History of Exhibitions

This article describes the tools, materials, and the conception, design and construction process of a traditional canoe by master Eugenio Cueto Pacheco in Loma de Arena, Bolívar, Colombia. It includes a photogrammetric model and a construction plan. The study also addresses theoretical and methodological discussions on the use of moulds in traditional boat and ship building, the importance of documenting canoes made out of multiple parts, and the diversity of canoe building practices along the Magdalena River basin, Colombia. This work is based on field research conducted in October 2023.

This essay examines the Venice Biennale – the longest and most  emulated of major international exhibitions – by intertwining art history with the history of the city. A key focus is the decision to situate the Exhibition along the waterfront of the Giardini, a choice that positioned it within an international exhibitionary network while keeping it at the margins of Venice’s main infrastructural developments and connections to the mainland. By revisiting pivotal moments in the real or imagined transformations of nineteenth-century Venice, the essay repositions the heterotopia of the Giardini within the city’s evolving fabric. It explores the notion of the Giardini’s pavilion palimpsest as a precursor to the urban development of the Lido, ultimately contributing to the emergence of the
«Greater Venice» vision. This ideology, rooted in a renewed imperialist and political conception of maritime dominion, finds expression in the iconography of the Biennale’s early editions.

In the art historical text “Christa Jeitner’s Visions of Trees,” Marie Meyerding argues that it was growing awareness of the finitude of natural resources and fears about the chemical pollution emanating from extractive industries that compelled East German artists of late socialism to address environmental issues in their work. Meyerding’s discussion of the practice of textile artist Christa Jeitner underlines how abstract compositions could also serve as vehicles for the articulation of ecological positions in socialist art. These forays into East European art history exemplify the potential of the Socialist Anthropocene as an interpretative framework for the analysis of environmental art under socialism.

This research is a managerial approach study, which identifies and
analyses the elements that can affect the initiation of the Arch. Biennale
in Khartoum, focusing on how to engage people, art and place to be a part
of the biennale. So I used to highlight international biennales around the world, study the urbanism of Khartoum, use SWOT & Stakeholder analysis and survey the participants and organization attitude, also using figures and tables to illustrate Data.
The main findings of this research are:
- Setting Vision Mission and Objectives which reflects the idea
of public and architects
- Determine the activities which can help in achieving objectives
- Setting a Work Plan that fit the needs and situation
- Provide Organizational Structure in order to manage all
activities
- Setting Budget Estimating

https://saudipavilion.org/pedagogies-of-proximity-and-relation/
Venice Architecture Biennale, 2025
Pedagogies of Proximity and Relation
Prototyping Alternative Education
October 10–12, 2025



Building on the discussions of previous encounters, this part of the program looks to position the school as a driver to rethink architectural education as an integrated set of forms and modes of knowledge focused on collaboration and cocreation. The activities center the notion of a safe space within a culture of relatability, harnessing multidisciplinarity, hospitality, and mentorship-over-professorship, while honoring contextual legacy and empowering transgenerational transmission of knowledge and forms of embodied learning.

Contributors will reflect on the programmatic outlines and architectures of educational contexts to shape novel agendas and methodologies that reimagine pedagogical roles, integrate critical, emotional, and experiential knowledge, and bring renewed relevance to architecture as both a spatial and cultural practice of purpose and collective care.  Details on the public session will be made available here closer to the date.
Pedagogies of Proximity and Relation includes contributions from:

Caline Matar / Earshot
Faysal Tabbarah /Architecture and Other Things
Cruz Garcia And Nathalie Frankowski / Loudreaders
Matylda Krzykowski / CIVIC
Rosario Talevi / Floating University
Setareh Noorani / Nieuwe Instituut
Uns Kattan / Art Jameel
Pelin Tan
Nzinga Biegueng Mboup

Lab Leads: Institute for Postnatural Studies (Gabriel Alonso, Yuri Tuma, Daniel H. Rey).

