History of Dance

En este texto se plantea la videodanza como una transparencia de los cuerpos danzantes: su intimidad, su experiencia, su profundidad de cuerpo poetico, a traves de los destellos, esos instantes privilegiados. La videodanza es videocorporalidad que se hace sujeto. Es autonoma, pues se desprende del video y de la danza, para evocar al cuerpo danzante recubierto con una atmosfera poetica, donde preside lo que no se ve: sus transparencias. La danza es la poesia del cuerpo y revestida bajo cualquier genero simplemente es sublime. Al cruzar el umbral del video expande su poetica, porque este es la piel para re- presentar su poetica. Es justo alli, en ese instante y como un destello, cuando se desatan sus transparencias: metamorfosis de cuerpos, ambientes evocadores, atmosferas simbolicas, expresividades que develan la intimidad, la liberacion de los cuerpos danzantes por fuera del tiempo, del espacio y del movimiento.

Ako romantika, u umetnosti i životu, znaći predavanje bez ostatka, onda je glumac Sava Damjanović prototip teatarskog romantizma. Ovaj banatski krajišnik, robusne spolјašnosti i treperave duše, ispunio je svoju životnu i umetničku sudbinu skoro isklјučivo pozorištem. Zapravo, može se slobodno reći da je gluma bila njegova sudbina, jedini porok, san i java. Kao da je od detinjstva živeo posvećenost nameri da se ostvari na pozornici i nestane u magiji scene. Talijin dah i duh bili su mu ikona i usud. Ovde, u Zrenjaninu, sve je poćelo još dalekih pedesetih. (Sava Damjanović, recituje, dok ide kroz praznu salu, ka sceni)

Este texto, a través de la reseña de dos espectáculos de circo contemporáneo francés, intenta mostrar que la esencia del circo radica en la poesía del cuerpo en movimiento, la noción de colectivo y lo real en el entendido que el artista de circo, a diferencia de los actores, es uno mismo en escena.

The reflections shared here are based on a research experience carried out with the support of A/R/Tography (Dias; Irwin, 2013), together with the Bachelor of Dance Education Course at the Federal University of Santa Maria, during the year 2024. In this article, we aim to discuss a possibility of artistic-pedagogical work in the teaching of dance history, developed through what we call Didactic Concerts, based on a proposal developed in the undergraduate course in Artistic Education at the University of Pedagogical Sciences Enrique José Varona (Cuba). Given the historical Eurocentric hegemony present in the ways of producing research and in the teaching-learning processes in the field of dance history, it seems pertinent to develop other perspectives that help us to resignify these practices. The theoretical explanation-staging mediated by the artistic dance practice offers another type of experience for both teachers and students, promoting greater interaction between them and resignifying the roles between teacher x student, public x audience, in addition to mobilizing greater student engagement with the content studied.

Keywords: Dance History; Didactic Concert; Bachelor of Dance Education.

Azerbaycan kültürü, zengin tarihi ve sanatsal mirasıyla Türk
dünyasında parlak yıldızlardan biridir. Bu mirasın en önemli
unsurlarından biri, Türk dünyası kültüründe önemli bir yeri olan
Muğam sanatlarıdır. Muğam sanatı; Güney ve Kuzey Azerbaycan yanı
sıra Doğu Türkistan müzik kültürünün en değerli hazinelerinden
biridir. Milli benliğin uyanmasında Muğam sanatının inkâr edilmez bir
rolü vardır. Güney Azerbaycan Türkleri arasında Muğam sanatı, âşık
sanatında olduğu gibi milli düşüncenin gelişiminde vazgeçilmez bir
yere sahiptir. Milli kültürün oluşumunda, ulusal kimliğin
pekiştirilmesinde ve müzikal düşüncenin şekillenmesinde işlevsel bir rol
oynayan bu sanatlar, Azerbaycan halkının tarihsel ve kültürel mirasını
yansıtır. Bu nedenle, bu sanatın korunması ve gelecek nesillere
aktarılması, Azerbaycan kültürünün devamlılığı açısından büyük önem
taşımaktadır. Doğu Türkistan’a kadar uzanan bu sanat Türk
kültürünün korunmasında önemlidir. Türk kültürü ve ulusal
düşüncesinin özelliklerini yansıtan bu sanatlar, Azerbaycan
Türklerinin ortak kültürel değerlerini güçlendirerek ulusal birliği
pekiştirmektedir.

