and visual phenomena, aiding in forecasting future trajectories within the realm of innovative visual expressions.
Статья посвящена новым стилям визуальной цифровой эстетики, ставшим актуальными в свете развития технологий и возникновения новых средств для создания и обработки цифровых изображений. Анализ основан на культурологическом подходе и направлен на выявление влияния современных цифровых технологий на формирование культурных ориентиров и эстетических предпочтений в искусстве и дизайне. Основное внимание уделяется исследованию характеристик современных стилей, сформировавшихся в цифровой среде на рубеже XXI века (среди них Vaporwave, Sea punk, Web punk, Psychedelica, пиксель-арт, воксель-арт др.), их художественной самости и культурным особенностям. Стиль в данном случае определяется как принцип художественного мышления и особая форма коммуникации субъектов культуры. Важной частью исследования является понимание того, как цифровые технологии воздействуют на интерпретацию современной культуры и общества в целом. Выявляются особенности современной транснациональной культуры (как типа сознания и картины мира) через призму художественной культуры первой четверти XXI века. В работе обозначены общие тенденции, характерные для современного сетевого искусства, представлены взаимосвязи и отличия новых цифровых стилей, а также детально рассмотрены отдельные объединения стилей по различным критериям. Классификация современных визуальных стилей базируется на методах и техниках создания и имитации, контексте использования, особенностях презентации, дизайнерских элементах. Полученные результаты могут быть применены для углубленного анализа современной культуры и визуальных явлений, а также для прогнозирования будущих направлений развития в области нового визуального.

In its usual meaning, “modularity” refers to modules, i.e., standardized parts of units employed in design and architecture. Famous 20th-century examples of modular architecture include Plug-in City by Archigram (1964), Moshe Safdie’s Habitat 67, and Nakagin Capsule Tower by Kisho Kurokawa (1972).

I first used the term “modularity” in my book The Language of New Media (2001). The book proposed five principles of computational media; “modularity” was one of them. I noticed that digital artifacts are often made up of multiple components. When combined together in one artifact, these components keep their individual identities and can be assembled into other artifacts.

In this essay, I develop the concept further. Rather than only seeing it as a key feature of digital media, I suggest that "modularity" can be used as a general aesthetic category useful for the analysis of both historical and contemporary art. To test the usefulness of this extended concept, I will use it to discuss three projects by contemporary artist Anton Ginzburg created during his 2021 residency at the TUD Dresden University of Technology’s Schaufler Lab.

The two key terms that we have for understanding the organization of visual elements in art are "composition" and "montage." The limitation of these categories is that both assume certain aesthetics, so they are not neutral descriptions of a work's structure. The first is an older category that assumes harmony and coordination among elements making up the whole. The second is a modern category that assumes the parts produce strong contrast, conflict, and even dissonance. The modularity term, in my opinion, has the advantage of being more neutral and avoiding the introduction of additional assumptions into aesthetic analysis.

El videojuego es uno de los agentes socializadores más potentes que existen actualmente. Más de tres mil millones de personas son usuarias de este formato digital cuya una industria apuesta por el videojuego multijugador en línea ya sea a través de juegos de acción, disparos o deportivos. La distancia se borra permitiendo al usuario conectar con semejantes sin importar el lugar en el que se encuentren del planeta. Incluso en las experiencias para un jugador, lo habitual es encontrar personajes o NPC’s (non playable character) que interactuan con el usuario ya sea para guiarles en el juego, como miembros de la historia o proponiéndoles actividades o misiones.

Sin embargo, hay una serie de videojuegos conocidos como los feel bad games que, a través de sus elementos lúdicoficcionales, buscan provocar sentimientos negativos en el jugador, uno de los cuales es la emoción de la soledad. A través de decenas de videojuegos, pertenecientes a dicha categoría, este trabajo busca estudiar la representación de la soledad en el ocio interactivo poniendo atención en elementos propios de este formato como los personajes, los escenarios, la historia y las mecánicas.

La investigación ha puesto de manifiesto que los géneros del terror y los walking simulators son propensos a abordar la soledad del personaje principal. Una temática intrínsecamente relacionada con el uso de los espacios liminales o lugares abandonados y la kenopsia o el sentimiento que provoca recorrer entornos vacíos aunque lo habitual es que estén concurridos. Para ello, los desarrolladores apuestan por recrear entornos cotidianos como hogares o ciudades en las cuales el objetivo del usuario es averiguar qué ha pasado para que presenten dicho estado mientras experimentan dicho abandono.