Il contributo indaga come Corrente — nata a Milano nel 1938 intorno all’omonima rivista, soppressa dal regime due anni dopo — abbia alimentato le matrici visive, critiche e istituzionali che, dal secondo conflitto mondiale a oggi, sostengono la memoria della Resistenza. L’intervento attraversa tre snodi storici, intesi come fasi di un unico processo di trasmissione culturale.
Il primo ricostruisce la genealogia di un lessico figurativo antifascista. Dispersi tra fronte, confino e clandestinità, gli artisti legati alla rivista continuarono a dialogare su un terreno comune: fra il 1941 e il 1945 produssero una fitta trama di disegni che, benché concepiti in luoghi e condizioni diversi, condividono una sorprendente coerenza formale. La composizione spezzata di Picasso e l’incisività espressionista confluiscono in un rigoroso bianco nero, segnando una omogeneità stilistica così compatta da configurarsi come una vera e propria koiné visiva, che sostituisce all’eroismo retorico la vulnerabilità del corpo. La compiutezza di questa comunità etico estetica è attestata dai sessantotto Disegni della Resistenza confluiti nella Collezione Mario De Micheli (oggi al Museo della Permanente), nei quali l’immagine assume al contempo lo statuto di documento storico e di gesto militante.
Il secondo snodo analizza la mediazione critica di Raffaele De Grada e Mario De Micheli dal dopoguerra agli anni Settanta nel tradurre il corpus di Disegni della Resistenza in paradigma storiografico. Attraverso mostre e pubblicazioni sul tema – culmine la prefazione di De Grada all’edizione italiana di Arte della Resistenza (1970) – i due critici trasformano la produzione artistica realizzata negli anni di guerra da strumento di propaganda del PCI a categoria etica universale. In questo contesto si sviluppa una nuova tradizione di “arte d’impegno” che, rinunciando a definizioni puramente stilistiche, si fece posizione civica e strumento di denuncia dei conflitti, offrendo alla storia dell’arte un modello interpretativo fondato su responsabilità e testimonianza.
Il terzo punto prende in esame la Fondazione Corrente, nata nel 1978 per volere di Ernesto Treccani, come laboratorio di memoria attiva. La ricognizione della sua storia espositiva – dalle rassegne didattico itineranti ideate con lo Studio Origoni Steiner tra il 1978 e il 1981, dedicate ai temi della cultura post bellica, fino alla mostra inaugurale sull’architetto partigiano Ludovico Belgiojoso, matrice della programmazione proseguita negli anni Ottanta e Novanta – mette in evidenza la capacità dell’istituzione di convertire le ricorrenze anniversarie della Resistenza in strumenti critici rivolti al presente, chiamato di volta in volta a misurarsi con il terrorismo neofascista, il boom economico o le speculazioni urbanistiche. L’analisi della politica curatoriale della Fondazione testimonia come questa abbia operato per la riaffermazione nel tempo dei valori di libertà, solidarietà e responsabilità civile propri dell’eredità di Corrente, opponendoli alle nuove pressioni autoritarie e capitalistiche che hanno segnato le fasi alterne della storia, non solo italiana.
Assunto in prospettiva diacronica, l’intervento unisce la nascita di Corrente alla storia delle esposizioni, fino alle politiche istituzionali della Fondazione che ne conserva gli archivi, mostrando come storicizzare non significhi neutralizzare l’urgenza etica delle immagini, ma dotarsi di strumenti analitici ed espositivi per riattivarne di continuo il potenziale critico.

The first part titled 365 Apocalyptic Days outlines the developments following the dismissal of director Alexandra Kusá, the resignation of more than 100 employees including key chief curators in protest, the cancellation of cooperation with foreign institutions (The Mining and
Gothic Museum in Leogang, Austria, and the State Art Collections in Dresden announced their withdrawal from the agreed collaboration on the traveling international exhibition Red Gold – A Miracle from Španiá Dolina), the withdrawal of Roman Ondák from a planned exhibition, as well as the SNG’s main sponsor, Tatra Banka’s termination of cooperation in protest. The reviewer further discusses the circumstances surrounding the appointment of the new director, visual artist Juraj Králik (represented in SNG’s collection, together with Vladislav Rostok, with 17 posters from the late 1990s) and, through the analysis of the Once Upon a Time exhibition, also introduces the new artistic director, Czech curator, filmmaker, and screenwriter Martin Dostal (1963), who was an important figure in Czech art life in the 1990s (a long-term collaboration with
Jiří David). It is therefore somewhat surprising that in the exhibition expected to indicate the direction in which the SNG’s exhibition concept might develop, the curator decided to present four Czech artists representing the oldest generation – Václav Benda (1948), Rostislav Novák (1942), Vladimír Novák (1947 – 2024) and Petr Pavlík (1945). Without an exhibition catalogue and a relevant study explaining the context of their oeuvre, Dostál tries to convince us that the
exhibition could be considered an exploratory exhibition filling a blind spot in the history of Czech painting in the second half of the 20th century. His claim, however, does not correspond to reality, because not only the four artists were an integral part of Czech art both before and after
1989, but they were also known in Slovakia. Martin Dostál did not set himself higher goals. His exhibition was conceived upon a societal demand, which he fulfilled even at the cost of misusing the paintings. The works currently presented as unproblematic and having a primarily aesthetic function were, as Dostál himself writes, created at the era of the “normalization operation of art”, i.e. in the period after the suppression of the so-called Prague Spring 1968, when artistic freedom was silenced again, and the opponents of the system were persecuted. By not recalling the context, Dostál seems to forget that there is a direct connection between seeing and knowing, viewing, and understanding, and that the context, in which the viewer perceives the work, cannot be reduced to the senses alone. That is why the reviewer describes the exhibition as an exhibition for the sake of an exhibition, a lartpourartism in curatorial practice.

Paper given to the international symposium, "The Artistic Networks of Trust: Collecting and Dealing in Times of War and Diplomacy", on 8-10 October at the Calouste Gulbenkian Museum in Lisbon.

https://gulbenkian.pt/museu/en/agenda/artistic-networks-of-trust/

This essay focuses on studioli decorated with ebony and ivory inlays, marking forty years since their rediscovery by Alvar González-Palacios. Two significant additions to the known catalog are highlighted: a 1587 box signed by Theodoro de Voghel, linking German artisans to the sacristy cabinets of the Certosa di San Martino in Naples, and a 1597 writing desk by Giovanni Battista de Curtis depicting scenes from Gerusalemme liberata. The article presents two unpublished documents from the Naples State Archive: a 1575 inventory listing eighty-five cabinets left by the previously unknown craftsman Ludovico Menhart, and the 1621 founding act of a guild of Neapolitan artisans. This guild regulated the profession of makers of ebony, ivory, and other precious material furnishings. Together, these findings extend the historical timeline and understanding of Neapolitan Mannerist furniture.