This monographic issue explores the notion of ephemerality in French artistic culture during the long Eighteenth-Century. The volume is highly interdisciplinary, featuring articles from art and theatre history, costume-making, and performance studies, extending the notion of the ephemeral to a wide range of examples.

El Dossier, que forma parte del número 10 de IDyM (Investigaciones en Danza y Movimiento) reúne un panorama fundamental de la investigación en Latinoamérica, a través de la mirada de especialistas de Argentina, Brasil, Costa Rica, Cuba, Chile, Colombia, México, Perú, Venezuela y Uruguay.

Yves Peyré’s Francis Bacon ou La mesure de l’excès is a personal tribute to Francis Bacon, focusing on the artist’s deep ties to France and friendships with French intellectuals. Though Peyré promises a new perspective, his analysis largely repeats familiar insights from existing scholarship. However, its strength lies in vivid, personal recollections of Bacon, making it a valuable read for those interested in intimate, non-academic reflections on the artist.

Resúmen: Durante la pandemia no se interrumpió de manera significativa la creación coreográfica y se incrementó en relación a las fases anteriores. Aunque muchos coreógrafos y artistas de la danza estaban anteriormente envueltos la video danza y la screen dance, a través del perfomance multimedial e intermedial, el confinamiento introdujo un nuevo elemento no experimentado plenamente con anterioridad a nivel de los artistas jóvenes: la necesidad de experimentar, de crear y de expresarse en espacios de confinamiento haciendo un uso intensivo de los medios tecnológicos y las plataformas digitales. Este trabajo de investigación explora los procesos semióticos de corporeidad encarnada y re-corporización. Partimos del modelo de la Kinesfera de Rudolf Von Laban como espacio personal, como envoltura y sus transformaciones.

This article examines the clinical care communication between Lucia Joyce (the daughter of James Joyce) and Carl Jung in Annabel Abbs’s The Joyce Girl. This paper particularly scrutinises how Lucia employs Jung’s clinically prescribed mechanism of memoir-writ- ing as a tool for patient empowerment and for exercising agency in talking cure sessions. Abbs’s novel opens with Lucia’s descent from being damned to fame with her triumphant and enchanting performance as a mermaid at the Bal Bullier to being doomed to quit danc- ing. The novel creatively resurrects Lucia’s emotional turmoil on leaving dancing, familial turbulence, failure of romantic pursuits, and her eventual inescapability from clinical con- finement. Between the extremes of a chaotic familial environment and a disciplined clinical restraint, Jung’s prescription of memoir-writing is the only cathartic and artistic culvert for Lucia to express her suppressed trauma and unbridled emotions. This paper discusses how Lucia employs Jung’s clinical prescription of memoir-writing as a mode of self-care and a tool to exercise her agency, thereby, following the good patient script.

voga ljeta zauvijek nas je napustila velika dubrovačka i hrvatska glumica Marija Kohn. Za sobom je ostavila iznimnu glumačku priču, jednu od onih koje su obilježile hrvatsko kazalište u drugoj polovici 20. stoljeća, ali i brojne intervjue prožete sličicama iz njezina privatnog života koje bi dobrom romanopiscu ponudile obilje građe za kakav bildungsroman ili veliku obiteljsku sagu. Marija Kohn rodila se 1934. na otoku Lopudu uz koji je ostala vezana tijekom čitavog života, provodeći mnoga ljeta u staroj kući svojih predaka Đivanovića koja je navodno preživjela razorni potres iz 1667. Marijin otac bio je pomorski kapetan Antun O

Structured as a biographical and interpretative study of one of the last bearers and transformers of modern dance’s legacy, this monograph not only provides an intimate look at the life and works of Nancy Spanier but is also a document rich in dance history: José Limón, Doris Humphrey, Charles Weidman, Martha Graham, Pearl Lang, Louis Horst, Anna Sokolow, Daniel Nagrin, and Helen Tamiris are only few of the great pioneers of American modern dance with whom Nancy Spanier worked or was formed by in her early years. Nancy Spanier: The Arc of a Dancing Life proposes a revaluation of Spanier’s body of work from an art historian’s perspective, revealing new trajectories in the cross-pollination among different art forms and in the transition from the modern to the postmodern.

