Dance Pedagogy

A representação do/e pelo corpo foi objeto de estudo no âmbito das disciplinas de Artes Visuais do terceiro ciclo de escolaridade do Ensino Básico, através do tema da autorrepresentação, entendida esta, como uma exploração que não é individual, mas comunitária, social, comum, abrangente e, como tal, uma mais-valia para o crescimento pessoal e social dos estudantes. Através de um estudo de caso, no contexto das disciplinas de "Educação Visual" e de "Cinema e Artes Visuais", a investigação propôs constituir-se como um olhar exploratório sobre a importância do corpo na arte e a sua abordagem em contexto escolar, tendo por base a concretização plástica da artista Helena Almeida. O modo como a artista usa o seu corpo e com ele vivencia a sua expressão plástica, o modo como aplica as ideias sobre o corpo e o lugar e testa as limitações corpóreas no seu uso, como meio expressivo, como instrumento e objeto artístico, pode constituir-se o melhor processo para um entendimento das artes plásticas e performativas contemporâneas, assim como um contributo para a consciencialização do autor enquanto produto. Em termos de metodologia de trabalho foi estruturado um conjunto de propostas de criação visual e plástica que tiveram como objetivo a consciência do corpo próprio do sujeito, enquanto fazedor de uma obra e elemento representado no objeto artístico, suscitando a auto-análise, junto de alunos com idades compreendidas entre os 12 e os 16 anos.

The following article of master’s degree dissertation in linked to the line of research of ‘Education and Arts’ of the program of post graduation in education from the Federal University of Santa Maria/RS. It has as objectives investigate how the teachers realize the visual culture in the universe of Dilermando`s de Aguiar/RS primary municipal public school. The methodology is characterized by on qualitative approach, whose method was the Study of the Case. The data were collected by semi-structured interviews and narrative by the images, beyond the diary. The theoretical referential was constructed by reflections and discussions, in contact with the thoughts of the authors as EFLAND; FREEDMAN e STUHR (2003); FREEDMAN (2006); HERNANDEZ (2000; 2006; 2007); MIRZOEFF (2003); BREA (2005); MARTINS (2008) e DIAS (2008), which broach about the importance of discussion of visual and cultures in curriculums, the contemplation of this relation in the teaching plannings, and finally, eventuall...

Research on the role of the ballet pianist is limited. A gap in the literature concerns the ways in which dance instructors and accompanists 'make sense' of their collaboration. The working relationship between a dance teacher and a dance musician in a ballet class was investigated. The researcher, a ballet pianist, conducted a semistructured, in-depth interview with a ballet-teacher colleague who is also a musician and composer. The data was analysed using Interpretative Phenomenological Analysis (IPA), a methodology which takes into account the interpretations of the participant (dance teacher) and the researcher (dance musician). This single case study presents three higher-order themes: 'the cycle of creativity' between the teacher, musician, and students; 'a tonic sense in the body' facilitated by the musician's playing; and 'the ideal situation' regarding the musician's sensory awareness during the class. It also reveals two subordinate themes that challenge effective relationships: the students' perceived response to percussion; and the teacher's use of recorded music. The results offer insight into specific perceptions and understandings that are transferable to dance teachers and dance musicians engaged in continuing professional development.

O presente artigo apresenta o Estágio Supervisionado em Dança II, na Graduação em Dança: Licenciatura da UERGS, realizado no IFTO em turmas do Ensino Médio integrado. A experiência abordou o modernismo na arte no Brasil e suas relações com as precursoras e os precursores da dança moderna, além das mudanças nas concepções de corpo e de dança ocorridas nesse período. Apesar dos desafios apresentados pelo contexto do ensino remoto levamos em consideração as limitações que essa configuração demanda tanto para construção da metodologia, como para os processos de criação. Como metodologia foram realizadas aulas síncronas e assíncronas abordando os conteúdos estudados, além de leituras de textos; vídeos e comunicação pelo WhatsApp. Ao final construímos uma sequência coreográfica utilizando objetos e partes específicas do corpo. As e os estudantes indicaram como experiências positivas a diversidade de materiais, entre eles a utilização do livro didático, as vídeo aulas, os textos, os vídeos artísticos e as aulas síncronas pela interação entre professor/estagiário e estudantes. Além disso, evidenciamos a necessidade de superarmos os descompassos existentes na presença das quatro áreas da arte na escola.

Írásom Györgyfalvay Katalin (1937–2012) koreográfusi attitűdjét, kontextusba helyezett alkotásait egy lehetséges értelmezési metódusban vizsgálja. Györgyfalvay műveltsége és táncelméleti felkészültsége a koreográfiáiban követhető nyomon. Tanulmányom megírását az a népszerű kutatói vélekedés indokolja, ami sokszor feltételezte (és láttatni igyekezett) a színpadi néptáncművészetben alkotók munkásságában a „bartóki út”, mint alkotói látásmód megjelenését, ám annak definiálása általában elmaradt vagy nem konkrétan a tárgyra koncentrált. Kimondható tény: az avatatlan fül számára Bartók zeneiségét megérteni nem könnyű vállalkozás. Bartók modern felfogása és újító szemlélete – mindkettő alkotói habitusának markáns jellemzője – hozta létre az új magyar zenét, ami programzenei koncepciójának deklarálását jelentette. Még nehezebb talán a színpadi tánc műfajában a bartóki elveket hűen alkalmazó alkotók művészi eszköztárában felfedni az említett szemlélet adaptálását bizonyító elvet és kifejezési formát. A bartóki elv adaptálására példaként – eddigi kutatásaim alapján – a magyar színpadi néptáncművészetben Györgyfalvay Katalin munkássága, különösen életművének utolsó alkotásai szolgálnak. Dolgozatomban e téma kifejtésére, vagyis a zenei koncepció és a táncalkotás metodikájának körvonalazására, valamint ezek összehasonlítására törekszem. A témát pedig a városi közösség térbeli szimbolikus reprezentációjához kapcsolom, amelyben szerepe van a kollektív emlékezetnek, a térben megjelenő mozgásnak, valamint a kompozíció építkezési elvének is.