This study investigates the conceptual and spatial continuities between traditional Japanese residential architecture and its contemporary reinterpretations. Drawing upon principles such as spatial permeability, integration with nature, ritual-based spatial use, and material minimalism, the research analyzes how these elements persist and evolve in the works of contemporary architects including Kengo Kuma, Tadao Ando, Kazuyo Sejima, and Sou Fujimoto. Rather than viewing traditional spatial configurations as aesthetic remnants, this study approaches them as dynamic cultural constructs that continue to inform design logic, user experience, and spatial identity in contemporary architecture. Using a comparative architectural analysis method, the study identifies key interior components such as tatami flooring, shoji screens, fusuma partitions, engawa platforms, and tokonoma alcoves, and examines their conceptual transformations in modern projects. These elements, while often visually reinterpreted, preserve their symbolic functions and contribute to the sensory, meditative, and social dimensions of residential space. The findings reveal that the notion of "contemporaneity" in Japanese architecture is not a rupture from tradition, but rather a sustained dialogue with it. This process of reinterpretation offers valuable insights for global architecture, including Turkish residential architecture, where cultural references are often marginalized. The study argues that architectural continuity-rooted in local tradition and recontextualized for present needs-can foster both cultural memory and sustainable spatial innovation. By emphasizing conceptual resilience rather than stylistic mimicry, this research contributes to the discourse on architectural identity and proposes a culturally embedded yet future-oriented design paradigm.

During the first few decades of its existence, the Bratislava City Museum acquired a sizable collection of works by notable sculptors active in Pressburg (now Bratislava), such as Viktor Tilgner (1844 - 1896), Johann Fadrusz (1858 - 1903) and Alois Riegele (1879 - 1940). Viktor Tilgner, born in Pressburg, was one of the important names in the Austro-Hungarian sculpting scene of the second half of the 19th century. Despite living and studying in Vienna from an early age, he nevertheless reconnected with his hometown in 1883 while raising funds for the J.N.Hummel monument.
Tilgner was present at the Hummel exhibition and later on he gave a important collection of his works as donnation to the Bratislava City Museum.

L’articolo intende chiarire i primi contatti tra Franco Russoli e Fernanda Wittgens attraverso la corrispondenza intercorsa tra il 1950, anno di trasferimento del giovane funzionario dalla Sovrintendenza pisana a quella milanese, e il 1953, quando e curatore della mostra su Picasso a Palazzo Reale a Milano. Lo studio ha inoltre permesso di evidenziare il ruolo di Russoli, inviato per conto degli Amici di Brera, nell’organizzazione dell’ Exposition d’art Moderne Italien tenutasi a Parigi nel 1950. The article aims to explain the first contacts between Franco Russoli and Fernanda Wittgens thanks to their correspondence from 1950, when the young officer of the Soprintendenza of Pisa is assigned to the Milanese one, to 1953, when he curates the Picasso exhibition at Palazzo Reale in Milan. Furthermore this work allows to highlight the contribution Russoli offers in organising the Parisian Exposition d’art Moderne Italien in 1950, when he acts on behalf of the Amici di Brera.

Il contributo ricostruisce la storia del padiglione italiano alla Biennale di Venezia del 1999, inizialmente eliminato da Harald Szeemann, curatore di quell'edizione, e poi reintrodotto in una versione "smaterializzata" composta dalle opere delle 5 artiste italiane invitate quell'anno alla Biennale: Grazia Toderi, Bruna Esposito, Luisa Lambri, Monica Bonvicini, Paola Pivi. Il Padiglione vince il Leone d’Oro per la miglior partecipazione nazionale, unico caso nella storia dell’esposizione veneziana.

Il 23 dicembre del 2018 una "Lucrezia" di Artemisia Gentileschi è passata sul mercato antiquario austriaco (Vienna, Palais Dorotheum, 23.10.2018, lotto n. 56). Il dipinto proveniva dalla collezione Jatta a Ruvo di Puglia dove era entrato in modo contestuale alla grande quantità di reperti antichi accumulati dalla famiglia rubastina sin dagli anni Trenta del XIX secolo. Senza dubbio un formidabile indicatore di gusto, il quadro può essere considerato rappresentativo di una stagione di cui si ha contezza soprattutto attraverso le carte legate al problema delle dispersioni post-unitarie. Esse, in effetti, restituiscono la questione di un collezionismo - con ogni evidenza non solo di matrice archeologica - sviluppatosi anche in contesti come quello della cosiddetta ‘Puglia storica’ agli inizi dell’Ottocento, una realtà che si dimostra in questo modo solo apparentemente periferica rispetto all’ipernodo partenopeo. Il fenomeno è a più riprese fotografato nelle comunicazioni epistolari intercorse tra la Direzione Generale delle Antichità e Belle Arti a Roma, la Prefettura di Bari e i diversi esperti a fare da ‘sentinelle’ presenti sul territorio. In tal senso, è del 1885 una lettera indirizzata dal prefetto di Bari al Ministero della Pubblica Istruzione che valuta con una prospettiva inusualmente storica le principali opere d’arte ancora presenti nelle quadrerie private dell’area, creando una linea di continuità tra le forme di collezionismo Sei-Settecentesche e quelle appunto primo-ottocentesche di cui il caso Jatta può essere considerato la punta avanzata