Larisa Oancea is an independent art historian and researcher. She holds a Ph.D. in Art History and Theory. Trained both as an art historian and an anthropologist, Oancea has developed a strong interest in the intersection of the arts with other disciplines. She works between France and Italy, collaborating mainly with interdisciplinary artists, magazines, and cultural institutions.

Die AufsäZe des Sammelbands widmen sich der wissenschaftlichen und mentalitätsgeschichtlichen Konstruktion des Barockvom ausgehenden 19. Jahrhundert bis in die Ge- genwart ebenso wie der Kinstlerischen Auseinandersetzung mit Stil und Epoche als Neobarock. Gegenüber ästhetischen Formzitaten und ideengeschichtlichen Zusammenhängen, wie sie bislang untersucht wurden, nicken konkrete Prak- tiken der Kunst, des Denkens und des Alltags in den Blick. Im praxeologischen Verständnis meint Neobarock ein >doing baroque<, das auf Wissensbestände, Lebensfor- men, Affekte, spezifische Wahrnehmungen von Zeit und Raum, Materialität und Performafivität abzielt. Künstleri- sche, kulturelle und politische Einsäfze der europäischen und lateinamerikanischen (Post-)Modeme werden so als strategische Verfahren unter historischer Maske des 17. und fnihen 18. Jahrhunderts verständlich: Das Spektrum reicht von der EpochenkonstruKion >Barock< in Kunstgeschichte und Germanistik um rgoo über PraKiken in verschiedenen Künsten nach 1945 und der Gegenwart bis zu erinnerungs- kulturellen und touristischen Päsentationsformen. Ein praxeologisches Verständnis von Neobarock vertieft nicht nur die außereuropäische Dimension der Barockkultur, sondern ermögiicht auch neue Einsichten in die kulturtheoretische Frage nach barocken Denk-, Lebens-und Kunstformen, die losgelöst von einem historischen Bezug als Epoche betrachtet werden.

Κάνοντας ἐδῶ μία σύντομη ἀναδρομὴ τῆς ἱστορίας τοῦ ζεϊμπέκικου, θὰ ἐπιχειρήσουμε νὰ ἀνιχνεύσουμε τὴν ἀμφισημία τοῦ βιώματος σὲ αὐτό. Μὲ ἄλλα λόγια, θὰ δοῦμετοὺς διαφόρους τρόπους μὲ τοὺς ὁποίους τὸ ζεϊμπέκικο γίνεται ἔκφραση τῆς ἀνταγωνιστικῆς αἴσθησης καὶ τῆς βούλησης γιὰ κυριαρχία, ἀλλὰ θὰ προσπαθήσουμε ταυτόχρονα ν’ ἀνιχνεύσουμε καὶ τὶς περιπτώσεις στὶς ὁποῖες ἡ ἀνταγωνιστικὴ αὐτὴ αἴσθηση διαλύεται μέσα σ’ ἕνα βιωματικὸ βάθος καὶ γίνεται μέθεξη στὸ Ἕν.

Una revisión panorámica de la programación del FITHA 2013, permite dar cuenta que, predominantemente las obras específicamente de arte dramático son las locales o nacionales. Las propuestas internacionales en su mayoría son montajes de: números de circo, pantomima o teatro del gesto o del cuerpo, coreografía con predominio del estilo de danza contemporánea sea más urbana o académica, pantomima neo-ballet; cabaret, performance, multimedia, títulos, unipersonales, teatro negro, canto y ejecución musical en vivo, más espectáculos diseñados para espacios abiertos o cerrados.

