Architectural Drawing

Sin duda el significado de las obras de arte ha sido siempre un desafío para los historiadores del arte. Vislumbrar la mentalidad de los hombres que produjeron las obras del pasado, poder aproximarnos a su verdadero y original significado, requiere de un profundo conocimiento tanto del contexto histórico, económico y social como de las creencias, ideas, etcétera de la sociedad que las produjo. En este sentido, el presente trabajo tiene como objetivo ofrecer un resumen de las interpretaciones iconológicas disponibles en la bibliografía, acerca de la iconografía que tematizan tres piezas de la colección de calcos de la Facultad de Artes (FDA) de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP) en función de ajustar las atribuciones existentes.Undoubtedly, the meaning of the works of art has always been a challenge for art historians. Glimpsing the mentality of the men who produced the works of the past, being able to approach their true and original meaning, requires erudition, as well as a...

Nel cuore pulsante del Rinascimento, racchiuso tra le pagine dense e visionarie del Codice M da Vinci ha lasciato un'annotazione che oggi potrebbe rivoluzionare la storia della tecnologia dei materiali e offrire nuove prospettive sulla sostenibilità ambientale. Nel cuore vibrante del Rinascimento, racchiuso tra le pagine dense e visionarie del lasciato un'annotazione che oggi potrebbe rivoluzionare la storia della tecnologia dei materiali e offrire nuove prospettive sostenibilità ambientale. Nel foglio 87r scrisse: "Si conservano meglio se vengono scortecciati e bruciati in superficie piuttosto che in qualsiasi altro modo." Una frase breve, quasi nascosta, dal potenziale esplosivo. Qui, Leonardo descrive la carbonizzaz una tecnica che precede di oltre due secoli il metodo giapponese noto come partire dal XVIII secolo. Una pratica che ha recentemente riacquistato popolarità grazie all'architettura Leonardo aveva già intuito e teorizzato. Il Codice Madrid II, conservato presso la Biblioteca Nazionale di Spagna, è uno dei manoscritti più tecnici e meno conosciuti di Leonardo. Contiene studi di meccanica, ingegneria, architettura e materiali. In questo contesto, la nota sulla carbonizzazione superficiale non è un'osservazione casuale, ma il risultato di u processo di pensiero sistemico che fonde conoscenze antiche, osservazione empirica e una visione futuristica della m Questa intuizione è stata portata alla luce da tre studiosi italiani di fama internazionale: Annalisa Di Maria , esperta d'arte rinascimentale e una delle massime autorità mondiali su Leonardo da Vinci, membro del gruppo di esperti di arte e letteratura del Club di Firenze dell'UNESCO.

Il volume (Vita Nostra Edizioni, 2025) continua l'esplorazione di A.S. sull'opera di Caravaggio, privilegiando il legame con i nuovi strumenti dell'ottica che implicano una nuova estetica e una nuova visione del mondo. Centrale in questa lettura l'"affresco" al Casino Ludovisi, contenente riferimenti alchemici cari alla cerchia del Cardinale Del Monte

promovido con fuerza desde entonces este ámbito de estudio. Así lo demuestran las Actas del XV Simposio Internacional de Mudejarismo, celebrado en el año 2021 en homenaje al profesor Borrás. Hoy en día la base de datos actualizada que ofrece en red el Sistema de Información del Patrimonio Cultural Aragonés (SIPCA) registra un amplio conjunto de edificios y restos repartidos entre 107 municipios. De las tres provincias que forman la comunidad autónoma de Aragón, la mayor concentración de patrimonio mudéjar está en Zaragoza con 78 municipios, seguida de Teruel con 22 y Huesca con 7. Las localidades de la provincia de Zaragoza con mayor presencia de arte mudéjar son Calatayud, Daroca, Tarazona y, sobre todo, la capital zaragozana. Alguno de esos edificios ha sido declarado Monumento Patrimonio de la Humanidad (MPH). Además, existe una asociación de 49 ayuntamientos de la provincia de Zaragoza que se denomina Territorio Mudéjar, constituida el 13 de septiembre de 2018, cuyo objetivo es afianzar una red de gestión unificada y colaborativa para la utilización de los recursos histórico-artísticos vinculados al patrimonio cultural mudéjar, concebido como motor de desarrollo de los pueblos y como elemento de identidad para el mantenimiento de las comunidades que forman dicho territorio (). En el listado de 78 municipios de la provincia de Zaragoza que hay a continuación se han subrayado sus topónimos si los vestigios que poseen están catalogados como originarios de los siglos XII-XV. Se pretende así destacar la actividad del artesanado mudéjar de época medieval en la factura de los mismos, bien porque está documentada o bien para tener un indicio de análisis para futuros estudios. Al diferenciar al artesanado mudéjar medieval en la autoría de las construcciones respecto del morisco de los siglos XVI-XVII, la cifra de municipios susceptibles de atención se reduce a 49 en la provincia de Zaragoza, puesto que 28 de los 77 tienen edificios construidos a partir del siglo XVI:

Bu çalışma, tarihî yapıların yeniden inşa süreçlerinde geleneksel koruma ve restorasyon yaklaşımlarının ötesine geçerek, bedenleşme kuramı, yapay zekâ destekli üretim araçları ve spekülatif tasarım yöntemlerini bütüncül bir çerçevede bir araya getirmeyi amaçlamaktadır. Tarihî mekânlar, yalnızca fiziksel varlıklar olarak değil; aynı zamanda kolektif hafızanın, toplumsal kimliğin ve duyusal deneyimlerin taşıyıcısı olarak, çağdaş mimari temsil biçimlerinin ele aldığı çok katmanlı anlatı alanlarıdır. Ancak çoğu zaman bu mekânlara yönelik müdahaleler, fiziksel bütünlüğü korumaya indirgenmekte; mekânın algısal, sezgisel ve deneyimsel boyutları göz ardı edilmektedir. Bu bağlamda çalışma, mimarlıkta tarihsel bağlamların yalnızca korunacak miras nesneleri olarak değil; eleştirel düşünce ve tasarım spekülasyonlarına açık, yeniden üretilebilir anlatı alanları olarak değerlendirilmesi gerektiğini savunmaktadır. Araştırmanın kuramsal altyapısı, bedenin mekânla kurduğu ilişkiyi açıklayan fenomenolojik yaklaşımlar (Merleau-Ponty), mekânsal hafıza, nörobilimsel algı ve deneyimsel anlatı biçimlerini kapsayan disiplinlerarası bir yapı üzerine inşa edilmiştir. Özellikle bedenleşme kuramı üzerinden, mimari deneyimin yalnızca görsel algıya değil; işitsel, dokunsal ve yönelime bağlı çoklu duyusal süreçlerle şekillendiği bir çerçeve ortaya konmuştur. Bu çerçeve, yapay zekâ destekli üretim araçlarının sunduğu yaratıcı potansiyel ile birleştiğinde, tarihî yapıların temsil biçimlerinin yeniden düşünülmesini olanaklı kılmaktadır. Çalışmada, Antalya Kaleiçi'nde yer alan Hadrian Kapısı ve çevresi örnek alan olarak seçilmiştir. Yapı, Roma döneminden günümüze kadar gelen çok katmanlı fiziksel dokusu, arkeolojik sürekliliği ve günümüzdeki yoğun yaya kullanımı ile hem geçmişin izlerini hem de çağdaş deneyimi taşıyan bir eşik mekân olarak değerlendirilmiştir. Seçilen alanda geliştirilen yapay zekâ destekli spekülatif kesitler, senaryolaştırılmış sahneler ve mekânsal anlatılar aracılığıyla, fiziksel temsile alternatif eleştirel ve deneyimsel modeller üretilmiştir. Yöntemsel olarak çalışma, alanın tarihsel verilerinin harita temelli analizlerle derlenmesiyle başlamış; ardından üretken yapay zekâ modelleri kullanılarak kesitler, sahneler ve mekânsal akış diyagramları tasarlanmıştır. Bu temsiller, yalnızca estetik görselleştirmeler değil; aynı zamanda bedenin mekânla kurduğu ilişkileri, hafızayı ve zaman-mekân sürekliliğini temsil eden anlatı araçları olarak değerlendirilmiştir. Yapay zekânın yalnızca üretim aracı değil, düşünsel bir ortak olarak konumlandığı bu yaklaşım, mimari temsilde eleştirel düşüncenin görsel ifadesine zemin hazırlamaktadır. Sonuç olarak, bu çalışma; spekülatif mimari temsilin, bedenleşmiş deneyimin ve yapay zekâ destekli üretimlerin bir araya getirildiği çok katmanlı bir model önererek, tarihî mekânların yeniden inşasına dair mimarlık kuramı ve dijital tasarım pratiği arasında özgün bir köprü kurmaktadır.