Despite their differences, arising from the steps taken by the many curators in charge, the Venice Biennials of the past ten years have shown some unity and coherence, stemming from and nurtured by, one might almost say paradoxically, fragmentation and dispersal. Originating with aesthetic-artistic attitudes which, although they seek global integration of the works created, come from highly diversified creators and geographic, cultural, and creative contexts, which are then the object of creative operations of de-localization, conferring a fragmentary character, at once scattered and unified, even when they have been created specifically for that context and in keeping with very specific, pre-established coordinates. In 2001, the 49th Venice Biennial, the first one of the new millennium, curated by Harald Szeeman, clearly owns many of these already latent assumptions both explicitly and implicitly in the Biennials of the preceding decade and the Kassel Documenta of the same era. So, raised on the "piattaforma dell'umanità," the 49 th Venice Biennial catalog introduction advocates for a rethinking of human nature through careful observation and reflection, which any global perspective on the present state of the world entails. 1

Against the backdrop of the government's active promotion of cultural and creative industry policies, the Creative Expo Taiwan has overcome numerous challenges and withstood public criticisms to successfully host more than ten sessions, gradually establishing itself as a paradigmatic national cultural exhibition. In this study first examines the relevant theoretical discussions on expositions, including the exhibition complex, performance complex, modern public culture, imperialism, and consumer culture. It then reviews significant historical moments of Taiwan's participation in and hosting of expositions from the Qing dynasty, Japanese colonial period to the postwar era, exploring their historical context and implications serving as references for planning and positioning the Creative Expo Taiwan. Furthermore, it discusses strategies for enhancing the curatorial approach and operational models of the Creative Expo Taiwan in promoting the cultural and creative industry exhibitions. In conclusion, it offers evaluations and suggestions. The paper posits that, after more than a decade of development, the Creative Expo Taiwan has gradually nurtured a support network for a national-level exposition, aiding in its continued internationalization to establish a global brand. New technologies, local features, and indigenous cultures are identified as future key areas for development of the Creative Expo Taiwan.

Fecha de Aceptación: (23/06/2025) Fecha de Publicación: (23/06/2025) Resumen: La historia ha sido escrita desde una perspectiva sesgada, en la que la mayor parte de contribuciones femeninas han sido invisibilizadas. Este artículo se centra en Lilly Reich (1885-1947), figura clave del diseño moderno, cuya autoría ha sido eclipsada por la de su colaborador Ludwig Mies van der Rohe. Se ha realizado un análisis documental y comparativo de

Introduction Abraham Manievich (1881-1942) was an artist, whose creative vision, rooted in perception of nature, evolved through a synthesis of various stylistic and thematic influences. Although personally reserved, painter actively engaged with artistic communities across Ukraine, Russian Empire, Europe, the United States, and Canada. Along with solo shows, the artist regularly participated in group exhibitions, establishing popularity in international artistic circles. Archival materials at the National Art Museum of Ukraine document the artist's participation in such events from 1905 to 1938, offering valuable insight into career and global artistic presence. The research relevance was determined by the fact that

Maria Luisa Righini Bonelli è stata una figura di spicco nel panorama della storia della scienza internazionale. È stata principalmente ricordata per il suo eccezionale impegno nella museologia storico-scientifica e per il suo ruolo cruciale nel consolidamento e nell'espansione dell'Istituto e Museo di Storia della Scienza di Firenze (oggi Museo Galileo); meno nota invece è la sua innovativa opera storiografica e l'impatto che questa seppe imprimere alla disciplina. Il conferimento della Sarton Medal nel 1979 da parte della History of Science Society, il più prestigioso riconoscimento internazionale nel campo, testimonia l'importanza e la qualità del suo lavoro. Tuttavia, nonostante l'eccezionalità del premio e l'abbondanza di documenti che illustrano le molteplici sfaccettature della sua opera, il suo contributo storiografico è caduto progressivamente nell'oblio. 2 Questa disattenzione può essere attribuita a diversi fattori. In primo luogo, Bonelli ha dovuto affrontare la sfida di essere una donna in un mondo accademico dominato dagli uomini, dove le discriminazioni di genere erano particolarmente marcate. Grazie a una tenacia inesauribile e a notevoli abilità politiche, la storica pesarese 3 riuscì a superare ostacoli apparentemente insormontabili e a ottenere, almeno parzialmente, una legittimazione istituzionale del suo ruolo. Oltre a questa condizione limitativa, da imputare alla situazione arretrata della società del dopoguerra, bisogna anche tenere in conto che il suo innovativo approccio allo studio degli strumenti scientifici e alla loro relazione con la storia della scienza non fu immediatamente compreso dalla comunità accademica italiana, ancora prevalentemente orientata verso le storie disciplinari di matrice positivista e, alla fine degli anni '50, verso l'approfondimento delle fonti filosofiche del pensiero scientifico.