En 22 Sedes que van del Lago de la Concordia ubicado en la Zona de los Fuertes, a la Nueva Estrella de Puebla, que está en la Reserva Territorial Atlixcáyotl, además de Espacios Independientes, Foros, Auditorios, Salas de Artes Escénicas Universitarias, Atrios, Patios, Teatros, Andadores y Salas de Conferencias; del 15 al 26 de Noviembre, albergarán a varios creadores, intérpretes, directores, técnicos, ejecutantes y realizadores de artes performativas, circenses, teatrales y espectaculares de: México, Puebla, República Checa, Reino Unido, Italia, Grecia, Francia, Estados Unidos, España, Colombia, Chile, Canadá, Brasil, Bélgica, Australia, Argentina, Alemania. En esta edición renovada del FITHA 2013, habrá también un Taller de Teatro Físico impartido por Stamatios Efstathiou de Grecia, la conferencia magistral que dará Steven Berkoff; se han programado proyecciones de cine de algunas obras dramáticas clásicas o, sobre teatristas fundamentales como Peter Brook. CADAC trae bajo la dirección de Marcela Bourges y de Rabindranath Espinosa, una obra del siempre homenajeado y cuyo nombre engalana este gran festival teatral, nuestro querido maestro Héctor Azar, La Causa de la causa. Y, en este tenor, en la Biblioteca Palafoxiana, Carlos Azar presentará el Libro El círculo de la Presencia.

Horror films lead us to experience a series of intense emotions through the narrative and its images. Within this genre we see how dance can be used as both a visual and narrative element. However, this subject is still under-researched within academia. An example of this union between dance and horror within cinema can be found in the films Suspiria 1977 by Dario Argento and Suspiria 2018 by Luca Guadagnino. Each of these films represent different forms of the use of dance. On the one hand, we see Argento's use of dance as an aesthetic element, while Guadagnino uses dance as a narrative and symbolic element. The use of dance as a communicative element in horror films demonstrates how dance can express not only beauty and perfection, but also the disturbing and terrifying, delving into the thoughts of human beings.

Esta pregunta tenía por objeto lanzar un debate, tal como había tenido el honor de crear, despertando un vivo interés de los dos Administradores Vania Vasileva y Wilfredo A. Ramos, seducidos por los argumentos y conocimientos desplegados, que añadieron esta actividad a la página dedicada a los recuerdos video-fotográficos de sus suscriptores. Después de «La Quinta Posición», «La Altura del Lanzado» y «Al Cuello del Pie» el tercer tema que propuse y desarrollé, ellos mismos retomaron la iniciativa por su cuenta, a ejemplo: «¿Girar es natural para el Ser Humano?». No hubo realmente un debate, ya que influenciados por las hazañas técnicas, que se han convertido en moneda corriente, la comunidad presente estaba de acuerdo, e intervine entonces para afirmar: «No es natural». Mi intervención asombró a aquel Cenáculo, a quien parecía incongruente, pero no siendo un desconocido y disponiendo de cierta escucha, se me pidió que justificara mi afirmación. Comenzaba recordándoles que los Bailarines que todos admiramos, se habían frotado las Piruetas desde su juventud y que después de muchos años se habían convertido en profesionales y que no había que confundir la Facilidad aparente, patrimonio de los Grandes Artistas con un Don Natural, aunque hay Predisposiciones. Aprovechando una pregunta planteada por una Profesora: ¿por qué existe una gran diferencia, de número de Piruetas, entre dos Bailarines del mismo nivel internacional?» inicié mi demostración, en varios puntos... Copyrights SACD n° :295989 Algunos afirman que el Ojo no actúa como una cámara, sin embargo, restaura la Córnea, el Iris y su Pupila, el Cristalino (Objetivo) y el Cuerpo Cristal (Cámara Negra) y contiene la Retina (Tarjeta SD) El Ojo Humano puede captar, teóricamente, 576.000.000 de píxeles, digamos que si 12.000.000 son realmente determinantes, es ya una cantidad que solo los aparatos recientes, de calidad, son capaces de contabilizar. En este punto de la historia, debemos rendir homenaje a algunos investigadores, científicos que han proporcionado a las nuevas generaciones sus Descubrimientos, Bases del Desarrollo que conocemos hoy.