Il disegno è il mezzo per me più capace di rappresentare le oscillazioni, le correzioni, gli errori del pensiero in tempo reale. Lo schizzo è l'erompere improvviso di un pensiero interno che si fa esterno, l'apparire agli occhi, prima di tutto quelli dell'autore, di una configurazione che appare mobile e mutevole ma che in realtà è il DNA dell'edificio che si sta progettando. Il disegno è quindi per me il luogo elettivo del mio lavoro di architetto. È un laboratorio ideativo dove sperimento forme libere che potranno diventare forme architettoniche. Il disegno è poi intrinsecamente critico, perché nel momento in cui si traccia uno schizzo lo si confronta immediatamente con famiglie di schizzi, da esso potenzialmente derivate, che potrebbero confrontarsi con quello che si sta facendo. C'è poi un altro aspetto di importanza decisiva. Quasi tutte le cose che formano il nostro mondo, che vediamo tutti i giorni, possono essere comprese nella loro costituzione solo se le rileviamo, così come non si comprenderà mai la foglia di un albero se non la si disegna. Il disegno è, in sostanza, lo sguardo dell'architetto sul mondo. Gli architetti comprendono la realtà non con la vista ma misurando e poi disegnando le cose, successivamente comunicano quanto hanno capito o progettano sempre con il disegno, che infine è la memoria del percorso che si è compiuto per pervenire a un certo risultato progettuale. Vedere, pensare, comunicare, memorizzare. Sono queste quattro le funzioni del disegno. There is one more aspect of extreme importance. Almost all things that make up our world, which we see every day, can only be fully comprehended if we draw them, just as the leaf of a tree will never be fully understood if it is not drawn. In essence, drawing is the architect's outlook on the world. Architects understand reality not through sight but through measurement and subsequent representation -they then communicate what they have understood or designed through that drawing, which constitutes the path taken to achieve a certain design result. See, think, communicate, memorize. These are the four functions of drawing. Franco Purini, architetto ed esponente a livello mondiale dell'architettura disegnata, ha ricevuto la nomina di Professore Emerito dal Ministero dell'Istruzione, dell'Università e della Ricerca nel 2015, per aver contribuito in modo significativo all'innovazione nel campo della didattica e della ricerca e per il particolare prestigio portato alla Sapienza Università degli Studi di Roma. Ha inoltre ottenuto la Medaglia d'Oro del MIBACT su iniziativa della Presidenza della Repubblica come Benemerito della Cultura e dell'Arte.

24 Disegnare per ispirare: una rinnovata simbiosi tra naturale e artificiale Luigi Cuppone 26 Trentuno, trentadue. Ritmi sovrapposti nella biblioteca di San Martino delle Scale Edoardo Dotto 28 Il tempo lento del racconto cucito Francesca Fatta, Lorella Pizzonia 30 Immaginare una nuova terra per abitare sull'acqua.

The study focused on the historically and architecturally significant Mor Loozor Monastery in the Tur Abdin Region of Turkey. It aimed to emphasize the current deteriorated and dilapidated state of the monastery. The study was conducted in four stages. The monastery's location was identified, and a conceptual basis was established. In the second stage, fieldwork was organized in 2024. In the third stage, a three-dimensional (3D) model of the recently demolished portico section of the monastery was generated. Finally, the current state of the monastery was evaluated, and methods were discussed regarding the benefits of the 3D model. These stages facilitated the comparison of the original and current state of the monastery, leading to the conclusion that the building requires urgent conservation decisions. The study provides a valuable resource for understanding the cultural and religious significance of the Monastery of Mor Loozor and its region.

Tra i disegni conservati nel fondo dell’Ospedale di San Giacomo degli Incurabili, presso l’Archivio di Stato
di Roma, si trova una pianta risalente al XVI secolo e attribuibile a Francesco Paciotto, che restituisce un
progetto inattuato per la sistemazione della porzione posteriore del Palazzo Torres-Lancellotti di piazza
Navona. Dall’altra parte dell’Atlantico, fra i disegni dello Scholz Scrapbook del Metropolitan Museum di New
York, è conservato un altro disegno, sempre riferibile alla residenza romana della famiglia Torres, che ne
rappresenta in pianta il piano nobile e parte del pianterreno, entrambi in una conformazione che non
corrisponde esattamente allo stato attuale dell’edificio. I due disegni, principale oggetto del presente
contributo, forniscono l’occasione per analizzare un edificio, che, nonostante il suo assoluto rilievo nella
scenografia urbana di piazza Navona, resta ancora oggi incompreso e non correttamente inserito nella storia
dell’architettura romana del XVI secolo. Di fatto, i due disegni, le prime e uniche testimonianze grafiche finora
note relative ai primi momenti della progettazione del palazzo, si dimostrano utili per definire con maggiore
chiarezza le fasi di attività del cantiere, per ragionare sulle maestranze in esso coinvolte e per meglio
comprendere le ambizioni dell’opera di committenza dei Torres.