The demise of Count Jurij Günther Herberstein, proprietor of the manor and castle of Wurberk, in 1677 at the dam on the Studenčnica stream near the village of Lokev in the Drava Plain, marked the culmination of longstanding disputes between the noble families of Wurberk and Ravno Polje over fishing rights at the river Drava and its tributaries, as well as the construction of dams. These conflicts persisted well into the second half of the seventeenth century. It would likely have remained just one among many quarrels during that period were it not for the intervention of two powerful and influential noble clans, the Herbersteins and the Gallers. The Gallers held estates in Styria and Lower Austria, as well as in Carniola. The family members had played a significant role in the Military Frontier during the 16th and 17th centuries, establishing high military positions. Consequently, in 1662, Baron Ivan Christian Galler, lord of Ravno Polje and St. John in the Drava Plain, and Count Jurij Günther Herberstein, lord of Wurberk, agreed that, due to various disputes inherited from previous ownersdisputes that had escalated into numerous lawsuits in the 1660s-they would reach a mutual understanding to prevent further violence and escalation. They focused chiefly on fishing rights along the Drava River and its tributaries, as well as dam construction, which had extended into the second half of the 17th century.

MENDES, Ricardo. A historiografia da fotografia em crise: um olhar sobre grandes narrativas produzidas entre 1970 e 2010. São Paulo: FFLCH-USP, 2024. doutorado em história social. orientação: Vânia Carneiro de Carvalho
https://doi.org/10.11606/T.8.2024.tde-10032025-101749

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Segmento do capítulo 1-Da história da fotografia: a historiografia moderna do meio, que destaca o panorama historiográfico nas décadas de 1930 e 1940 nos EUA, Inglaterra, França e Alemanha (p.39-43).

Trecho comenta a expografia da mostra Photography 1839-1937, realizada no MoMA NY entre 17.03 e 18.04.1937, com curadoria de Beaumont Newhall.

El present estudi tracta el desenvolupament de les capelles i la presència de
retaules als habitatges dels estaments privilegiats de Mallorca durant el segle XVI,
responent als seus afanys representatius i a la pietat domèstica que fomentà la
devotio moderna. La investigació parteix d’una recerca documental basada en cent
noranta inventaris post mortem de l’època, i en el recull i anàlisi d’alguns retaules
supervivents que encara existeixen a l’illa. Les fonts documentals reflecteixen el
paper que jugaren aquests mobles en les millors cases mallorquines del cinc-cents i
junt amb les fonts materials conegudes permeten aclarir procedències, iconografies
i adscripcions estilístiques, dibuixant un panorama majoritàriament conservador
malgrat alguna aportació excepcional. Tot plegat inaugura el coneixement
d’aquestes peces en l’àmbit privat.

The present study deals with the development of the chapels and the presence
of altarpieces in the homes of the privileged classes of Mallorca during the 16th
century, responding to their representative aspirations and to the domestic piety
fostered by the devotio moderna. The research starts on a documentary research
based on one hundred and ninety post-mortem inventories of the period, and on the
collection and analysis of some surviving altarpieces that still exist in the island. The
documentary sources reflect the role that these pieces of furniture played in the best
Majorcan houses of the 16th century and together with known material sources
allow us to clarify their origins, iconographies and stylistic ascriptions, drawing a
mostly conservative panorama, but with some exceptional contributions. All
together inaugurate the knowledge of these pieces in the private sphere.

In some respects, this biennial began with a first dispatch dropped on 6 December 2024, in Mousse, six months to the day before its physical opening. While many biennials are developed in the utmost secrecy, curator Chus Martínez offered the opposite. In the following 25 weekly chronicles, Martínez's guiding principles-health, love and wealth-weaved connections, welcomed other words, accrued meaning, convened 25 artists, became incantations and eventually assembled around four sites to form a multi-accented chorus. Martínez's spatial choreography for the biennial, themed as The Oracle: On Fantasy and Freedom, echoes her diaristic approach: it traces a short itinerary between Tivoli Park and the Ljubljanica river along city streets, bridges and shadowed paths.

This book equips educators, students, translators, and museum professionals with tools to:

Reframe specialized content for diverse audiences

Translate across languages and semiotic modes

Navigate the cognitive and communicative demands of museum texts

Foster inclusive, multilingual museum experiences

Whether you're rewriting a label for children, translating a catalogue entry for international visitors, or teaching students to adapt texts across genres, this book reveals how translation is not just linguistic—it’s a creative, interpretive act that brings museums to life.

NO complaciente: Boris Lurie en México. Esta muestra reúne 95 obras del artista ruso-estadounidense y de origen judío, Boris Lurie (1924-2008), quien desarrolló su carrera artística en la ciudad de Nueva York. La exposición tiene un carácter biográfico, en la medida en que entreteje momentos significativos de su vida con las principales etapas de su creación. De este modo se repara en cómo la vida y la obra son indisolubles en un artista sobreviviente del Holocausto y marcado por el peso de la memoria.

In 1981, the Cologne Trade-Fair centre hosted a large exhibition titled Westkunst: Zeitgenössische Kunst seit 1939 [Western Art: Contemporary Art since 1939]. Organised by art critic Laszlo Glozer and curator Kasper König, the Western-centric survey highlighted avant-garde art and politically charged themes of freedom and individual expression.

By examining Westkunst’s historiographical stakes in light of the Iron Curtain division of Europe, the show is revealed in this collective volume as paradigmatic of the ways in which hegemonic concepts of ‘Western art’ and the accompanying processes of othering were fashioned in the art world. Westkunst’s universalising claims are scrutinised here by focusing on the artistic tendencies exhibited; on exhibitionary discourses and practices of decontextualisation, comparison, and appropriation; on the alleged realisation of the values of progress, freedom, and autonomy; on the enacted conceptions of temporality and the architectural devices of narrativisation; and on the exhibition’s blind spots and exclusions and the critical reactions it elicited.