Close-Up on Dance. The Television Choreography of Fantastico’s First Editions (1979-80, 1981-82)
The essay offers an investigation into Italian television dance by using as a case study the first two editions (1979-80 e 1981-82) of Fantastico, a well-known variety show produced by Rai, the Italian national public broadcasting company. The author outlines the historical-social context of the phenomenon and then focuses on its esthetical aspects. Therefore, the contribution discusses the peculiarities of Franco Miseria’s choreographic style, inspired both by disco-dance and jazz dance technique, and his suc- cessful collaboration with the director Enzo Trapani and the dancer Heather Parisi in the creation of dance specifically devised for the camera. Though the essay takes into consideration a very specific case study, it aims to draw attention to an area little covered by dance and television studies in order to reflect upon the originality of television choreography and questioning its apparently entertainment essence.


Il saggio propone uno studio sulla danza televisiva italiana prendendo come case study il noto varietà prodotto dalla Rai Fantastico, di cui si analiz- zano le prime due edizioni (1979-80 e 1981-82). L’autrice parte dal contesto storico-sociale del fenomeno, per poi focalizzarsi su questioni di tipo estetico, documentando le peculiarità dello stile coreografico di Franco Miseria, che si ricollega alla disco-dance e alla tecnica jazz, e l’efficacia della collabora- zione con il regista Enzo Trapani e la danzatrice Heather Parisi nella creazione degli “originali televisivi di danza”. Pur prendendo in considerazione un sin- golo esempio, il contributo vuole mettere in luce un ambito poco trattato dagli studi di danza e dai television studies, riflettendo sull’originalità delle proposte coreografiche televisive e mettendone in discussione la loro natura apparentemente d’intrattenimento.

Chevalier, Pauline, Royer, Amandine (dir.), Chorégraphies. Dessiner, danser (XVIIe-XXIe siècle), catalogue d'exposition, Besançon, Musée des Beaux-Arts et d'Archéologie, 19 avril - 21 septembre 2025, Paris, Besançon, Linéart, INHA, MBAA, 2025, p. 122-129.

Ouvrage collectif sous la direction de Pauline Chevalier, maîtresse de conférences en histoire de l’art contemporain à l’université de Besançon, conseillère scientifique à l’INHA, et Amandine Royer, conservatrice des Arts graphiques au musée des Beaux-Arts et d’Archéologie de Besançon.

L’ouvrage est publié à l’occasion de l’exposition Chorégraphies. dessiner, danser, présentée au musée des Beaux-Arts et d’Archéologie de Besançon, du 19 avril au 21 septembre 2025.

Le projet est issu d’un programme de recherche mené à l’Institut national d’histoire de l’art, à partir des fonds de la Bibliothèque nationale de France et du Centre National de la danse : ces trois institutions prestigieuses sont étroitement associées au projet d’exposition.

Liderlik, günümüzde oldukça popüler bir çalışma alanıdır. Değişen toplumsal koşullara ve ihtiyaçlara bağlı olarak farklı alanlarda yürütülen çalışmaların ilgi odağı olması nedeniyle, disiplinlerarası bir kavram haline gelmiştir. Müzik toplulukları yönetiminde de liderlik, şeflik pozisyonu ile ilişkilidir. Açık kaynaklardan elde edilen veriler incelendiğinde, koro ve orkestra şefliği alanlarında verilen eğitimlerde şefliğin “liderlik” boyutunun ihmal edildiği görülmektedir. Bu araştırmanın amacı, koro şefliği ve eğitimi sürecinde liderlik olgusunu irdeleyerek, koro şefleri için durumsal liderlik modelinin uygulanabilirliğini örnek yaklaşım biçimleri ile modellemektir. Bu bağlamda, Hersey ve Blanchard tarafından geliştirilen durumsal liderlik modelinin (SLT) temel kavramları ve alanyazında “koro şefliği, eğitimi ve liderlik” konularında yapılan araştırmaların bulguları incelenerek tartışılmıştır. Nitel araştırma modeline göre yapılandırılan çalışmanın fiziksel verileri, doküman inceleme yöntemi ile elde edilmiştir. Literatürde dokümanlar “fiziksel veri” olarak kabul edilmektedir. Elde edilen bulgulara göre; koro şefliği ve liderlik alanyazınlarında yapılan çalışmaların sayıca yetersiz olduğu, durumsal liderlik modelinin başarılı koro şefleri arasında tercih edilen bir model olduğu, durumsal liderlik modeline göre planlanan koro çalışmalarının dikkate değer biçimde olumlu sonuçlar yarattığı, bu bağlamda durumsal liderlik modelinin koro şefleri için uygulanabilir bir model olduğu, koro şefliği eğitiminde liderlik boyutunun ihmal edildiği, koro şefliği eğitimi sürecinde hazırlanan programların içeriklerinde liderlikle ilgili derslerin yer alması gerektiği sonuçlarına ulaşılmıştır.