Esta tesis doctoral, englobada en el ámbito disciplinar de la Historia de la Construcción, pretende contribuir a la puesta en valor de los yesos tradicionales aportando datos técnicos inéditos sobre algunos procedimientos tardomedievales de construcción de bóvedas de crucería, arquerías, gale- rías y escaleras constituidas por sillares y dovelas prefabricados de yeso con función portante en la arquitectura levantina hispana de los siglos XV y XVI.
El objetivo central de la investigación consiste en probar que estas estructuras fueron desarrolla- das por los obradores cristianos y que, para su puesta en obra, se respetaron esencialmente las reglas de la cantería. Las técnicas de albañilería quedaron relegadas a funciones muy concretas, sin alterar sustancialmente las estrategias de proyecto y de ejecución de tradición canteril. Así, ta- les propuestas se diferencian técnicamente de otras soluciones, previas o simultáneas, habituales en los territorios castellanos y aragoneses. Aunque en uno y otro caso se emplearon idénticos materiales (yeso y ladrillos), algunas variantes de las segundas mantienen evidentes vínculos con la tradición tecnológica andalusí, que van más allá de los hábitos de manipulación del material.
El estudio se divide en dos partes donde se afronta por primera vez, con una visión sintética, el análisis de estas técnicas. En la primera se detallan las soluciones anteriores a la Edad Moderna que pudieran representar algún posible antecedente. Este breve recorrido no se ciñe solo al uso de prefabricados de yeso. Se abarcan también otras propuestas que, en el desarrollo de la investigación, se han evidenciado complementarias al objeto de estudio. Es el caso de los abovedamientos de ladrillo (con especial atención a la formación de las cáscaras y la materialidad y fun- ción de sus nervios) o de los procedimientos a base de yeso vertido y tallado combinados con es- tructuras latericias o de madera para la ejecución de escaleras, púlpitos, vanos, galerías y otros objetos de mobiliario.
La segunda parte se dedica al análisis técnico de estas soluciones con una particular atención a la variante más numerosa y diversa: las bóvedas de crucería constituidas por sillares prefabricados de yeso tallado o modelado. Tras la oportuna noticia histórica y descriptiva de cada una de las soluciones se acomete su estudio formal y constructivo contrastando los datos recogidos en los trabajos de campo con las estrategias tradicionales de proyecto y ejecución de las crucerías medie- vales y modernas de cantería. El estudio, además de confirmar muchas de las hipótesis de partida, ha servido para enriquecer el actual estado del arte en lo que respecta a las estrategias de proyecto, ampliando o matizando algunas informaciones (trazado de los terceletes, estandarización, etc.) procedentes de los manuscritos y tratados del periodo.

The essay theorizes on architectural conception in the initial stage of formulating ideas and their graphic representation. Digital media are introduced as an element in this process. On the basis of the constructivist theory in teaching-learning and on the experiments carried out in the architectural design studio, the essay considers the design project to be the object around which architectural knowledge is constructed. It postulates hypotheses on the intervention of the digital environment in architectural, thinking and acting and proposes an essential position of critical consciousness in the use of digital tools, in which the computer environment takes on the role of active knowledge builder in the architectural design process.

Abstract:
Durante il restauro dei portoni principali della sede di Bari della Banca d’Italia, è stata effettuata un’analisi per individuare il materiale protettivo più adatto da applicare nello strato di finitura delle porte in legno. I significativi problemi di conservazione erano legati alla posizione dell’edificio, progettato nei primi anni del Novecento dall’ingegnere Biagio Accolti Gil, situato a breve distanza dal lungomare di Bari.

Il presente rapporto, dopo una breve panoramica sull’attività del progettista, ancora poco studiata, in particolare riguardo alle sue influenze nella realizzazione degli edifici della Banca nel Regno d’Italia appena unificato e nelle colonie di Tripolitania e Peloponneso, intende analizzare i benefici derivanti dall’applicazione di un film di nanosilicati sulla superficie esterna dei portoni. Questa soluzione si rivela altamente efficace in contesti di conservazione problematici, aggravati dalla combinazione di diversi fattori di degrado, come aerosol salino, forte esposizione alla radiazione solare e inquinamento atmosferico in un ambiente urbano densamente trafficato.

Parole chiave: Sede della Banca d’Italia di Bari, Portoni, Ing. Biagio Accolti Gil, 4ward360 - Nanotecnologia, Conservazione del legno, Rivestimenti, Protezione del legno in ambiente marittimo.Abstract:
During the restoration of the main doors of the Bari headquarters of the Bank of Italy, an analysis was carried out to identify the most suitable protective material to apply to the finishing layer of the wooden doors. Significant conservation problems were related to the location of the building, designed in the early 20th century by engineer Biagio Accolti Gil, located a short distance from Bari's seafront.

This report, after a brief overview of the designer's activity, which is still little studied, in particular with regard to his influences in the realisation of the Bank's buildings in the newly unified Kingdom of Italy and in the colonies of Tripolitania and Peloponnese, aims to analyse the benefits of applying a nanosilicate film to the external surface of the doors. This solution proves to be highly effective in problematic conservation contexts, aggravated by the combination of several degradation factors, such as saline aerosol, strong exposure to solar radiation and air pollution in a densely trafficked urban environment.

Keywords: Bank of Italy Headquarters in Bari, Doors, Ing. Biagio Accolti Gil, 4ward360 - Nanotechnology, Wood conservation, Coatings, Wood protection in a maritime environment.

We propose drawing as design project process, regarded both as project’s instrumental utility (technology) and condition for disciplinary reflection (art), considering drawing as language whose operability enables innovation in design. At the production level (drawing), two cornerstone conditions are implied: 1. the instrumental ability (technology) and 2. its critical (semantical) evaluation. As subject for analysis we present project drawings from widely recognized contemporary Portuguese designers. We interpret design object as the project’s overall communication exchange, questioning how drawing, as mediator for projectual practice in design, limits the object’s creation and hence its existence as design language? Our answer considers drawing: 1. mediator for representation (through technical expression), 2. classifying function (through program) and 3. interpretative mark of imagination (through authorship).

Una de las alhajas más significativas del tesoro catedralicio de la Seo cesaraugustana es, sin duda, esta naveta o navecilla de mesa que guarnece una concha de molusco (identificada como Turbo marmoratus por expertos malacólogos) . Este precioso contenedor, que provenía del Indopacífico y del Pacífico Occidental, es sustentado por un dragón con las alas ligeramente desplegadas, que hoy apoya en un pie tetralobulado en el que se esculpieron, “labradas de aguas”, unas delicadas ondas marinas. En su parte alta, la alhaja simula ser un barco con sus castillos, cofa, timón, vela y jarcias. Toda ella está labrada en plata, en algunas partes sobredorada. Las escamas en las alas de la “sierpe” se emularon con alveolos en esmalte azul opaco y verde, decorados con pequeñas pintas amarillentas superpuestas. En los ojos del dragón se engastaron dos pequeños rubíes tallados en cabujón. En su día tuvo, además, unas perlas atravesando las jarcias.La nave aparece descrita en los inventarios de la sacristía de la catedral cesaraugustana desde su primer volumen conservado (1521).

This study explores the intersections of craftsmanship, architecture and bureaucracy in eighteenth-century Saxony, focusing particularly on the Saxon Oberbauamt, the state’s supreme building authority. It contextualises the career of Richard Castle (c.1691–1751), Ireland’s most prolific Palladian architect, whose early training has long been uncertain. Recent research reveals Castle’s family connections to Dresden and suggests that the Oberbauamt may have shaped his architectural formation. The paper examines the Oberbauamt’s hybrid character: simultaneously bureaucratic, modelled on the French Royal Building Administration, and rooted in craft-based training comparable to England’s Office of Works. It traces how leading artisans such as Matthäus Daniel Pöppelmann and Johann Christoph Knöffel rose from craft backgrounds to positions of architectural authority, embodying the figure of the “artisan-architect.” Through its analysis, the chapter highlights Saxony’s distinctive contribution to architectural education, professionalisation and state-driven building culture in the Holy Roman Empire. It argues that the Oberbauamt functioned not only as an administrative body but also as a key site of training and innovation, offering vital context for understanding Castle’s career and the broader European networks of eighteenth-century architecture.