Dance, as a form of human expression, brings with it a rich history dating back to the most ancient times. Although it is often framed as art, its versatility goes further, being used not only for artistic purposes but also as a means of communication between human beings and, in some cultures, as a form of connection with deities. In this way, dance not only enriches the artistic sphere, but also intertwines with the human experience, becoming intrinsic to our being and existing in the world.

In this thesis, I describe creating a movement research practice called "unfiltering", which seeks to encapsulate the visceral manifestations of emotions by consolidating Ohad Naharin’s movement language Gaga and Gloria Anzaldúa’s decolonial writing practices. This research culminated in my creative thesis project, Bolero de lxs Fridas, where unconventional writing practices that decentralize Eurocentric ways of knowing were utilized to cultivate a collective movement lexicon embedded in mestiza consciousness and autohistorias, within and beyond the confines of the rehearsal space. My primary research inquiry is: how does the imaginative and dramatic realism of Frida Kahlo, Gloria Anzaldúa, and Ohad Naharin intersect to facilitate my physical pedagogy, "unfiltering", a movement research practice designed to expand artists’ expressive physicality?
To bring Bolero de lxs Fridas into this realidad mágica it was essential to foster an environment where the artistic collaborators could celebrate their vulnerability, intimacy, and domestic politics, facilitated by the incorporation of Frida Kahlo’s diary entries and intimate letters. This dramaturgical scaffolding wanders away from conventional Eurocentric dance paradigms that support the compartmentalization of personal stories within the creative process. While such practices may allegedly aim to promote professionalism among dancers and dance scholars, they can inadvertently

invisibilize the human experiences of the artists in the process, minimizing them to distributors of a capital-centered archetype.

The pedagogical approach of "unfiltering" critiques these linear doctrines of dancemaking by recentering the dancer as paramount to the choreographic process. By tackling the suffering and hope of the people in the room, I aimed to thread together the artists’ experiences with those of an external figure, namely Frida Kahlo. However, I intentionally utilized "unfiltering" to ensure that the dancers refrained from embodying Frida Kahlo’s dual portrait, Las Dos Fridas (1939), until they were in the practice of embodying their internal narratives: their fear, their insecurities, their embarrassments, and their pleasure. Paramount to my artistic philosophy and practice is my commitment to amplifying the narratives of marginalized people and communities, a pursuit that serves my journey to personal healing from sexual trauma and a universal pursuit of tikkun olam, or repairing the world.

This article examines strategies used by three dance teachers in their pedagogical practice, so that the students are able to display stage presence. The empirical material was created based on ethnographically inspired research, taken during the dance classes held by teachers Dagmar Dornelles, Luciana Paludo and Simone Rorato in Porto Alegre. Eight classes from each teacher were observed, the teachers were interviewed and a photographic record was kept. Some of the topics discussed were the conscience as a way of presence and taking care of your body as pedagogical strategies used by the teachers in the instruction of dance. Finally, the article suggests that all the strategies used by the three teachers, subjects of this research, configure contemporary ways of being a dance teacher.

Resumo: O texto apresenta um recorte da investigação, em andamento, desenvolvida junto ao programa de pós-graduação em Educação Musical e do grupo de pesquisa "Educação Musical: diferentes tempos e espaços", da Universidade Estadual do Rio Grande do Sul (UERGS). Propõe-se a discutir a importância da inserção da educação musical na educação básica brasileira. Através da abordagem qualitativa, tendo a pesquisa-ação como método, observações e entrevistas, como forma de coleta dos dados e a análise de conteúdo para análise dos dados coletados, a pesquisa é norteada pelos seguintes questionamentos: Como acontece o ensino de música na escola escolhida para a investigação? Quais intervenções musicais poderão ser adotadas e implementadas ao contexto analisado? Objetivando analisar e propor intervenções pedagógico-musicais junto aos educandos de uma escola pública municipal de ensino fundamental, localizada em Montenegro-RS. Com base nos resultados obtidos até o momento foi possível ponderar que as ações pedagógico-musicais são viabilizadas, junto aos educandos da escola, através da oferta de Oficinas Musicais, realizadas por alunos do curso de Graduação em Música: Licenciatura, bolsistas do subprojeto Música, do Programa Institucional de Bolsa de Iniciação à Docência, da UERGS. Em colaboração com acadêmicos, a continuidade desta investigação busca compor possiblidades de intervenções musicais a serem desenvolvidas em sala de aula, junto aos educandos.

Resumo: Este artigo é oriundo do trabalho de conclusão de curso que trata da formação oferecida em nível superior no curso de Graduação em Música: licenciatura da UERGS e sua proposta de formação, o artista/professor. Como metodologia de pesquisa optou-se pela abordagem qualitativa, combinada com o método de Pesquisa Documental, e utilizando como técnica de coleta de dados a coleta de documentos. A análise dos dados foi feita através da Análise de Conteúdo. Nesta investigação também foi avaliado o documento em questão segundo a legislação vigente sobre o ensino superior. Espera-se com esta pesquisa contribuir com a reformulação curricular do curso investigado, bem como com outros cursos de licenciatura em música no Brasil.