This analytic output makes fresh use of the archival materials, which are neither centralised nor systematised, with significant excerpts republished throughout the book. Seen through the lens of exhibition history, this revisiting of Westkunst sheds light on a broader trend of cultural conservatism that was gaining strength in the 1980s, just before the end of the Cold War, and on the start of new forms of globalisation.

intentar meticulosamente retener alguna cosa, hacer sobrevivir alguna cosa: arrancar algunos trocitos precisos al vacío que se abre, dejar, en algún lugar, un surco, un rastro, una marca o algunos signos Georges Perec a pulsión de archivar es tan antigua como el hombre mismo. El archivo nace del deseo y de la necesidad de los seres humanos de dejar huella en documentos que registran y conservan los actos cotidianos de la existencia. Gracias a esta práctica se ha podido representar la historia de sociedades, anteriores a la nuestra, cuyos vestigios escriturales han permanecido a través del tiempo. Ahora bien, esta necesidad y este deseo se concretan de múltiples maneras y generan diversos tipos de archivos que tienen en su origen distintas funciones, lo que implica, también, que deben afrontar diferentes retos.

The nineteenth century witnessed an upsurge of interest in the region across Europe and North America, in media ranging from literary fiction to the illustrated periodical and from visual arts to architecture. This rise of regionalism has often been linked to nationalism and nation building. However, depictions of the region circulated across borders or interacted with transnational cultural repertoires of the local. These often overlooked transnational aspects are the focus of this volume which considers cultural representations of the region during the long nineteenth century, in its variety of dimensions, across all expressive media.

Le geste artistique, que ce soit dans le domaine musical, celui des arts visuels ou de la danse, est fondamentalement un acte technique qui pose la question de sa transmission, de sa reproduction, de son perfectionnement. Le geste artistique s’inscrit dans une histoire des savoir-faire et des communautés de transmission. Il appelle l’étude des médiations permettant
sa persistance, ses métamorphoses, ses éventuelles résurgences.
Si le geste devient artistique par la technique, il peut aussi la contrarier : qu’on pense au dripping de Jackson Pollock, à la danse libre d’Isadora Duncan, aux expérimentations musicales de John Cage et leur influence sur les arts figuratifs, plus largement à la valorisation de la création spontanée, contraire à l’habileté artisanale ou à la virtuosité technique.

Il disegno è il mezzo per me più capace di rappresentare le oscillazioni, le correzioni, gli errori del pensiero in tempo reale. Lo schizzo è l'erompere improvviso di un pensiero interno che si fa esterno, l'apparire agli occhi, prima di tutto quelli dell'autore, di una configurazione che appare mobile e mutevole ma che in realtà è il DNA dell'edificio che si sta progettando. Il disegno è quindi per me il luogo elettivo del mio lavoro di architetto. È un laboratorio ideativo dove sperimento forme libere che potranno diventare forme architettoniche. Il disegno è poi intrinsecamente critico, perché nel momento in cui si traccia uno schizzo lo si confronta immediatamente con famiglie di schizzi, da esso potenzialmente derivate, che potrebbero confrontarsi con quello che si sta facendo. C'è poi un altro aspetto di importanza decisiva. Quasi tutte le cose che formano il nostro mondo, che vediamo tutti i giorni, possono essere comprese nella loro costituzione solo se le rileviamo, così come non si comprenderà mai la foglia di un albero se non la si disegna. Il disegno è, in sostanza, lo sguardo dell'architetto sul mondo. Gli architetti comprendono la realtà non con la vista ma misurando e poi disegnando le cose, successivamente comunicano quanto hanno capito o progettano sempre con il disegno, che infine è la memoria del percorso che si è compiuto per pervenire a un certo risultato progettuale. Vedere, pensare, comunicare, memorizzare. Sono queste quattro le funzioni del disegno. There is one more aspect of extreme importance. Almost all things that make up our world, which we see every day, can only be fully comprehended if we draw them, just as the leaf of a tree will never be fully understood if it is not drawn. In essence, drawing is the architect's outlook on the world. Architects understand reality not through sight but through measurement and subsequent representation -they then communicate what they have understood or designed through that drawing, which constitutes the path taken to achieve a certain design result. See, think, communicate, memorize. These are the four functions of drawing. Franco Purini, architetto ed esponente a livello mondiale dell'architettura disegnata, ha ricevuto la nomina di Professore Emerito dal Ministero dell'Istruzione, dell'Università e della Ricerca nel 2015, per aver contribuito in modo significativo all'innovazione nel campo della didattica e della ricerca e per il particolare prestigio portato alla Sapienza Università degli Studi di Roma. Ha inoltre ottenuto la Medaglia d'Oro del MIBACT su iniziativa della Presidenza della Repubblica come Benemerito della Cultura e dell'Arte.