La biblioteca intesa come edificio risponde a criteri di ordine estetico e funzionale: i primi sono espressione del gusto del momento, i secondi rispondono a esigenze di conservazione e fruizione del materiale bibliografico coerentemente con l'evoluzione delle tecniche costruttive, con le abitudini di studio del pubblico e con la sua stessa struttura sociale. Le informazioni in nostro possesso sull'aspetto delle biblioteche nell'antichità si ricavano dalla ricerca archeologica e dalle fonti iconografiche e letterarie. Le prime biblioteche del mondo antico furono in Mesopotamia e in Egitto. Esse erano ubicate presso il palazzo reale o i templi, caratteristica che contraddistingue anche la prima e più famosa fra le grandi biblioteche pubbliche ellenistiche, quella del Museion di Alessandria in Egitto, fondata intorno al 300 a.C. dal faraone Tolomeo I (305 -282 a.C.). Sebbene non sussistano testimonianze archeologiche certe, sappiamo che essa era in realtà costituita da due biblioteche: la prima e maggiore (con circa 490.000 rotoli) presso il palazzo, la seconda, di molto inferiore (con circa 43.000 rotoli), presso un santuario vicino. Di circa un secolo successiva è la biblioteca di Pergamo, che con essa rivaleggiava per importanza (possedeva circa 200.000 rotoli) e la cui struttura, alla quale appartengono i resti archeologici più antichi a noi noti che si suppongono relativi a una biblioteca, si immagina simile: annessa a un tempio dedicato ad Atena, la biblioteca era all'interno di un lungo edificio con esterno colonnato e consisteva in quattro stanze (tre di ridotte dimensioni e una più ampia) allineate e comunicanti fra loro, dotate alle pareti di scaffali di legno per accogliere i rotoli. Nella stanza più grande, usata probabilmente per discussioni e incontri di un pubblico assai scelto, doveva essere collocata una colossale statua di Atena e busti di Omero, Erodoto e altri noti letterati. A Roma, diversamente da quanto era accaduto nel mondo greco, le biblioteche furono a lungo soltanto private, si costituirono inizialmente come parte del bottino di guerra a seguito delle campagne militari ed erano parte dell'abitazione dei loro ricchi possessori. Solo dopo oltre un secolo dalla formazione delle prime grandi biblioteche private si iniziò a edificare anche biblioteche pubbliche, che in età imperiale dovettero

If good drawings tell a story, then a section whispers its secrets. Every architectural design instructor knows the danger of students getting "stuck in plan." They will try, over and over, to put everything in its proper place before doing anything else. Multiple times one must remind them to "get out of plan" and "think in section." If this is good advice for architecture students, the question at hand is if it is good advice for the discipline, if not the culture at large. Getting out of plan and into section is not just about thinking in three dimensions. If plans-architectural and otherwise-offer a complete picture and attempt to "fix the future as the present," sections document and accommodate change and difference via a series of fragmented views. They also document and accommodate non-human actors. 2 By accounting for gravity, by cutting into matter, by slicing into the ground and piercing the sky, sections have long done this. However, section drawings rarely depict the earth and the air as anything other than abstract, empty areas. This representational indifference to architecture's atmospheric, biologic, hydronic, and geologic contexts limit our ability to see the ground and sky as habitats for non-humans, and to recognize our dependence on them for our shared health. We need to develop and teach new kinds of sections that represent the full gamut of architectural agents. We need this to create an architecture that addresses climate change not as something fixed or something to be fixed once and for all, but as a dynamic system of relationships that need a subtle, flexible, and diverse set of solutions; all qualities that can be found in sections. Foregrounding these phenomena does not mean neglecting architecture's social relationships. It does mean expanding what is included in those

Ho scelto il Collage, come forma d'arte prediletta. Che di per sé, in verità, è una non-forma, per come lo intendo io. L'unico valore aggiunto o margine di scarto, che il collage porta con sé, è il fatto di tenere insieme, nello stesso spazio, cose tra loro lontane e talvolta nemiche o addirittura in contrasto tra loro. Il collage, per sua stessa natura, è la Crasi per antonomasia, sia nell'accezione linguistica di azione sincreta per contrazione, che il significato afferente alla Teoria degli Umori riguardo al co-niugare tra loro e tenere assieme le parti per giungere a un unico tutto. Più parti costituiscono la realtà e molti lati e angoli detiene il mondo nella sua con-fusione informe e caotica; singole parti anche tra loro antagoniste e in contrapposizione, che nel collage trovano accordo attraverso il confronto per accostamento e per contrasto, in una dinamica dialettica e dialogica. Il collage per sua indole e ultima ratio, dunque è l'Arte della Sincrasia. Prima fase. Alfa. Semi di Zizzania. Separa gli Amici ovvero l'Arte dello Strappo e dello Screzio. Quei pezzi uniti intimamente ma in modo troppo uniforme e piatto da perdere il loro significato proprio nel tutto indistinto e liscio di un foglio; lembi di realtà che compongono le pagine del Libro delle Cose, o Specchio del Mondo, che vengono strappati dalla prigione e dalle catene dell'uniforme. Seconda fase. Beta. Acque torbide e nere del Maelstrom. Getta nel mucchio informe ovvero l'arte del Chàos primordiale. Ogni ri-taglio che l'Artista riterrà o non riterrà, di far finire nel Grande Calderone o Urna, verrà gettato all'interno di un Vaso, insieme e confuso con tutti gli altri, senza distinzione di merito né valore o qualità. Un grande mucchio di strappi e stracci, di scarti infine, stipati gli uni addosso agli altri, senza criterio. Terza fase. Gamma. Ex-ducere, portare fuori. La Scelta ovvero l'arte della Cernita. L'Artista, affidandosi alla sua memoria, perché l'artista deve conoscere anzitutto l'Arte della Memoria, quando lo riterrà opportuno e quando avrà un disegno più o meno chiaro dell'Opera da ricomporre, andrà a pescare proprio quei due o tre, magari quattro, massimo cinque ritagli che già nella sua testa, vedendoseli passare di volta in volta davanti agli occhi al momento del taglio iniziale, hanno cominciato a chiamarsi gli uni con gli altri per affinità elettive. L'Artista allora li porterà fuori dal Vaso dell'Informe, avendo riconosciuto in quei cinque elementi di scarto, la possibilità di una nuova vita e di un nuovo significato, emergente dal fatto stesso di metterli sullo stesso Piatto della Bilancia e di provare ricomporli assieme, ciascuno accanto gli altri quattro, reciprocamente e viceversa. Per quanto quegli elementi fossero stati inizialmente scelti per ragioni altre e messi insieme in un unico foglio o testo, uniforme, compito dell'Artista è quello di riportare lo scarto alla sua natura prima e singola, per capire se ciò che gli era stato attribuito corrispondesse al vero. Compito dell'Artista è di riportare le cose all'Origine neutra, per capire se la natura stessa o indole o carattere primigenio, di quello specifico elemento, possa non essere stata correttamente individuata all'inizio dall'autore del testo. Compito dell'Artista, assai arduo e rischioso e coraggioso, è di disgregare la Pagina intera per farne dei frammenti di scarto per vedere se alla Morte dell'Intero può corrispondere la Vita Nova, la Ri-Nascita dalle Ceneri di Fenice, del Frammento nella sua propria intima anima. Disintegrare l'Unità Forzata del Corpo Intero, per Soppesare l'Anima nella sua Unità Spontanea e primaria. La scoperta dell'Innato ovvero della Natura della Cosa. Quarta fase. Delta. La Disposizione, ovvero l'Arte di mettere accanto e in comunic-azione i frammenti gli uni con gli altri, secondo una rinnovata e più congeniale ratio di natura e affinità, nel rispetto dell'integrità e della qualità di ciascuno nella propria singolarità. La Disposizione è un punto cruciale del processo di realizzazione del Collage.