Resumo: Este artigo apresenta algumas considerações sobre a importância do Programa Institucional de Bolsa de Iniciação à Docência (PIBID), através do subprojeto Música, da Universidade Estadual do Rio Grande do Sul (UERGS), sob a ótica da construção docente viabilizada através da interação entre teoria e prática no contexto escolar. A investigação contou com a abordagem qualitativa, a pesquisa-ação como método, observações e entrevistas para a coleta de dados e a análise de conteúdo para análise dos dados. Como referencial teórico buscou-se aporte na Educação, a partir de conceitos propostos por Pedro Demo e Paulo Freire. Os conceitos oriundos da Educação Musical foram selecionados a partir de pressupostos de Keith Swanwick e de Rudolf-Dieter Kraemer, este último no que se refere à Pedagogia Musical. Com base nas observações relativas às atividades realizadas, o texto apresenta os resultados e as análises a partir da realização da Oficina de Educação Musical para Alunos com Deficiência, realizada junto a educandos do ensino fundamental de uma escola pública municipal, localizada na cidade de Montenegro-RS. Conclui-se que o contato com educandos que apresentaram necessidades de aprendizagens especiais, durante a inserção do licenciando em música ao ambiente escolar, proporcionou contribuição à sua construção docente. Por fim, salienta-se a importância da integração entre teoria e prática docente à formação de licenciandos em música.

Resumo: Esta é uma pesquisa sobre o curso de licenciatura em música da Uergs. Nesta instituição, o projeto pedagógico do Curso de Graduação em Música: Licenciatura objetiva a formação do artista/professor. Considerando-se a existência de outros cursos de licenciatura em música no RS e no Brasil, e a atual legislação educacional, esta pesquisa objetivou investigar as características de um artista/professor expressas no projeto pedagógico do curso ainda em vigor na Uergs. A metodologia incluiu a abordagem qualitativa, a pesquisa documental e a coleta de documentos. A análise de conteúdo fundamentou a análise dos dados. A partir dos dados coletados e analisados concluiu-se que o projeto pedagógico deste curso da Uergs apresenta-se, em diversos aspectos, bastante avançado, atendendo grande parte da demanda necessária à educação musical na atualidade. Todavia, foram observadas lacunas relacionadas à regulamentação do ensino superior no Brasil, além de dificuldades para o alcance do objetivo de formação do artista/professor, expresso no projeto, considerando-se a constituição da grade curricular planejada e as possibilidades de atuação profissional. Dentre as possíveis atuações para os egressos do curso da Uergs encontram-se a Educação Básica, trabalhos em ONGS, projetos artísticos, em orquestras, escolas de música, entre outras possibilidades. Entendese, portanto, a necessidade da revisão desta proposta curricular e do projeto pedagógico do curso. Com a finalização desta pesquisa já foi possível observar a contribuição da mesma para a reformulação do curso, iniciada em meados de 2013. Entende-se que, além desta contribuição direta, esta pesquisa possa contribuir para a área da educação musical no Brasil.

Diferente de suas versoes anteriores, o Programa de Iniciacao Artistica - Proinart 2016 da Universidade Federal de Alagoas trouxe algumas inovacoes e com elas novos desafios a Extensao. As maiores dessas inovacoes consistem na obrigatoriedade dos projetos contemplados desenvolverem pesquisa concomitante as acoes da extensao e o alongamento do periodo de duracao dos projetos que de semestral passou a ser anual, sendo previsto seis meses destinados ao seu desenvolvimento e seis meses a sua divulgacao. Considerando que as acoes e a formacao artistica foram as principais caracteristicas do Programa Proinart 2015, no qual o projeto “Cidade e Signos” foi formatado e desenvolvido, passamos a nos questionar de que modo os alunos envolvidos no projeto, desejosos e incentivados a serem interventores artisticos, poderiam absorver a formacao de iniciacao cientifica sem que a mesma pudesse frustrar suas expectativas ou comprometer o ativismo que lhes e inerente, proprio dos alunos de extensao. C...

Esse trabalho busca apresentar um resultado final da disciplina de figura humana do curso de Licenciatura em Artes Visuais do IFCE, refletindo sobre o processo criativo apresentada pelas questões do corpo gordo nas artes visuais, das questões de gênero e sexualidade e da formação poética/estética. A pesquisa usa como ferramenta e suporte a criação do próprio autor, baseando-se pela “Pesquisa Educacional Baseada em Arte: A/r/tografia” (DIAS e IRWIN, 2013). O processo poético utiliza como técnica a aquarela e o desenho de observação da figura humana. A reflexão fica sob o olhar da formação inicial de professores de artes visuais e dos processos formativos no curso superior.

PALAVRAS–CHAVE: Desenho da Figura Humana, Artes Visuais, Formação Inicial.