Even though not all had formal anthropological training, they stood out for their creative achievements and theoretical approaches to accomplish an intersection between cultures, dance, education, social justice, and racial equality. As a female researcher in the anthropology of dance and the body, I find it particularly interesting to reconsider their innovative forms of ethnographic research and applied methodologies, including actively incorporating their bodies, creative ethnographic writing, and producing visual material challenging the anthropological canon. The aim is to delimit each ethnographer's key contributions and propose a strategy to provide a valuable base to develop post-colonial approaches for dance research, particularly on popular dance practice. I emphasize the innovative proposals regarding ethnographic fieldwork, documentation, visual anthropology, and a highly reflexive perspective combined with auto-ethnographic methodologies, which, at that time, were not considered in science or had yet to be developed. This contribution reinforces that these female anthropologists were visionary, and their approaches should be revalued.
В статье исследуются жизнь и творчество пяти женщин, внесших вклад в исследовательскую сферу антропологии в середине XX века, прежде всего, в субдисциплину антропология танца. Речь идет об афроамериканской танцов-щице и антропологе Кэтрин Данэм (Katherine Dunham, 1909–2006), об амери-канской танцовщице, хореографе и антропологе Перл Примус (Pearl Primus, 1919–1994), афроамериканской писательнице, фольклористе и антропологе Зоре Нил Херстон (Zora Neale Hurston, 1891–1960), о еврейско-украинском режиссере  экспериментального  кино  Майе Дерен (Maya Deren, 1917–1961) и об американской танцовщице и танцтерапевте Франциске Боас (Franziska Boas, 1902–1988). Не все из них получили формальное антропологическое об-разование, но их творческие достижения и теоретические подходы весьма значительны и важны для понимания взаимосвязи между танцем, культурой, образованием и социальной справедливостью. Автор, исследовательница ан-тропологии танца и тела, обращается к инновационным формам этнографи-ческого исследования и методам прикладной антропологии, в том числе изуча-ет телесную вовлеченность, творческое этнографическое письмо и создание визуальных материалов, бросающих вызов традиционному этнографическому канону. Цель этого — расширить границы понимания того вклада, который каждая из исследовательниц внесла в постколониальную этнографию танца, и прежде всего, в изучение популярных танцевальных практик. Автор анали-зирует их новаторские подходы к этнографическому полевому исследованию, документации, визуальной антропологии, к рефлексии и авто-этнографии — научным методам, до недавнего времени не считавшимся достойными внима-ния, да и в настоящее время нуждающимся в развити.

This chapter explores the intersection between photography and folkloric dance, analyzing how both disciplines document, express, and recontextualize movement and cultural identity. While photography captures a frozen instant, dance unfolds through movement, yet both share a profound relationship in the representation of ephemeral moments. Using the concept of the "decisive moment" by Cartier-Bresson (2003) and theoretical contributions from Flusser (1990) and Barthes (1990), the study examines how photography not only preserves dance but also reinterprets its emotional and aesthetic dimensions. Through an analysis of Mexican folkloric dance photography, the chapter highlights how images can capture rhythm, composition, and symbolism, making visible the cultural richness and performative essence of traditional dance.

