Theories of Film Editing

This article explores the role of fi lm editors within adaptation. Specifi cally, it looks at the contributions selected British editors made to a range of fi lm adaptations of lowbrow, middlebrow, and highbrow stage plays during the 1930s and 1940s. The fi lms discussed in some detail are Loyalties (1933), Dirty Work (1934), The Face at the Window (1939), and Henry V (1944). This article explores the work of two editors who sought to transform theatrical properties into fi lms that conformed to different notions of the essentially cinematic. It also explores the work of another two editors who were less concerned with medium specifi city and more focused on enhancing the qualities of the theatrical source material. It argues that more historical work needs to be done on how fi lmmakers have brought different understandings of the similarities and differences between cinema and theatre to bear upon their production practices.

This article proposes that inquiry into the cognitive complexity of film editing processes could provide insight into how edits affect audiences beyond convincing them of temporal and spatial continuity. Application of two influential theories in cognitive studies of the moving image to this inquiry suggests that editors make some decisions to maximize the smooth transference of their own attention and some in response to their own embodied simulation. However, edited sequences that do not conform precisely to the principles of maximum attentional efficiency or that significantly reshape the cinematographer’s “kinematics” (Gallese and Guerra 2012) reveal other cognitive expertise at work. Sequences generated by editors’ feeling for rhythmic phrases of movement, tension, and release create unique expressive forms in film. They require artistry of a higher order, rather than following the relatively straightforward rules of continuity cutting, and may have distinctive affective or cognitive impact on audiences.

Resumen: Eisenstein, de cuyo nacimiento se cumplen cien años, es considerado uno de los más grandes cineastas de la Historia. Comprometido con las ideas bolcheviques y partidario de la Revolución de Octubre, quiso utilizar el cine como un vehículo más en la concienciación de las masas. Si bien se enfrentó a los sectores más ortodoxos del estalinismo, Eisenstein supo en todo momento llevar a la práctica una serie de ideas teóricas relacionadas con el sonido y el color. La puesta en práctica de éstas, no solo sirvieron para los fines ideológicos, sino que además convirtieron sus películas en auténticas obras de arte. Para ello no solo investigó en artes plásticas y teoría del color, sino que también optó por introducir en su obra referencias a otras culturas (como el Kabuki), artistas de vanguardia (Kandinsky) y músicos como Prokofiev. En el presente artículo se analizan las conexiones de Eisenstein con todos ellos y sobre todo la puesta en escena de estas ideas tan revolucionarias. Abstract: Eisenstein, who was born hundred years ago, is considered one of the greatest filmmakers in History. Committed to Bolshevik ideas and as supporter of the October Revolution, he wanted to use film as another vehicle in the awareness of the masses. Although he faced the most orthodox sectors of Stalinism, Eisenstein knew at all times to put into practice a series of theoretical ideas related to sound and color. The implementation of these, not only served for ideological purposes, but also converted their films into authentic works of art. For this, he not only researched in arts and color theory, but also chose to introduce in his work references to other cultures (such as the Kabuki), avant-garde artists (Kandinsky) and musicians such as Prokofiev. The present essay analyzes the connections between Eisenstein and all of them, and specially how he performed these revolutionary ideas.

Esta tesis doctoral presenta un modelo de análisis cualitativo del montaje desarrollado a partir del procedimiento aplicado por S.M. Eisenstein para explicar el valor significante de la construcción de sus propias obras.
Atiende al diseño de montaje (que no se puede aislar del estudio de la planificación y el uso del sonido)  en el cine  norteamericano contemporáneo de espectáculo,  en el que la fragmentación se ha hecho mucho más visible y busca condicionar la respuesta emocional, la inmersión y el compromiso del espectador. Se plantea que dicho efecto se obtiene a partir de la incorporación de determinadas técnicas de Eisenstein en el tradicional sistema analítico norteamericano.
Específicamente esta investigación estudia el valor expresivo y simbólico que adquiere el diseño del montaje en el cine bélico, un género ideológico. Busca detectar qué recursos de planificación, sonido y montaje traducen el mensaje de las películas de este género, en las que la visión ideológica que presentan se ha hecho menos explícita con el fin de atraer a la mayor cantidad de público posible.
Aquí se analizan, mediante la metodología dialéctica que se presenta, el valor significante que han adquirido los recursos de planificación, sonido y montaje empleados en Salvar al soldado Ryan y Black Hawk derribado para forzar las respuestas emocionales del espectador y conducirle al compromiso ideológico con la visión que presentan.
La aplicación de este modelo de análisis permite trascender los sistemas cuantitativos o narratológicos tradicionalmente aplicados al estudio del montaje, que únicamente permiten acceder a su función estructural o rítmica y que desatienden a su relevancia como recurso de indudable valor expresivo y significante.