A disciplina de Estudos Latino-americanos foi implementada a partir do primeiro trimestre de 2015 no Colegio de Aplicacao da UFRGS. As tematicas inseridas na sua composicao foram escolhidas em virtude da necessidade de trabalharmos com temas que nao sao abordados habitualmente em sala de aula, ou que usualmente sao abordados sob uma otica eurocentrica, que nao condiz com a pluralidade da realidade latino-americana. Nesse sentido, escolhemos apresentar experimentacoes advindas do periodo correspondente ao segundo trimestre letivo, realizadas junto as turmas de nono ano, cuja tematica diz respeito ao estudo dos movimentos sociais na America Latina. Construimos textos e trouxemos outros de autores e autoras latino-americanos que trabalharam com os temas abordados, reforcando as lutas, conquistas e producoes culturais das camadas subalternizadas da America Latina.

The following article of masters degree dissertation in linked to the line of research of Education and Arts of the program of post graduation in education from the Federal University of Santa Maria/RS. It has as objectives investigate how the teachers realize the visual culture in the universe of Dilermando`s de Aguiar/RS primary municipal public school. The methodology is characterized by on qualitative approach, whose method was the Study of the Case. The data were collected by semi-structured interviews and narrative by the images, beyond the diary. The theoretical referential was constructed by reflections and discussions, in contact with the thoughts of the authors as EFLAND; FREEDMAN e STUHR (2003); FREEDMAN (2006); HERNNDEZ (2000; 2006; 2007); MIRZOEFF (2003); BREA (2005); MARTINS (2008) e DIAS (2008), which broach about the importance of discussion of visual and cultures in curriculums, the contemplation of this relation in the teaching plannings, and finally, eventually th...

Este projeto visa à montagem de uma peça teatral e à produção de oficinas de artes, baseada na construção coletiva dos membros do grupo formado a partir do trabalho realizado junto aos do campus de Cáceres. Visa também coletar as perspectivas pedagógicas do uso da arte como ferramenta de educação e reeducação social. Busca estabelecer um diálogo entre os moradores de Cáceres de uma maneira geral, e especificamente, com estudantes e professores do município, acerca do uso do teatro como expressão cultural e reflexão sobre o cotidiano. Tem como intenção produzir reflexões sobre as temáticas abordadas por peças coletivamente construídas, cujos scripts abordam questões sociais relevantes, como o preconceito, a religiosidade, as opções sexuais e problemas de ordem laboral como o burnout e de relacionamento social, como o bullying, realizadas ao longo da vida das pessoas.

Resumo: Este trabalho apresenta a pesquisa denominada "Música, Arte e Literatura na Cidade das Artes: Investigando a Cultura na Cidade de Montenegro, RS", em fase de finalização. É uma das ações que faz parte das atividades do Grupo de Pesquisa "Arte: criação, interdisciplinaridade e educação" (CNPq), da Universidade Estadual do Rio Grande do Sul, tendo sido contemplada com bolsa de Iniciação Científica do CNPq. Partiu dos questionamentos: Quais são as manifestações musicais folclóricas, eruditas e populares existentes na cidade de Montenegro, RS? Quais são as manifestações artísticas, incluindo as áreas das Artes Visuais, Dança e Teatro que existem nesta cidade? Por que Montenegro, RS, recebe a alcunha de "Cidade das Artes"? Deste modo, esta pesquisa objetivou investigar aspectos da cultura da cidade de Montenegro, RS, notadamente a música, as artes em geral e a literatura. Para a realização desta investigação foi estruturada uma metodologia fundamentada na abordagem qualitativa e no estudo de caso como método. A técnica para a coleta dos dados ocorreu através da realização de entrevistas. A partir da coleta e análise dos dados entende-se a justificativa para a designação "Cidade das Artes". Há anos a cidade tem realizado diversas ações artísticoculturais, através de diversas instâncias governamentais e da sociedade civil, tem desenvolvido ações 1 Edione é estudante do 7º semestre do Curso de Artes Visuais: Licenciatura da Universidade estadual do Rio Grande do Sul. Possui bolsa de Iniciação Científica do CNPq, com a qual desenvolveu a pesquisa que é submetida como comunicação.

Alexander Dumas A kaméliás hölgy (1848) című műve szolgált, amely többek között Verdi Traviátájának is a szüzséjét képezi. A darab cselekményének az az epizód a kiindulópontja, amikor Violetta a játékszenvedély hevében az egész vagyonát elveszíti, majd koldusbotra jutva álmában megvilágosodik, felismeri a hibáját és visszatér az erényes útra. A cselekmény röviden: Violetta szalonjában összegyűlik Párizs előkelősége. Poncellet hiába próbálkozik, Violetta visszautasítja a közeledését. Előbbi természetesen bosszút esküszik: játékra hívja, melyben a hölgy szívét ugyan nem, de teljes vagyonát megnyeri. Violetta apja a játékot titkon figyelemmel kíséri, majd amikor a lány vagyona odalesz, gyermekét eltaszítja magától s megátkozza. A gróf nevelési módszerei sajátosak: ahhoz, hogy lánya elnyerje bocsánatát, vidéki városokban kell koldulnia, azután hozzámehet választottjához, Julienhez. 50 Ezt a történetet Borri olyan sikeres koreográfiákkal, látványos táncokkal vitte színpadra, amelyek nem hagytak kétséget szerzői tehetsége felől. A balett fogadtatása kedvező volt. 51 A Wiener Zeitung -noha erősen kétségbe vonta a darab 'nagy' balett jellegét -inkább szórakoztatónak érezte, leszámítva a gyászjelenetet, amely a nagy balettekhez képest kevésbé zavaros, a szövegkönyv igyekszik a főhősnő szenvedéseit a lehető legrövidebben elbeszélni. A recenzens szerint a két órán keresztül eltáncolt cselekmény után a néző nem úgy hagyta el a házat, hogy unatkozott. 52 Aranyváry bécsi idejéből a Violetta kapcsán olvasható az egyetlen ismertetés, amely név szerint is megemlíti a teljesítményét. A Wiener Zeitung beszámolója kiemelte Levasseur és Pocchini kisasszonyok szeretetreméltó és bájos produkcióját, valamint Lanner kisasszony táncát az Aranivaryval (!) és Crocéval bemutatott pas de trois-ban. A csoporttáncok átgondoltak és hatásosak, kivitelezésben precízek voltak. Frappart -mint mindig -előnyösen tűnt ki szellemes és friss mozgásával. A közönség jól fogadta az új produkciót. 53