Cette journée d’études, organisée à l’occasion de l’exposition Sur les pas des Lumières Séville en couleurs au Collège d’Espagne, se propose d’explorer l’histoire de la photographie urbaine espagnole des XIXe et XXe siècles à travers ses techniques, ses usages, ses supports et ses enjeux esthétiques. En s’appuyant sur des exemples précis, elle tentera de mettre en lumière les conditions matérielles de production, de diffusion et de réception des images urbaines. Il s’agira également de réfléchir aux choix esthétiques et aux contraintes techniques qui ont façonné les représentations des villes espagnoles depuis le XIXe siècle, dans un contexte de perpétuelle évolution des pratiques photographiques.

Esta jornada de estudio, organizadas con motivo de la exposición Tras los pasos de los Lumière, Sevilla en color, en el Colegio de España, se propone explorar la historia de la fotografía urbana española desde el siglo XIX hasta el XX a través de sus técnicas, usos, soportes y dimensiones estéticas. Basándose en ejemplos concretos, pondrá de relieve las condiciones materiales de producción, difusión y recepción de las imágenes urbanas. También se reflexionará sobre las decisiones estéticas y las limitaciones técnicas que han dado forma a las representaciones de las ciudades españolas desde el siglo XIX, en un contexto de constante evolución de las prácticas fotográficas.



Organisation : Corinne Cristini (Sorbonne Université – CRIMIC UR 2561), Hélène Frison (Sorbonne Paris Nord – IHRIM UMR 5317), Ivanne Galant (Sorbonne Paris Nord – Pléiade UR 7338), Jorge Villaverde (Sorbonne Université – CRIMIC UR 2561)

Este libro incluye una antología del periódico La Vida Literaria. Crítica. Información. Bibliografía, que el editor Samuel Glusberg llevó adelante entre fines de 1920 y los primeros años de la década siguiente, simultáneamente con la producción de sus libros en la editorial B.A.B.E.L. El estudio preliminar propone una lectura de los materiales seleccionados, centrada en las relaciones entre revistas, vida literaria y prácticas editoriales. En torno a esos focos de interés, la autora muestra la relevancia, generalmente inexplorada, de ciertas zonas de las publicaciones periódicas que son indispensables para revisar momentos y procesos de la historia literaria y cultural latinoamericana.

A partire da una selezione di casi espositivi ospitati dal 1970 al 1973 presso gli spazi della Galleria dell’Ariete di Milano lo studio indaga i diversi formati in cui la ricerca fotografica di Ugo Mulas è stata presentata e promossa da Beatrice Monti della Corte negli ultimi tre anni di vita del fotografo. Obiettivo della ricerca è quello di ripercorrere, in un contesto che ha esposto le sperimentazioni più aggiornate del decennio, la graduale affermazione tra la fine degli anni sessanta e l’inizio dei settanta di un mercato per la fotografia grazie alla progressiva evoluzione del lavoro di Mulas dal campo della documentazione artistica a quello dell’opera. L’analisi è centrata sulla mostra dedicata alle sue Verifiche organizzata nel dicembre del 1971 presso l’Ariete Grafica, un piccolo spazio prospiciente la medesima corte in cui si affaccia la Galleria dell’Ariete, dove a partire dal 1970 Beatrice Monti espone insieme a Giuliana Soprani edizioni e multipli commissionati ad artisti. Questo caso di studio rappresenta l’avvio di una nuova stagione nella collaborazione tra la gallerista e il fotografo, che documenta sin dalla seconda metà degli anni Cinquanta le attività dell’Ariete, ritraendo le opere e gli artisti, e fotografandone le mostre attraverso la puntuale registrazione di ogni fase del progetto espositivo, dall’allestimento alla sua inaugurazione. Nel triennio preso in esame, parallelamente all’affermazione delle ricerche concettuali, si assiste a una graduale traslazione nell’azione documentaria di Mulas del processo creativo: il fotografo diventa protagonista, e rispetto alla registrazione in studio degli anni sessanta inizia a documentare le performance in galleria così contribuendo ad integrare sempre più strutturalmente la fotografia nella sperimentazione artistica. Tra il marzo e l’aprile del 1970, fotografando l’azione di Michelangelo Pistoletto insieme a Maria Pioppi, Tommaso Trini e Franca Sacchi, in occasione della personale dell’artista all’Ariete intitolata Tutte le donne, lui stesso viene più volte ritratto negli scatti di Giorgio Colombo come nuovo attore nel processo di rifondazione del concetto di opera. Nell’aprile del 1971, poco prima della propria personale, curerà poi il catalogo della mostra di Pietro Consagra confermando un nuovo peso della fotografia nel formato espositivo del libro. Dopo la pubblicazione per le edizioni dell’Ariete Grafica del suo portfolio con le Verifiche 1 e 2, il suo lavoro fotografico è infine presentato a giugno del 1973 nello stand della galleria in occasione di Basel Internationale Kunstmesse accanto alle opere degli stessi artisti da lui documentati nel decennio precedente. L’indagine sarà sviluppata grazie alla consultazione di materiali documentari custoditi presso l’archivio della Galleria dell’Ariete nelle Special Collections del Getty Research Institute, e negli archivi fotografici di Beatrice Monti della Corte e di Giorgio Colombo.