La conclusión a la que llegamos es que los feel bad games que buscan transmitir la soledad del usuario y el entorno son más habituales de lo que en un principio pudiera parecer, a la vez que demuestran la capacidad del videojuego de ofrecer experiencias inmersivas sobre temáticas serias, alejadas del mero entretenimiento, y el potencial de este formato de ofrecer emociones.

Crises, disasters and conflicts imply the destruction of the built environment, while the mediatisation of traumatic events contribute to the definition of an apocalyptic imaginary in which architecture plays its iconic role. Immersed in the image industry, some contemporary projects seem to exploit the perverse fascination of the collective unconscious for destruction and apocalypse through the simulation of ruined buildings, ambiguously synthesised in a three-dimensional translation of digital aesthetics.

Introducción 11 Antecedentes Capítulo 1 Transformaciones para el diseño Conclusiones 148 Recomendaciones 149 Anexos 150 Bibliografía 187 Se ha planteado la realización de una línea de juguetes de papel contemporáneos a través de la simulación iconográfica de los personajes mitológicos de la Cultura Shúar, mediante un estudio histórico-gráfico. La propuesta surge, puesto a que en nuestro medio hablar de identidad gráfica, es algo que muchos confunden con rescate cultural, no solo comunicadores visuales, sino la comunidad en general, esto debido a que no se tiene un conocimiento a profundidad referente a las transformaciones que se pueden dar en el diseño como la simulación iconográfica y al no poder identificar un producto donde esté presente la llamada identidad gráfica y peor aún confundirla con rescate cultural, es por la falta de estudio de la iconografía, desde un punto de vista analítico, queriendo de este modo realizar un producto donde este expuesto el uso de grafías propias. En la actualidad, los esfuerzos por sacar a flote, recursos identitarios gráficos a través de las iconografías de culturas propias, y plasmarlos en productos contemporáneos, han sido muy pocos.

This paper explores some issues arising out of an artwork investigating how images are constructed in media spaces, Using the model of the Doppelganger-a tangible double or look-alike new forms, looking or sounding like someone or something, but having no index in the real world, are constructed by a machine in response to incomplete data. The paper speculates about the development of a technological ghost evolved purely from a machine. Doppelganger uses interleaved image sources to create a copy of an original made up of entirely machine imagined data. The fields of a video source are separated and interpolated. The resulting images are interpolated again, but this time only using the initial interpolated data as the foundation on which to build a new interpolation. This is repeated until new forms begin to emerge-looking like vaguely the original but composed of entirely new material. Initially, looking like degraded images of dolls or action figures, or twins or Jeckylls and Hydes, or sadder or happier version of themselves the duplicates are built on the digital DNA of the original, but have moved away from a stable state, reinvented by machinic algorithmic dreaming to take on a life of their own. In this work, as in all machinic representation, the tasks of interpretation are left to a machine using a precedent of an existing state to predict future representations within the medium itself. What the original images and the interpolations have in common are approximates: shape, pose, mass, dimension, though even this disappears if the process is allowed to continue unchecked. What they have lost is an indexical connection to an original. Created from imagined indexical information through reiterated interpolative algorithms, these are not bad copies, nor simply copies of copies, but new forms that emerge out of autonomous and contingent entropic zones.

What happens when the casual look no longer distances itself from the cinematic look? This question follows the rise of the mumblecore film movement, stylistic trend and cinematic phenomenon that became apparent from 2005 to 2013 in the United States, and brought together similar feature films and directors, as well as engaging a sizable community of critics, bloggers and movie forums. Mumblecore's productions stood out among the many independent film events in the United States in a scenario of transition and digital convergence. This dissertation aims to research and elaborate the circumstances and characteristics that stimulated the emergence of the movement and why they point to a paradigm shift in the processes of making and thinking contemporary cinema.