Monografia (graduação) - Universidade Federal do Paraná, Setor de Litoral, Curso de Licenciatura em ArtesInclui referênciasO presente artigo tem como objetivo descrever e analisar uma experiência na educação não formal no ensino das artes visuais para crianças. A experiência da fundamentação e realização do curso intitulado "Atelier de Introdução as Artes Visuais para Crianças", realizado através do Projeto de Extensão "Conhecendo e Vivenciando as Artes Visuais", do Setor Litoral da Universidade Federal do Paraná, é a base estrutural deste relato de experiência. O curso realizado teve como publico alvo crianças entre cinco e nove anos, e teve como principal objetivo introduzir conhecimentos sobre a alfabetização visual, sobre a apreciação de obras de arte e o desenvolvimento da criatividade. A metodologia das aulas esteve fundamentada no conhecimento histórico, na apreciação e no fazer artístico e, teve como apoio os livros de artes. Este artigo reflete sobre as ...

Dance teachers are increasingly collaborating with live drummers to teach classes. Commonly, drummers are spatially and socially peripheral in the dance studios and classes as mere producers of sound and rhythms, further compounding the pedagogic binary between music and dance. The article draws on the Indigenous talanoa methodology and theory of Vā, which originate from Polynesian nations in the Pacific Ocean to interrogate how our relationship as a live drummer and teacher of African dances in higher education, has produced a decolonial collaborative pedagogy grounded in relationality, reciprocity, and co-construction. The analyses unpack how the sociospatial repositioning of the drummer can weave together the epistemological ecologies of mnemonics, singing, clapping, drumming, notation, body percussion, storytelling, and dancing to construct a critical multidimensional pedagogical experience of African dances that is rhythmic, reflective, aural, kinesthetic, conversational, participatory, experiential, and co-constructed. Our work offers insights that can further pedagogical innovations in dance education.

No Brasil, nas últimas décadas, cresce e se torna cada vez mais sensível a presença de obras performáticas em feiras de arte, galerias, salões, bienais e coleções públicas ou particulares. Em contrapartida, faz-se necessário otimizar as diretrizes de preservação em relação aos protocolos de documentação para essa linguagem. Isso porque é comum casos de performances em acervos de museus com diversas lacunas informacionais, muitas delas originadas ainda no processo de aquisição. Nesse tocante, esta tese objetiva apresentar propostas de diretrizes para complementar a documentação produzidas pelos artistas, visando facilitar uma aquisição futura. Ressalta-se a relevância de considerar as características de cada performance, o que apresenta impacto principalmente no momento de uma ativação. Para ilustrar, apresentam-se as performances “Memória do Afeto” de Beth Moysés e “Esmagamento Sensível” de Marco Paulo Rolla, as quais apresentam aspectos conceituais e imateriais distintos. Para sugestão de protocolos de documentação, levou-se em consideração a intencionalidade dos artistas em aspectos como: ativação, aquisição, materialidade, interação com o público, documentos da ação, relação com o espaço e contexto. Os procedimentos metodológicos incluíram pesquisas em fontes secundárias, tais como: revisão teórica a partir de referências nacionais e internacionais nos campos da Conservação e Restauração de Bens Móveis, História da Arte, Museologia, entre outros campos do conhecimento; além pesquisas sobre outras obras. As fontes primárias incluem consulta aos arquivos dos artistas sobre o percurso e as versões das performances.

This paper proposes a novel approach to mathematics education by integrating rock climbing into the math curriculum. Based on embodied cognition and affordances, we argue that both mathematics and rock climbing involve embodied problem-solving processes. Current mathematics education contributes to an exclusionary culture hostile to marginalized students. Rock climbing offers a unique opportunity to address these issues by providing a concrete and embodied context for mathematical problemsolving. Through the lens of enactivism and ecological psychology, we demonstrate the overlap between the cognitive processes involved in rock climbing and mathematical problem-solving. Both activities involve the continuous cycle of planning, execution, and assessment through affordancefacilitated agent-environment couplings. This overlap allows rock climbing to serve as a powerful analogy for the problem-solving processes inherent in mathematics. Affordances are crucial for understanding why rock climbing and mathematics offer rich problem-solving experiences. Climbing routes and mathematical equations become meaningful through training and enculturation, revealing possibilities for action within an action-perceptionaffordance loop. The integration of rock climbing in mathematics education can foster a more engaging learning environment, enhance problem-solving