Ho scelto il Collage, come forma d'arte prediletta. Che di per sé, in verità, è una non-forma, per come lo intendo io. L'unico valore aggiunto o margine di scarto, che il collage porta con sé, è il fatto di tenere insieme, nello stesso spazio, cose tra loro lontane e talvolta nemiche o addirittura in contrasto tra loro. Il collage, per sua stessa natura, è la Crasi per antonomasia, sia nell'accezione linguistica di azione sincreta per contrazione, che il significato afferente alla Teoria degli Umori riguardo al co-niugare tra loro e tenere assieme le parti per giungere a un unico tutto. Più parti costituiscono la realtà e molti lati e angoli detiene il mondo nella sua con-fusione informe e caotica; singole parti anche tra loro antagoniste e in contrapposizione, che nel collage trovano accordo attraverso il confronto per accostamento e per contrasto, in una dinamica dialettica e dialogica. Il collage per sua indole e ultima ratio, dunque è l'Arte della Sincrasia. Prima fase. Alfa. Semi di Zizzania. Separa gli Amici ovvero l'Arte dello Strappo e dello Screzio. Quei pezzi uniti intimamente ma in modo troppo uniforme e piatto da perdere il loro significato proprio nel tutto indistinto e liscio di un foglio; lembi di realtà che compongono le pagine del Libro delle Cose, o Specchio del Mondo, che vengono strappati dalla prigione e dalle catene dell'uniforme. Seconda fase. Beta. Acque torbide e nere del Maelstrom. Getta nel mucchio informe ovvero l'arte del Chàos primordiale. Ogni ri-taglio che l'Artista riterrà o non riterrà, di far finire nel Grande Calderone o Urna, verrà gettato all'interno di un Vaso, insieme e confuso con tutti gli altri, senza distinzione di merito né valore o qualità. Un grande mucchio di strappi e stracci, di scarti infine, stipati gli uni addosso agli altri, senza criterio. Terza fase. Gamma. Ex-ducere, portare fuori. La Scelta ovvero l'arte della Cernita. L'Artista, affidandosi alla sua memoria, perché l'artista deve conoscere anzitutto l'Arte della Memoria, quando lo riterrà opportuno e quando avrà un disegno più o meno chiaro dell'Opera da ricomporre, andrà a pescare proprio quei due o tre, magari quattro, massimo cinque ritagli che già nella sua testa, vedendoseli passare di volta in volta davanti agli occhi al momento del taglio iniziale, hanno cominciato a chiamarsi gli uni con gli altri per affinità elettive. L'Artista allora li porterà fuori dal Vaso dell'Informe, avendo riconosciuto in quei cinque elementi di scarto, la possibilità di una nuova vita e di un nuovo significato, emergente dal fatto stesso di metterli sullo stesso Piatto della Bilancia e di provare ricomporli assieme, ciascuno accanto gli altri quattro, reciprocamente e viceversa. Per quanto quegli elementi fossero stati inizialmente scelti per ragioni altre e messi insieme in un unico foglio o testo, uniforme, compito dell'Artista è quello di riportare lo scarto alla sua natura prima e singola, per capire se ciò che gli era stato attribuito corrispondesse al vero. Compito dell'Artista è di riportare le cose all'Origine neutra, per capire se la natura stessa o indole o carattere primigenio, di quello specifico elemento, possa non essere stata correttamente individuata all'inizio dall'autore del testo. Compito dell'Artista, assai arduo e rischioso e coraggioso, è di disgregare la Pagina intera per farne dei frammenti di scarto per vedere se alla Morte dell'Intero può corrispondere la Vita Nova, la Ri-Nascita dalle Ceneri di Fenice, del Frammento nella sua propria intima anima. Disintegrare l'Unità Forzata del Corpo Intero, per Soppesare l'Anima nella sua Unità Spontanea e primaria. La scoperta dell'Innato ovvero della Natura della Cosa. Quarta fase. Delta. La Disposizione, ovvero l'Arte di mettere accanto e in comunic-azione i frammenti gli uni con gli altri, secondo una rinnovata e più congeniale ratio di natura e affinità, nel rispetto dell'integrità e della qualità di ciascuno nella propria singolarità. La Disposizione è un punto cruciale del processo di realizzazione del Collage.

An approach to Descriptive Geometry from digital graphic tools is presented, in which the form of graphic interaction that arises from these tools is analysed, and the importance of their associated automatisms and procedures is discussed. We review the classic idea of graphical thinking to introduce the concept of "augmented graphical thinking": this is linked to the new paradigm of simulation, which is understood as an evolution of the previous paradigm based on representation. Understanding this paradigm shift allows us to approach Descriptive Geometry with digital graphic tools from an in-depth gnoseological foundation, but not without observing certain contradictions that must be analysed and discussed. By focusing on the so-called digital automatisms, we demonstrate that these form part of a long tradition in the history of Graphic Expression, since, like other drawing mechanisms machines designed in the past, they involve the search for the "shortest way" to solve the problem of image construction. Lastly, in the conclusions we address the inevitable connection between Descriptive Geometry and Digital Fabrication.

The Bauhaus school’s utilisation of both the model medium and axonometric projection in the early-twentieth century perhaps best typifies the historical links between technology, rationalisation, and representational techniques. By the late twentieth century, however, the choice by the architect or theorist to utilise either medium has, in some cases, come to represent the exact opposite; an anti-technological ideological position. In light of this transition, this study explores the influence of axonometry as a technique of representation, and its influence on post-modern praxis in England and America. To illustrate, it locates the re-emergence of axonometry and isometry in 1960s Britain through two key cultural producers: Kenneth Frampton, and Peter Eisenman. Specifically, I will conduct a comparison of Frampton’s use of axonometry in his co-edited volume with Douglas Stephen and Michael Carapetian entitled British Building: 1960-1964 (1965). This will be compared with Eisenman’s ...

Kenneth Frampton migrated from London to the United States in 1965, and by the early1980s his condemnation of American Populist architecture would reach its apogee as ‘the reduction of architecture to pure scenography’. This notion of scenography remained a central category within Frampton’s critical regionalist position of 1983, and tectonic position of 1990, and this investigation explores its full meaning. Within this paper, representations are considered quotations, and defined as the ideological sites of articulation and mediation between architectural practice and theory. Proceeding from this definition, Frampton’s criticism of architecture as ‘pure visuality’, or architecture as pure representation, opens up a retrospective critique of his own use of representation to further clarify his position on the relation between practice and theory. These sites occur in the form of writing, building, model, and drawing, and I examine these in Frampton’s formative critical language dur...