Even though Instagram has been the subject of numerous studies, none of them have systematically investigated its potential as a narrative medium. This article argues that Instagram's narrative capabilities are comparable to those of literature and film. To support our claims, we analyze a number of prominent female Instagram creators and demonstrate how they employ the platform's diverse features, functionalities, and interface to create multi-year biographical narratives. Furthermore, we discuss the applicability of theories developed in literary and film studies in analyzing Instagram's narrative capabilities. By employing Bakhtin's influential chronotope concept, we examine in depth how these narratives make specific use of space and time. Additionally, we compare time construction in film and Instagram narratives using the cinema studies' theory of narrative time in movies.
https://firstmonday.org/ojs/index.php/fm/article/view/12497

Ana-materialism & the Pineal Eye provides a landmark interpretation of materialism, representation and the image using the Cartesian conceit of a pineal gland and its voracious sexually embedded appetites. Developing the argument via Bataille's re-invention of the pineal gland as an all-seeing, alldevouring, (pineal) eye, Golding borrows this move to envision a different analytic approach to digital forms of 'matter' and artificial forms of 'life'. From her critical engagement with Bataille, Deleuze and Butler, Golding shows why the tools provided by these modern, contemporary and postmodern approaches to philosophy, image, the body, indeed representation cannot fully explore, let alone develop these new forms of reality/ies except by retreating into traditional binary divides between male and female, good and evil, mother/child and so forth. Ana-materialism and the Pineal Eye introduces a much needed understanding to oddly cathected sensualities, multiversal realities, digital imaginaries with no weight, no volume, no spatiality, but 'somehow' making sense, and with it, creating matter, ethics, art.

I m a g i n g B e y o n d R e p r e s e n t a t i o n On The Verge of Photography: Imaging Beyond Representation is a provocative and bold rethinking of photography in light of the digital transformation and its impact on fine art, culture and society. Addressing the centrality of the digital image to our contemporary life, the fourteen new essays in this collection challenge the traditional categories of photographic theory-that of representation, evidence, documentation and the archiveand offer a fresh approach to its impact on aesthetics, contemporary philosophy and the political. Drawing on the networked human condition of embodiment, social-media, and bio-politics, On the Verge of Photography offers an invaluable resource for students of visual culture, researchers in the field of digital imaging and artists working with new media. Reading this extraordinary book it becomes clear that so much of what we knew or thought we knew about photography is at one and the same time accurate and obsolete. With digital photography the image can no longer be discussed or defined for what it is conventionally assumed to be-a distinct visual unit. This is not a crisis, claim the editors of this timely volume, but an opportunity to step away from the representational terminology that has over-determined the discourse of photography in order to address the image's actual modes of being and becoming: being digitally-born, constantly transmitted, mutated and shared. When images are"digitally networked" they cannot be isolated and viewed as distinct or unique. This book is a must read for anyone who shares with the authors collected in it an urge to acknowledge the contemporary image as a kind of living organism that intervenes in the world we share not only by and through the ways we share them.

El imparable crecimiento de los microformatos literarios digitales Introducción Los microformatos, cuyo tamaño permite la visualización en pantallas pequeñas, se prestan especialmente bien para su difusión en redes sociales. Pero aún queda por averiguar en qué medida dichos canales, marcados por su inmediatez y dispersión, afectan la creación textual en términos de rigor escritural y longevidad. La convergencia simbiótica entre el dinosaurio y el pajarillo de Twitter ha terminado por alcanzar una dimensión mayor en la blogosfera. Sin embargo, puede producirse un alejamiento entre ambos, como bien revela el legendario microrrelato de Augusto Monterroso. Los microtextos ficcionales y poéticos ofrecen mensajes trascendentes, muchas veces metafísicos, que plantean un desafío, al abrir espacios de densa reflexión e ir mucho más allá de los cotidianos tuits en noticias y debates compactos. Los tuits ideológico-políticos suelen favorecer la producción de un "pensamiento necio", por citar a Ottmar Ette, quien tiene en proyecto un libro titulado El poder peligroso del mensaje corto, donde sugiere que cabría analizar estos mensajes políticos también en clave nanofilológica. Hasta la fecha, la investigación ha sido principalmente cuantitativa. Así, se procedió, por ejemplo, al recuento de 2500 tuits de la campaña electoral de Trump, según un "análisis lingüístico de sentimientos" (sentiment analysis), que reveló una banalidad: la abrumadora mayoría de adjetivos negativos y signos de exclamación en esta propaganda (Crockett 2016: 1-4). Ottmar Ette sugiere la literatura como contraveneno y densa reflexión contra la inundación de este pensar insensato en los tuits de noticias políticas (Ette 2017: 86). La disminuida extensión textual aumenta las proyecciones y construcciones. Las nuevas tecnologías, por el mero hecho de facilitar la distribución, animan a producir y leer microtextos. Como afirma mi colega de San Gallen, Jessie Ramírez, trasladan nuestra forma de pensar desde el cerebro hasta las yemas de los dedos, que se mueven, se deslizan, se orientan y navegan sin descanso por mini pantallas, digitalizando literalmente nuestro pensamiento.