Esta pesquisa busca analisar o modo como a percepção contribui no processo de criação do artista plástico e se transforma em produto artístico. Para a coleta de dados da pesquisa entrevistou-se 6 artistas legitimados pelo sistema das artes em Porto Alegre, Britto Velho, Carlos Wladmirsky, Eduardo Vieira da Cunha, Eliane Santos Rocha, Fernando Baril e Umbelina Barreto. Foram feitas tomadas de fotos dos trabalhos e filmagem das entrevistas. De 1033 posse deste material, estamos analisando as questões propostas, confrontando os dados colhidos com o referencial teórico que tem como base a "Fenomenologia da percepção" de Merleau-Ponty; "A sociologia de las formas" de A. Puig; "Princípios da psicologia da Gestalt" de K. Koffka; "Pensamento e linguagem" de L. Vygotsky, "O imaginário" de J. P. Sartre, "Crítica genética : uma introdução, fundamentos dos estudos genéticos sobre os manuscritos literários" de C. A. Salles. As questões que orientam nossa investigação são as seguintes: (a) Que fatores intervêm no ato perceptivo? (b) De que modo a percepção se manifesta no processo de produção dos artistas? (c) A percepção é fator constituinte no processo de singularização da linguagem do artista ? Esta pesquisa não propõe-se a dar respostas definitivas para um assunto tão vasto e complexo mas busca, através do referencial teórico e coleta de dados, argumentos para a constituição de textos interpretativos sobre a questão da percepção na produção destes artistas. (CNPq, FAPERGS, PROPESP);

Orientador: Rogério Adolfo de MouraDissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de EducaçãoResumo: Esta dissertação de mestrado é fruto de processos criativos realizados junto a professores de diversas áreas, em duas experiências: uma realizada no ano de 2011 com o corpo docente de uma escola, nas dependências da escola, na cidade de Campinas - SP. Outra na cidade de São Paulo - SP, no ano de 2012, com professores de diversas instituições escolares, nas dependências de um espaço cultural público. Ambas experiências consistiram em processos de criação na perspectiva do teatro - documentário, partindo de elementos das histórias de vida dos professores como disparadores para a ação criativa. Nesse sentido, esta pesquisa procurou identificar categorias de análise na medida em que um processo de criação é, em si, um processo de pesquisa qualitativa. A partir dessas categorias, aponta-se para um caminho de formação de professores por suas histórias de vida e autob...

This article has as objective analyzes the unfoldings of the practice of somatic education, especially the method applied GYROKINESIS® exercises in the discipline Reading and Corporal Perception -Leitura e Percepção Corporal -LPC of the Technical Course in Dance of the School of Theater and Dance of UFPA in the period of August to September of 2011. Created by Juliu Hovarth, the method bases on the natural movements of the column, flexing and extension, lateral flexing, rotation and movement of waves. The study was divided in three parts: the first consists of the abbreviation description of the activities developed by the discipline; the second presents the analysis of the speech of some students that participated in the classes; the third, the artistic experimental result of the discipline. The study concluded that the method presents great potential for the interpreter-creator's formation in dance on three aspects: prevention and cure of lesions, improves technique and the development of the expressive capacities.

This article aims at the analysis of development of somatic education practices, to be more precise the GYROKINESIS® method. It was applied within students from 15 to 20 years old in the project extension Connections: foundations of Ballet and principles of GYROKINESIS® method that was developed at the Theatre and Dance School of the Federal University of Para – Brazil. Created by Juliu Hovarth, the GYROKINESIS® method uses the natural movements of spine, flexion and extension, lateral flexion, rotation and movement of waves, coordinated with breathing. The project was realized in three parts: the first one consisted of lessons of GYROKINESIS® method and simultaneous research about human anatomy and somatic education; the second part included the application of principles of the method in some exercises of classical dance; and the third part demonstrated the artistic experimental result. The research concluded that the method represents a great potential for the training of interpre...

Este relato de experiência tem como objetivo descrever uma série de práticas artísticas e pedagógicas vivenciadas pelos autores no Estágio Pedagógico Voluntário (EPV) da disciplina de "Fundamentos das Artes Visuais" do ano de 2024. Ao utilizar a pesquisa narrativa como suporte metodológico, o texto rememora as histórias das experiências ocorridas na prática pedagógica em sala de aula e em como esta se desdobrou em práticas artísticas. O relato contribui para a difusão de vivências que tangem o ensino e a pesquisa, sendo meio de consulta para outros profissionais abordarem, em seus contextos, os conceitos e processos aqui divulgados. Conclui-se, portanto, que o estágio é potente ao proporcionar o contato do discente formado na rotina do ensino superior: tal experiência auxilia na formação continuada destes profissionais como professores e pesquisadores em arte.

This qualitative study uses identity theory to examine how the environment impacts the tightness of the identity control system, and how socialization impacts attitudes among dance students at a large university. I collected data through field observations and semi-structured interviews (N=30) of an intermediate ballet class and an intermediate hip-hop class. Findings suggest that the structure of the environment influences situational meanings and attitudes through socialization. In turn, the situational meanings and attitudes impact the tightness of the identity control system. Based on previous research on identities and stress, the tightness of the identity control system impacts the likelihood of experiencing identity non- verification and distress. This research contributes to identity theory by developing a better understanding of voluntary role identities, tightly- controlled identity systems, and the importance of the social environment and socialization in the identity pro...