16. Mostra Internazionale di Architettura, il tema scelto dalle curatrici Yvonne Farrell e Shelley McNamara è Freespace. Una piattaforma pia- na, in legno e con motivo a scacchi, s’innesta sul Padiglione della Gran Bretagna, fa l’eco alle piccole altane sui tetti veneziani, si apre in uno sguardo ampio al di là della laguna e tra gli alberi. È Isola, la risposta di Caruso St John Architects con l’artista Marcus Taylor: Isola come luogo di esilio o di rifugio; Isola come spazio vergine, non antropizzato, generoso per natura, che si erige didascalicamente sul tempo passa- to. Un sistema di impalcature in tubi innocenti camuffa la volumetria novecentesca, rimandando a un intervento di restauro, di modifica del- la condizione esistente. Percorrendo una scala a doppia rampa lungo il prospetto laterale del padiglione si raggiunge la superfetazione che copre l’intera superficie del tetto e ne lascia appena spuntare nel mezzo il picco delle falde della galleria centrale. Ad accogliere il visitatore vi è un tea-corner – è un’isola che resta comunque britannica – che rappresenta la sola funzionalizzazione a priori del Padiglione. Al pianterreno l’interno, lasciato sgombero di nuovi allestimenti e con visibili le tracce rimaste di quelli passati, esprime il potenziale del vacuo diventando spazio individuale e collettivo «non programmato, per utilizzi non definiti»,che può essere adoperato da chiunque per performance, dibatti- ti, per far festa o anche solo sedersi a rilassarsi.L’incipit del Freespace, che indirizza a interpretazioni su temi ambientali e politici, è in questo caso nelle parole dell’architetto Alejandro de la Sota citate dai curatori secondo cui gli architetti «dovrebbero non far niente il più possibile».2 E se la sola risposta architettonica fosse realmente quella di non intervenire più sullo spazio vuoto in termini formali e figurativi? Nella nostra realtà sempre più capitalizzata e massificata, fatta di comunicabilità veloce e informazioni accurate, la città ha ancora bisogno di essere composta nella sua materialità con l’architettura come medium?

Gli studi sul Palazzo Ducale di Gubbio hanno ampiamente chiarito come esso riproponga molte delle idee architettoniche e d'ornamentazione già introdotte nel suo omologo palazzo urbinate, in particolare nelle parti realizzate nel corso dell'ottavo decennio del Quattrocento 1 . È infatti assodato che per il palazzo eugubino non si ritrovano tracce documentarie, epigrafiche, materiali e stilistiche che ne riconducano le forme esteriori a una fase precedente al conferimento del titolo di duca a Federico da Montefeltro, avvenuto nel 1474, fatto che invece si riscontra a Urbino. Ciò ha consentito di collegare la direzione dei lavori a Francesco di Giorgio, che almeno dal 1476 dovette seguirne la realizzazione sulla base del modello di riferimento, a cui egli stesso aveva collaborato in modo determinante 2 . Tra i protagonisti del cantiere di Urbino, lo scultore di origini milanesi Ambrogio di Antonio Barocci ebbe in gestione la realizzazione di una grande parte degli arredi lapidei del palazzo, perlopiù seguendo la traccia dei progetti dell'architetto senese, ma pure contribuendo con i propri repertori ornamentali, di matrice lombardo-veneta. Il radicamento di Ambrogio a Urbino è documentato dal novembre del 1477, per l'acquisto di un'abitazione, segno dell'ormai raggiunta stabilità economica. Si può stimare che lo scultore fosse già alle dipendenze di Federico da Montefeltro nel 1472, negli ultimi mesi di attività dell'architetto Luciano Laurana, il quale lasciò il proprio incarico nel palazzo al Per il dialogo e l'aiuto durante la preparazione di questo contributo, sono grato a

Castel del Monte rappresenta uno dei più enigmatici esempi di architettura medievale, oggetto di numerosi tentativi interpretativi volti a individuare le regole geometriche sottese al suo tracciato planimetrico. La letteratura esistente si concentra prevalentemente su due filoni principali: lo schema basato sulla stella ottagona di Heinz Götze e l’impianto aureo-solare di Aldo Tavolaro, entrambi tuttavia distanti dai dati metrici rilevati con laser-scanner di ultima generazione. Attraverso un approccio innovativo, fondato sulla digitalizzazione delle misure e su algoritmi di minimizzazione, è stato individuato un modello geometrico inedito: un impianto rosoniforme costituito da 16 circoli tangenti disposti in tre corone concentriche, derivati dai basamenti dei torrioni. Il confronto con i rilievi dimostra scarti inferiori a 1 cm per la corte centrale e a meno di 3 cm per la muratura esterna, suggerendo una stretta corrispondenza con il tracciato originario. Questo risultato, verificato mediante un sistema analitico di classificazione basato su formulazioni algebriche, consente non solo di valutare criticamente le ipotesi storiche, ma anche di comparare e testare ogni possibile configurazione geometrica del monumento.

Il disegno, inteso come linguaggio, è costitutivamente ambiguo: ogni segno può essere frainteso, reinterpretato o manipolato. Partendo dalla riflessione di Paul Ricoeur sul legame tra interpretazione e possibilità di fraintendimento, il saggio indaga il disegno d’architettura come dispositivo non neutrale, condizionato da convenzioni culturali, pregiudizi e contesti sociali. Attraverso l’analisi di esempi storici – dalle accuse di spionaggio contro Aleksandr Alekhine, sorte dall’incomprensione di formulari scacchistici, alla controversa ricezione del progetto Masieri Memorial di Frank Lloyd Wright – si evidenzia come il disegno possa divenire strumento di fraintendimento ideologico. Una lettura ravvicinata delle tavole di Jean-Jacques Lequeu mostra inoltre come errori geometrici solo apparenti rivelino un’intenzione retorica e simbolica più complessa. Il contributo propone una classificazione delle ambiguità in quattro categorie: tecnica, epistemica, retorica e percettiva. Quest’ultima è illustrata attraverso il fenomeno delle immagini multistabili (“Kippbilder”), che evidenziano l’instabilità interpretativa propria della percezione umana. In conclusione, si sostiene che l’ambiguità del disegno, lungi dall’essere una semplice fonte d’errore, costituisca un elemento vitale del suo potenziale creativo ed ermeneutico, invitando a una più consapevole lettura critica della rappresentazione architettonica.

The collaboration between the Architecture and Design department and Grandi Navi Veloci, which began last year from the point of view of setting the visual perception of customer caring on board, was then developed with reference to the issue of communicating the data that are necessary in a certain situation; this occasion was emblematically identified in the often unspoken request for the reassurance of the user in the face of moments of unease or concern. From an initial cataloging of the factors that determine the state of insecurity, we moved on to their possible configuration through AR, with elements that inform passengers of the protection and safety mechanisms that are not immediately perceptible. The project, therefore, studies visual languages and latest generation applications that, combined with the use of AI, are able to guarantee involvement through the communication of messages tailored to specific situations.

he studio project in the first year of the undergraduate architecture program at the National School of
Architecture and Urbanism in Tunis provides an introduction to architectural design. It offers the learner the
opportunity to understand architectural space by perceiving, analyzing, designing, and finally transposing it
through drawing and various modes and tools of architectural representation and expression. In this article, we
present the methodological approach we have implemented to achieve one of the important didactic objectives:
the acquisition of architectural references and interdisciplinary knowledge related to the field of architecture.