Este artículo intenta realizar una aproximación a las prácticas poéticas escritas en lenguajes de programación o en cualquier tipo de lenguaje informático, es decir, la llamada “poesía código”. Haremos un recorrido por la génesis y los principios fundamentales de esta práctica poética y analizaremos los textos de una de las poetas españolas más destacadas de la poesía código, Belén García Nieto.This article tries to be an approximation to the poetic practices written in programming languages or in any type of computer language, that is, the “code poetry”. We will take a tour through the origins and the fundamental ideas of this poetic practice and analyze the texts of one of the most representative Spanish poet of the code poetry, Belén García Nieto.

Este artículo ofrece una panorámica de los usos actuales de la palabra electrónica y, en particular, de las composiciones escritas a partir de algoritmos generativos. A través de la presentación de ejemplos pioneros de arte generativo, la comparación con otros métodos combinatorios y la relación con perspectivas teóricas sobre la hiperrealidad y la reproductibilidad, se discuten tanto las sospechas como las expectativas a las que actualmente se encuentra asociada la escritura derivada del uso de algoritmos e inteligencia artificial en el entorno artístico.

Palabras clave: algoritmos generativos; arte generativo; inteligencia artificial; literatura electrónica.

Los objetivos de salvaguardia del patrimonio inmaterial de las manifestaciones culturales como las músicas y cantos de la marimba de chonta invitan a los diferentes sectores sociales a aportar en su preservación y construcción colectiva. Este documento recoge la trayectoria de investigación creación del videojuego Oí Marimbí, el cual surge como una iniciativa para proponer un puente de contacto entre los cultores del ecosistema cultural del litoral Pacífico y las nuevas generaciones, a través del diseño de una experiencia lúdica en medios digitales. A partir del recorrido previo en el desarrollo de métodos didácticos para el aprendizaje de las músicas de marimbas, el grupo de investigadores y creativos se lanzan a la construcción de una experiencia de juego inspirados en los sonidos, ritmos, colores y personajes que habitan el territorio del Pacífico surcolombiano. El resultado es un juego que busca familiarizar al público infantil con el legado cultural de esta región del país, y a...

Claudia Díaz @ClauDiazpy una talentosa artista digital, ha llevado su creatividad a nuevos horizontes al colaborar con la inteligencia artificial para producir resultados visuales impactantes. Utilizando imágenes propias como punto de partida, Díaz ha logrado fusionar la expresión humana con la capacidad computacional, dando vida a obras que desafían las fronteras de lo convencional.

Real-Time Strategy games are very popular test beds for Artificial Intelligence (AI) researchers. In this work we try to predict the winner of StarCraft© games based on influence maps. Influence maps are numerical matrices representing the influence of each player’s army in the map, and they are useful for different types of spatial reasoning. Our system reaches a level of precision similar to the human judges, although human judges base their predictions on a much more complex and abstract set of game features.

Der vorliegende Beitrag legt eine diskurs- und performativitätstheoretische Perspektive zugrunde, welche die wechselseitigen Konstitutionsprozesse der Social Media-Plattform TikTok einerseits und dem Musealen andererseits mithilfe der Heuristik wechselseitiger Plattformisierung fasst (vgl. Poell/Nieborg/van Dijck 2019). Mit der Betonung der Wechselseitigkeit geht es um eine Perspektive, die nicht lediglich danach fragt, inwiefern sich plattformspezifische Rationalitäten, Ästhetiken und Praktiken in andere gesellschaftliche Sphären (und damit auch Museen) einschreiben, sondern auch, inwiefern sich spezifische Aspekte des Musealen umgekehrt in die (Diskursivierung der) Plattform TikTok einschreiben. Dabei handelt es sich mitnichten um ein symmetrisches Machtverhältnis. Gleichwohl betont die hier zugrundeliegende Perspektive, dass wir es mit Blick auf Plattformisierungsprozesse dennoch nicht mit einer uni-direktionalen Entwicklung zu tun haben. Hierbei ist zum einen von Interesse, welche diskursiven Voraussetzungen und Entwicklungen konstitutiv für die Entwicklung der besonderen Beziehung zwischen Museen und TikTok waren und sind sowie zum anderen, an welche medientechnologischen Bedingungen entsprechende plattformspezifische Praktiken und Ästhetiken geknüpft sind.

Open Access: https://zkmb.de/as-museums-get-on-tiktok-diskursive-bedingungen-und-medienaesthetische-effekte-einer-besonderen-beziehung/