Resumo: Essa pesquisa encontra-se em andamento e faz parte do Programa Institucional de Bolsa de Iniciação à Docência (PIBID) que visa proporcionar aos bolsistas uma insersão maior no contexto escolar. Estão sendo realizadas visitas semanais à E.M.E.F. José Pedro Steigleder, onde a autora uniu-se aos professores de Artes Visuais e Matemática para realização de um projeto interdiciplinar com uma turma de 7º ano. A partir das observações das aulas desses professores e das reuniões surgiu uma questão de pesquisa: Quais as possíveis articulações a serem realizadas entre as áreas de conhecimento em Dança, Artes Visuais e Matemática, especificamente com os conteúdos coreográficos, desenhos tridimencional e geometria? Para responder a essa questão tenho como objetivo invetigar as possibilidades de interdiciplinares entre as áreas de conheciemento Dança, Artes Visuais e Matemática. A metodologia utilizada é de abordagem qualitativa: pesquisa ação. Realizarse-á observações das aulas de Artes Visuais e Matemática que serão registradas em um caderno de campo. Será feito uma revisão bibliográfica sobre interdisciplinaridade o que fomentará a análise dos dados a fim de, posteriormente, planejar ações pedagógicas como intuito de articular os conteúdos das três áreas de conheciementos abordados nessa pesquisa. Resultados parciais: apesar dessa pesquisa ainda não estar concluída, observou-se que os professores, participantes dessa estão cientes da necessidade de uma construção de conhecimento interdisciplinar. Conclusão: nota-se a preocupação desses professores em criar relações entre os conteúdos da sua área de conhecimento e das demais áreas, a fim de facilitar a construção de conhecimento dos alunos da Escola José Pedro Steigleder.

This  work  highlights  the  practical-virtual  dance  experiences  throughout  the  Internship developed by the first author of this text. Given the pandemic context, teaching planning underwent a reformulation  to  be  implemented  online. The  focus  was  on  Caribbean  dances:  danzón,  son,  rumba, mambo, chachachá and casino. There were six classes recorded and submitted to a video platform for students to access asynchronously, according to their availability. An electronic form was also created for  each  class  with  questions  regarding  the  proposed  activity. The  experience  provided  by  practical-virtual  dance  teaching  showed  other  challenges  in  the  teaching/learning  relationship  not  yet experienced by the authors.

Keywords:Remote Internship.Pandemic.Caribbean Dance.

Esse trabalho evidencia as experiências de dança prático-virtuais durante o Estágio desenvolvido pelo primeiro autor desse texto. Diante do contexto pandêmico, o planejamento de ensino passou por uma reformulação para ser implementado de forma online. O foco residiu nas danças caribenhas: danzón, son, rumba, mambo, chachachá e casino. Foram seis aulas gravadas e submetidas a uma plataforma de vídeo para os alunos acessarem de forma assíncrona, de acordo com a disponibilidade de cada um. Foi elaborado um formulário eletrônico para cada aula com questões concernentes à atividade proposta. A experiência proporcionada pelo ensino de dança prático-virtual mostrou outros desafios na relação ensino/aprendizagem ainda não vivenciados pelos autores.

Palavras-chaves: Estágio Remoto. Pandemia. Dança Caribenha.

Aesthetic knowing may be valuable to educational leadership practice because it links feeling and intuition to procedural information to inform decision-making. Within the large and diverse field of aesthetics, some models apply aesthetic knowing to leadership practice. Scholarly interest in this area emerged in the late 1980's, and various conceptualizations of aesthetic leadership abound in the literature. Therefore, the purpose of this article is to review and clarify the relationship between aesthetic knowing and leadership skills. In effort to answer the question, "How do scholars relate aesthetic ways of knowing to leadership?" 23 literature sources from 1986-2010 were reviewed. As a result, four categories of aesthetic leadership qualities emerged: emotional awareness and empathy; sensory and somatic attentiveness; interest in organizational beauty; and the promotion of moral purpose.

This study explores the significant contributions of traditional Manipuri dance
(Jagoi) and Pung drumming to the socio-cultural development of Manipur, a northeastern
state of India. Manipuri dance, characterized by its lyrical grace, lasya movements, and
spiritual themes, encompasses key forms such as Raas Leela, Lai Haraoba, and ThangTa. Pung drumming, or Pung Cholom, integrates complex rhythms with vigorous dance
movements, emphasizing musicality, rhythm, and physicality. These traditional arts play
a crucial role in preserving Manipur's cultural heritage, fostering community cohesion,
and providing educational value. They also contribute to the local economy through
cultural tourism and have garnered national and international recognition, enhancing
cultural pride and encouraging the preservation of unique traditions. By examining the
multifaceted impact of these art forms, the study highlights their essential role in enriching
Manipur's social and cultural landscape