I testi qui raccolti offrono una prima riflessione sulla ricezione delle arti africane, oceaniche e centro-sudamericane in Italia nel secondo dopoguerra, esplorando le letture critiche, visive ed espositive che hanno accompagnato la circolazione di manufatti extra-occidentali. Attraverso un’analisi di casi di studio legati al mercato, alle mostre e alla pubblicistica, il libro documenta come questi oggetti abbiano sfidato le convenzioni culturali italiane, dando vita a nuove prospettive interpretative. Sebbene in parte connesso con le tematiche della decolonizzazione e del terzomondismo, questo studio unisce la ricerca filologica con l’esplorazione dei nuovi modelli critici. A partire dalla fine del Novecento, con eventi espositivi rilevanti come la mostra parigina “Magiciens de la Terre” (1989), è emerso un dibattito post-coloniale che ha cambiato radicalmente la geografia del sistema dell’arte, aprendo scenari che continuano a stimolare riflessioni e ricerche ancora oggi.

Lo studio indaga la riflessione di Carlo Ludovico Ragghianti, il primo storico dell’arte italiano ad essersene occupato, su strumenti e principi di metodo per l’analisi delle arti africane: straniere non solo per lontananza geografica e culturale, ma soprattutto per il formato e la natura delle tracce documentarie a disposizione, così radicalmente difformi dalle fonti testuali e visive proprie della cultura occidentale. Un confronto, dunque, tra un metodo di indagine storica “scientifica” e vincolata alla filologia, e uno sguardo fondato invece su memorie visive e orali di una cultura artistica le cui documentazioni scritte risultano non solo scarsamente accessibili sul piano materiale, ma di incerta traduzione e ardua decifrazione.

O artigo objetiva apresentar, por meio de uma investigação da materialidade de algumas obras pertencentes à década de 1990 do artista visual Raimundo Rodriguez, a formação de uma identidade territorial e visual periférica. Conceitos que abarcam o campo da sociologia, da psicanálise e da semiologia serão abordados com a finalidade de
esclarecer as poéticas visuais adotadas pelo artista e o processo incipiente de legitimação de sua produção simbólica.
Tais conceitos viabilizaram a criação de um discurso imagético que problematiza antinomias como as encontradas nas relações entre centro x periferia, cultura erudita x cultura popular, arte x artesanato, entre outras.

Este artigo relaciona-se a Projeto Temático desenvolvido com apoio da Fapesp (Processo 2022/12333-3) e que tem como propósito mapear e analisar as mostras internacionais de artes visuais que circularam pelo Brasil e por outros países da América do Sul entre os anos de 1948 e 1978. O artigo discute o papel desempenhado pelo British Council no circuito internacional das artes dos anos 1950 e 1960, focando-se, sobretudo, nas escolhas do órgão para as representações britânicas para a Bienal de Veneza e para a Bienal de São Paulo. Procura demonstrar a articulação existente entre as seleções efetuadas para esses eventos e evidencia o sucesso das estratégias desenvolvidas pelo British Council no período.

Each of you knows perfectly well that, among the pieces of advice physiognomists and artists or art theorists give to their readers, there is at least one they all share: to observe one's own face in a mirror. Now, the issue I would like to raise during this talk is situated in a particular context, one in which one's own reflection has never so keenly been scrutinized (as the history of the use of mirrors confirms) but above all one in which one has perhaps never so thoroughly played at the little game of making faces in the mirror, as is confirmed by certain writings of the time as well as by some exemplary works of art, like the grimacing self-portraits that were on the rise during this period. That said, my intention here is not to comment on the works in question or to analyze late eighteenth-century Parisians' fascination with the spectacle of those who were called at the time grimacers. I note simply that, at this date, the term designated a type of popular street artist mentioned in several sources. These sources speak, quite particularly, of the acting of Italian pantomimes, whose performances those artists would sometimes endeavor to illustrate in popular prints. To be brief, what I have been keen to emphasize as a prelude to this talk is that the question I am going to address -namely, that of how grimacing is among the ways in which the body creates lapses and lies -took on a new dimension at the very moment when the intentional and calculated expression of facial movements became the object of all kinds of observations. I would like to set up my talk by starting with an article drawn from the Dictionnaire des Beaux-Arts of the Encyclopédie Méthodique, a two-volume work published between 1788 and 1791 that was initiated by the Academician Claude-Henri Watelet and completed after his death by a friend of Diderot, Pierre-Charles Lévesque. This article, signed by Watelet himself, attempts to define the notion of "grimacing" and to legitimate the employment of this term in the language of the Fine Arts. When he worked on this dictionary which was intended to be part of the great publishing enterprise of Charles-Joseph Panckoucke, Watelet was not just starting out; he had already penned several articles devoted to the Fine Arts for Diderot and d'Alembert's Encyclopédie, and, in particular, a contribution to the entry on "grimacing". Moreover, the entry he inserted in his Dictionnaire takes up again several points from the earlier article in the Encyclopédie while also developing new ones that defended an idea that was dear to him, namely that the level of moderation in the expression of the passions is the sign of a society's degree of civilization. In reading his reflections on this question, one quickly comes to understand that, for Watelet, grimacing is not to be limited to the aesthetic field alone. On the contrary, it relates back to discussions that were already well underway before the period of the French Revolution, though those discussions are ones that were soon to take a more political and polemical turn. Here are the terms in which Watelet starts out his article: "I deem it too important for art's interest in recommending simplicity of expression and of character in imitations of nature not to seize the occasion and insist on this precept here, on the occasion of a word one will have all the more right to employ in the language of the arts as they stray further away from true perfection".