La vanniata incarna un patrimonio immateriale che unisce memoria orale e vita quotidiana, trasfor-mando la città in un palcoscenico sonoro che viene alimentato dall’eco del venditore ambulante. Nel contesto siciliano, tale richiamo acquista una dimensione rituale: un canto che, secondo l’etnomusicologia, intreccia funzioni pratiche e valori simbolici. Ad Avola, la voce del commerciante si sovrappone all’impianto esagonale della città, mappandone vie e vicoli con un’identità sonora irri-ducibile. Eppure, tali figure ora sono minacciate dalla globalizzazione e dalla grande distribuzione, rischiando di svanire insieme al loro bagaglio di saperi. Diviene urgente “prendersi cura” di questa tradizione culturale, rendendola visibile – o meglio, ‘disegnandola’ – per scongiurare l’oblio. L’immagine del banditore, come un manifesto vivente, invita a preservare radici, storie e relazioni oltre i vincoli del tempo. Così la vanniata si configura come testimonianza sonora di un passato che ancora risuona nel presente.

Department of Education studies "Giovanni Maria Bertin" > print version: PUBLICA. Sharing Knowledge www.publicapress.it sponsorship img journal is a on line, open access and peer reviewed interdisciplinary scientific journal. Articles, excluding keynote essays, are subject to double blind peer review. img journal publishes manuscripts in English and, optionally, in mother language (published in only-text format on website), and use APA citation style. The linguistic editing of articles is the responsibility of the authors.

The Series contains volumes of the proceedings of the annual conferences of the Scientific Society UID -Unione Italiana per il Disegno and the results of international meetings, research and symposia organised as part of the activities promoted or patronised by UID. The topics concern the Scientific Disciplinary Sector ICAR/17 Drawing with interdisciplinary research areas. The texts are in Italian or in the author's mother tongue (French, English, Portuguese, Spanish, German) and/or in English. The international Scientific Committee includes members of the UID Scientific Technical Committee and numerous other foreign scholars who are experts in the field of Representation.

The HBIM procedure is different from the traditional BIM one, because the HBIM moves from an historical-critical knowledge process, on which then the project dedicated to architectural heritage roots. Consequently, the H-model is characterized by objects with different LoDs. A useful reference is the one offered by LoINs-Level of Information Need-that introduce the idea that LoDs can be critically defined. The paper highlights the differences between BIM and HBIM and consequently it proposes the definition of a new Level of Developmet, called LoH "Level of History". In particular, the representation of the architectural heritage requires the management of information that are not considered in the well-established BIM procedures for new buildings. LoH is made by historical information not computable and related to those aspects that have contributed to the formation of current configuration of the building. Since this historical information can be more or less exhaustive, three levels of LoH can be assumed: high, medium and low. In order to enter this additional information within the HBIM environment, the HBIM database has been expanded using Visual Programming Language.

Among the general aspects that the different forms of graphic representation have in common, one of the most frequent concerns the practice of scalar
reduction of measures. It is rare for drawings to have the same dimensions as the objects they represent and obviously each reduction of measures occurs in a proportional way so as to be able to establish a direct commensurability between the real objects and their representations. The synthesis of the information that finds space on the drawings allows to orient the purposes of the representation and supports its readability. The homothetic relationship between drawing and real objects guarantees the availability of information on the configuration of things while maintaining the possibility of describing their relationships with the surroundings.
Nonetheless, as is known, there is a vast and articulated category of drawings in which no recourse is made to the reduction of measures and in which the shapes are depicted in real scale or, as they say, ‘true’. Even though, thanks to their size, they can accommodate large quantities of data, in almost all cases these representations are extremely synthetic and
mostly report technical information. These drawings show a specific characteristic, that is, that of making available an informative content that concerns, without any proportional mediation, the size and the arrangement of the elements represented. Within a more general reflection on the theme of information in the field of graphic languages, this note intends to take into consideration this category of drawings that are characterized by their close proximity to the themes of ‘tracing’ and ‘imprint’, by the solidity of the relationship that they weave with reality and by their intrinsic reluctance to be transcribed on the now widespread digital media, in which the size of
the support ends up losing any specific connotation.

El artículo examina algunos problemas centrales del dibujo de arquitectura en la época bajomedieval y renacentista, teniendo en cuenta tanto los estudios clásicos en este campo como las aportaciones más recientes; intenta ofrecer una visión panorámica pero integrada de varias de estas cuestiones esenciales. En particular, se tratan las conexiones entre la geometría culta y las prácticas canteriles de trazado, la relación entre trazas en papel y monteas sobre soportes rígidos, la aparición de la proyección ortogonal, las diferencias entre las elevaciones medievales y nuestros alzados, los nuevos resultados geométricos que debe suministrar la traza de origen medieval para facilitar la ejecución de los diseños renacentistas, el empleo de algunos procedimientos de trazado de origen renaciente para materializar bóvedas de crucería, invirtiendo el orden cronológico que cabría esperar, y la peculiar síntesis entre ambos mundos que ofrecen las bóvedas por cruceros, es decir, bóvedas de case...

This essay, along with the accompanying set of diagrammatic images, documents a psychogeographic educational rhythm. This Benjaminian process of contextual self-reflection builds on the scholarship of the philosopher Tyson Lewis, who presents Walter Benjamin's educational philosophy as an intermittent rhythm of immersive awakening within historical context. Having spent most of my life in an academic setting, I explore my curricular history in search of the dialectical images that hold the truth of my educational past in this particular moment in time. Awakening from my immersion, I reconstitute the image of a city where communication is not merely a means but the very goal of academic pursuit. Flânering through the streets of my memory, I reflect on the suddenness of encounters-despite difference-arriving at the post-critical meaning of my psychogeographic truth.

The paper analyzes geometric progression and bijective projection in denotational semantics vis-à-vis the instruments of the carpentry practice, exploring their underlying logic. The essay first considers the codified construction drawings of regional carpenters as rule-based maps and then examines their one-to-one relation between the semantic domain of the notational language and the syntactic domain of the tectonic wood structural frame.

Çizim bilgiyi anlama, ifade etme, deneyimleme ve depolamanın birlikte ortaya konduğu bilişsel bir aktivitedir. Bu makale, çizimin bireyin deneyimlediği veya inşa ettiği ortam ile ilgili bilgileri işlerken, bu bilginin harici ve somutlaştırılmış bir belleği ortaya koyduğunu savunmaktadır. Çizim yolu ile oluşturulan bellek; bilgiyi tutma, yeniden etkinleştirme, yeniden yapılandırma gibi zihinsel belleğin işlem yetilerine sahip, materyale aktarılmış bir bellek olarak tanımlanmaktadır. Çizimin ortaya koyduğu bilişsel süreç çizim eylemi ve çizilen materyali kapsamaktadır. Araştırmada etkileşimli bu süreç bilişin zihin ile sınırlı kalmadığını, çevre ile kurduğu ilişkide oluştuğunu savunan "dağıtılmış biliş" yaklaşımı üzerinden ele alınmaktadır. Bu yaklaşım ile çizilen temsiller ve zihinsel temsiller arasındaki ilişkiye odaklanılmakta, çizimde tanıma ve anlama süreçleri araştırılmaktadır. Araştırma, çizim yolu ile bellek oluşumunu sunulan teorik yaklaşım doğrultusunda deneyimlemeyi amaçlamaktadır. Bu bağlamda yapılan olgu çalışması aracılığı ile çizim sürecinde aktif olarak ortaya konan belleğin nasıl oluştuğunu sorgulamaktadır. Olgu çalışmasında, tanımlanan bir dizi çizim aktivitesi sonucu çizimlerde oluşan bellek izleri gözlemlenmiş, mekânsal deneyimin materyal üzerinde nasıl temsil edildiği analiz edilmiştir. Çalışmanın sonucunda mekân algısının nasıl oluştuğu ve bunun materyale nasıl aktarıldığı sunulan teorik yaklaşım doğrultusunda değerlendirilmiştir.