da UFRGS (CAP/UFRGS) oferece Educação de Jovens e Adultos (EJA), nível Ensino Médio, à noite. O curso é organizado em três semestres, condensando os três anos letivos previstos para essa etapa de escolarização. As turmas são denominadas como EM1, EM2 e EM3. A EJA constitui um projeto integrado, interdisciplinar, no qual a ideia da articulação dos saberes dos distintos campos do conhecimento possa ser oportunizada dentro de um mesmo componente curricular. Assim, há quatro a blocos organizados como: Ciências Exatas e da Natureza, Humanidades, Linguagens e Expressão e Movimento, além das atividades eletivas (Iniciação Científica e Oficinas) que correspondem a parte diversificada do currículo. A integração, já em curso, tem se desenvolvido dentro do componente curricular Expressão e Movimento. Acredita-se que a perspectiva de ações interdisciplinares ao invés de menosprezar a relevância dos campos especializados do conhecimento, possa por contraste ou complementação, incrementar uma leitura de mundo mais ampla. A importância das disciplinas, segundo FAZENDA ( ), está nas suas especificidades e mais do que forçar uma integração é necessário educar o olhar do professor para a totalidade de conhecimentos que a articulação pode engendrar. A intenção do trabalho aqui apresentado é que essa integração passe a ser "interblocos" e uma das possibilidades vislumbradas para isso é o uso da EAD como apoio e suporte a atividades desenvolvidas. A justificativa para a presente proposição está centrada numa primeira experiência, totalmente presencial, que foi feita durante o ano de 2012. Nessa atividade, foram integradas as disciplinas de Informática, Artes Visuais e Teatro com a intenção de realizar leituras de imagens a partir de retratos de figuras humanas. O relato dessa experiência recebeu destaque no Salão de Ensino da UFRGS de 2012. As professoras envolvidas perceberam as dificuldades de infraestrutura do CAP para as propostas desenvolvidas, ao mesmo tempo em que notaram os esforços de vários alunos para dar continuidade às atividades, buscando acesso ao computador em lan house ou em casa, quando possível. Estas tentativas de continuidade, no entanto, nem sempre puderam se concretizar devido à dificuldade de suporte a distância a esses alunos por parte do grupo de professoras envolvidas. Quanto ao aspecto específico de noções sobre a arte teatral, a diversidade sociocultural que o perfil discente indica, contudo, não inviabiliza o estudo do teatro. Ao contrário, fornece subsídios para o docente encontrar em cada um destes contextos culturais algo das especificidades para a arte da representação teatral, relacionando formas e temáticas aos estudos previstos para o componente curricular. Na leitura de autores que apontam aspectos sociológicos do teatro, como Marco De Marines (1997), é possível encontrar as afirmativas que descrevem as cerimônias dramáticas (missas, velórios, casamentos) como formas difusas de teatralidade, com significado relevante, atávico, tanto para as sociedades primitivas como para as sociedades civilizadas ou históricas. É nesse sentido, que o ensino do teatro no CAP/UFRGS é sistematizado, como um componente curricular que, além da conceituação da arte teatral, não descuida das características sociais, afetivas e cognitivas dos sujeitos da aprendizagem.

to STEM-based disciplines, wherein job security and economic gain are perceived to be readily available . By emphasizing practicality, these mainstream discourses suggest that the purpose of higher education is to produce "good workers" who will comply with the demands of North American capitalist economies; at the same time, other perspectives have recognized and aimed to censor the critical potential of the arts and humanities. For example, in January 2023, Florida governor Ron DeSantis proposed a state-level plan to transform New College of Florida, a small liberal arts school, from a "progressive" educational environment to "a beacon of conservatism" (Mazzei 2023). These actions are part of an ongoing effort from several Republican state politicians who aim to limit liberal arts education and its emphasis on disrupting white supremacist, patriarchal, settler colonial, and cisnormative US societies, ultimately restricting what can and cannot be taught in the undergraduate classroom (Gabriel and Nehamas 2023; Kang 2023). 5 Dance education holds significance within these debates: at one level, it might be considered superfluous in relation to "useful" STEM fields; at another, it can provide an opportunity to interrogate racist, colonial, patriarchal, and anthropocentric imaginings of the body and its surroundings, which some politically conservative perspectives intend to stifle . This article intervenes into these mainstream dialogues, examining strategies for resisting expectations of "utility" in dance education through community-engaged pedagogies, specifically between collaborators who self-identify as Indigenous and as non-Indigenous. 6 Reflecting on the Dance and Decolonization course, we identify three "learning goals" that are alternative to those of practicality and career readiness: through not-dancing, and subsequently listening to the collective, and working-for our community partners, we offer a pedagogical approach that can challenge the settlercapitalist underpinnings of mainstream higher education and work toward reciprocal relationships. Standard dance pedagogies are not inherently settler-capitalist; their prioritizing of the body and its movement can be understood to disrupt the Eurocentric, colonial valuing of the written word in knowledge production ). Yet some approaches to the dance classroom can also obscure or even directly contribute to appropriation and expropriation, actions associated with settler-capitalist structures (Speed 2019, 19). Courses that expect students to demonstrate "mastery" of different dance styles can, at times, replicate cultural appropriation, especially when detached from discussions of community histories, broader cultural practices, and attention to students' positionalities (C. Davis 2018; Johnson 2020). While these pedagogies can "prepare" students for dance careers as versatile performers (Foster 2019), they might also train them to embody historically, politically, and culturally specific movement forms without attention to their communities of origin. We therefore argue for the potential and even necessity of not-dancing in undergraduate dance classes to offer students alternative ways to connect with, absorb, and critique their dominant dance education. In the context of the Dance and Decolonization class, not-dancing was imperative: the course, which explored Indigenous dances with a majority of non-Indigenous students, implicated long histories of Indigenous knowledge appropriation by settler scholars, choreographers, and dancers. Dance studies scholars have shown how many revered white choreographers have appropriated Native American dances in both popular and concert dance forms . While many of these dance professionals were capitalizing on Indigenous knowledge for their own success, the US government formally barred Indigenous people from performing their own dances from 1883 to 1934 and did not formally protect dance and other ceremonial practices until 1978. 7 US colonizers have targeted Native American dance for many reasons, including that these movement practices have many decolonial possibilities-such as

Improvisation means something created spontaneously or without planning. Improvisation techniques are widely used in training for performing arts or entertainment; for example, theatre, music and dance. Even the simple act of speaking itself involves a good deal of improvisation. This word is often used in connection with theatre acting and training techniques. Here the present scholar is trying to analyse this technique through the medium of theatre, music and dance and connect it with the training system of Mohiniyattam.