O. Selvafolta, “Lights on Modern Schools”. The Kindergarten by Cesare Cattaneo in Asnago (1935–1937)
This essay analyzes the first built work by Cesare Cattaneo: the kindergarten in Asnago, designed in collaboration with Luigi Origoni between 1935 and 1937, shortly after graduating from the Politecnico di Milano. Intended for only 50 children, the building fits within the context of Italian Rationalism and reflects the trends in school architecture of the 1930s, which culminated in 1939 with the Carta della Scuola (School Charter) promulgated by the Fascist government, establishing order and structure within the education system and defining its political role.
The title “Lights on Modern Schools” recalls that of Alberto Sartoris’s book (Luci sulla scuola moderna, 1939), which celebrated, above all, Giuseppe Terragni’s Sant’Elia nursery school in Como (designed for more than 200 children).. Sartoris also included Cattaneo’s smaller kindergarten among the examples of new architecture, highlighting the role of natural light, open spaces, and functional design.
The essay also explores the educational environment of the Politecnico di Milano, where Cattaneo earned his architecture degree in 1935. Despite the persistence of traditional approaches, the institution had begun to embrace elements of modernity—features that are reflected in the Asnago kindergarten. Its architecture stands out for its simplicity, geometric rigor, and integration of functional elements such as large windows and the flexible organization of space—an expression of Rationalism that combines pragmatism with poetry.
In 1935, the magazine Casabella described the building as an “abstract and extremist” architecture, praising its formal rigor and adherence to modern principles. Like the more renowned Sant’Elia, it represents a moment of synthesis between pedagogical concerns, technical innovation, and Rationalist language. Though profoundly altered over time, the building's experimental value endures: a space where pedagogy and architecture merge to embody the ideals of clarity, freedom, and purity that belong to a modernity rooted in a European horizon

O. Selvafolta, Luci sulla scuola moderna. L’asilo di Cesare Cattaneo ad Asnago (1935-1937)
Il saggio analizza la prima architettura realizzata di Cesare Cattaneo: l’asilo infantile di Asnago, realizzato in collaborazione con Luigi Origoni tra il 1935 e il 1937, all’indomani della laurea al Politecnico di Milano. Destinato a soli 50 bambini, l’edificio si inserisce nel contesto del razionalismo italiano e riflette le tendenze dell’architettura scolastica degli anni Trenta, che culminarono nel 1939, nella Carta della Scuola promulgata dal governo fascista che impartiva ordine e struttura al sistema degli studi e ne definiva il compito politico.
Il titolo “Luci sulla scuola moderna” riprende quello del libro di Alberto Sartoris (1939), che esaltava soprattutto l’asilo Sant’Elia di Giuseppe Terragni a Como (per 200 bambini), quale modello di scuola moderna, ma includeva anche il piccolo asilo di Cattaneo tra gli esempi della nuova architettura, mettendo in risalto il ruolo della luce naturale, degli spazi aperti e del design funzionale.
Il saggio tratta anche del contesto formativo al Politecnico di Milano, dove Cattaneo si laureò in architettura nel 1935. Nonostante la persistenza di approcci tradizionali, l’istituzione aveva saputo accogliere anche alcune istanze della modernità che, non a caso, si ritrovano nell’asilo di Asnago. Un’architettura che si distingue per la semplicità, il rigore geometrico e l’integrazione di elementi funzionali, quali le grandi vetrate e l’organizzazione flessibile degli spazi, espressione di un razionalismo capace di coniugare pragmatismo e poesia.
La rivista “Casabella” nel 1935 definì l’edificio una architettura “astratta ed estremista”, lodandone il rigore formale e l’aderenza ai principi moderni. Al pari del più famoso Sant’Elia, esso rappresenta quindi un momento di sintesi tra istanze pedagogiche, innovazione tecnica e linguaggio razionalista. Le profonde trasformazioni subite nel tempo non ne annullano il valore sperimentale: uno spazio dove pedagogia e architettura si fondono per incarnare gli ideali di “chiarezza, libertà e nitore” propri di una modernità che appartiene a un orizzonte europeo.

This new edition is fully revised and updated and includes new chapters on sustainability, history and archaeology, designing through drawing and drawing in architectural practice. The book introduces design and graphic techniques aimed to help designers increase their understanding of buildings and places through drawing. For many, the camera has replaced the sketchbook, but here the author argues that freehand drawing as a means of analysing and understanding buildings develops visual sensitivity and awareness of design. By combining design theory with practical lessons in drawing, Understanding Architecture Through Drawing encourages the use of the sketchbook as a creative and critical tool. The book is highly illustrated and is an essential manual on freehand drawing techniques for students of architecture, landscape architecture, town and country planning and urban design.

Architecture is usually represented in two dimensions through codified representation methods, such as plan, elevation, and section. An elevation and its represented façade refer solely to the framed side of the building, preventing an overall understanding of it if decontextualized from the other elevations. To cope with this problem, various architects have developed methods of representation that would allow a total development of the architecture's exterior (or interior) surface to be depicted. The focus is on drawings that, with different assumptions and references, succeeded in the same intent: a total representation, developed in the plan, of all the interior or exterior façades of a given architecture. The Western examples resulting from Robin Evans' studies, which he called Developed Surface, introduce us to a kind of representation that would later be employed, with similar or lesser intentions, by numerous Japanese architects of the 1970s and 1980s. Each architect depicted architecture's interior or exterior surface for different reasons, but the starting reference was often a traditional Japanese paper model called Okoshi-ezu. The paper aims to expand the knowledge of the Developed Surface drawings through the analysis of case studies of geometrical applications and by investigating the implications of a type of representation that allows for a novel perspective on the façades that make up architecture.

A modelagem tridimensional ajuda a visualização e interpretação do objeto projetado. Este artigo apresenta a experiência realizada em modelagem digital desenvolvida ao longo do ano de 2018 e 1º semestre de 2019. O objetivo principal da pesquisa foi desenvolver procedimentos metodológicos de modelagem digital em SketchUp como ferramenta auxiliar para estudos de criação arquitetônica tridimensional em ensino de projeto. Na metodologia de trabalho foi realizada uma revisão bibliográfica para elaboração de conceitos de ensino de projeto na era digital e experimentação através de exercícios com grupos de alunos para observação do efeito da modelagem tridimensional sobre o aprendizado de projeto, no que tange as questões volumétricas e plásticas. Como resultado foi observada a ampliação da compreensão global das formas e composições com o aumento da visão tridimensional para criação de projeto de arquitetura.