By applying semiotic analysis and composition principles, this research demonstrates how photography and dance converge in a dynamic relationship that transcends mere documentation. The study provides a framework for understanding how images can serve as a medium for interpreting movement, enhancing the appreciation of folkloric dance as a cultural and artistic expression. This interdisciplinary perspective opens new possibilities for exploring photography as a means of archiving, interpreting, and amplifying the visual and symbolic power of dance.

Hay directores, como Rivette o Suzuki, que, de manera más abierta o más solapada, hacen entrar el teatro en cada una de sus películas. En el caso de Drive My Car (2021), Ryüsuke Hamaguchi lo convierte en su temática principal. Cada secuencia es una escena dramática, aunque la cámara permite deslizarse en plano detalle sobre los objetos, mantener la inmensidad del paisaje aun en los planos medios de los personajes y alejarse tanto como para mostrar grandes panorámicas sin perder el hilo de los diálogos. La iluminación resalta los colores y las líneas, produce reflejos, mimetismos y contrastes que trabajan las formas, las fisonomías; las dibujan, las pintan. El "primer acto" dura unos cuarenta minutos y, recién cuando se pasa al segundo, aparecen los títulos. Fotograma de Drive My Car, de Ryüsuke Hamaguchi. En las otras obras de Hamaguchi el teatro no deja de estar presente. Escribió y dirigió Intimacies (2012) para una escuela de cine y teatro de Tokio, sobre la

No es necesario destacar que durante el Siglo de Oro, la Danza Española Escénica constityó uno de los ejes para la construcción de los saberes coréuticos tanto en Europa como en los territorios directamente relacionados con la Corona de Austria, es decir, los virreinatos americanos que abarcaban más de la mitad de América del Norte y las tres cuartas partes de América del Sur, junto con Filipinas.
En este momento, la Danza Española escénica constituye lo que ahora se denominaría I+D-I (Investigación + Desarrollo + innovación) para el ámbito teatral. Prueba de ello es la constante presencia de la Danza en la producción teatral de los dramaturgos aureos.

Entre 1922 y 1929 Oskar Schlemmer -artista, diseñador y docente de la escuela Bauhaus- experimentó con la danza y su interacción con la técnica a través de diversos workshops y obras escénicas. Estas obras, menos conocidas que otras experiencias de la escuela vinculadas al diseño, la arquitectura o las artes visuales, conjugaron movimiento, diseño y tecnología. Casi un siglo y unos cuantos desarrollos tecnológicos más tarde, Asuntos que queman, de Jimena Pérez Salerno (2017), indaga desde el trabajo coreográfico y recursos tecnológicos los modos en que el cuerpo interactúa con el ciberespacio, explorando los nuevos gestos, maneras de relacionarse y los lenguajes que se construyen en ese intercambio.
¿Qué pueden tener en común un conjunto de obras de danza de principios del siglo XX en la Alemania de Bauhaus con otra de 2017 en Argentina? Si estas experiencias ponen en escena los cuerpos y las técnicas que median su experiencia en el mundo, ¿qué acontece en ese encuentro? Pero además, en tanto se sitúan en el territorio fronterizo entre danza y tecnología, ¿qué tienen para decir acerca de su tiempo?
Pensar desde la anacronía permite ensayar una genealogía crítica del lenguaje híbrido que llamo “tecnodanza” para ofrecer algunas respuestas a estas preguntas. El capítulo propone un “montaje de tiempos heterogéneos”, como diría Didi-Huberman (2005), para delinear el discurrir de la tecnodanza como una tendencia que atraviesa toda la historia de la danza espectáculo occidental de los siglos XX y XXI.

Dauberval was invited to Turin three times: in 1758/59 and 1770/71 for the three ballets in the two operas of the Carnival season (in 1771, also for the dances within the Pastorale Issea). The invitation of 1775 concerns the dances in L’Aurora, Festa per musica. In all cases, Dauberval follows the Noverre’s choreographic line of the mid-fifties, while bringing the style and taste of the Paris Opéra. This is a choice linked both to the particular occasion (marriage between members of the House of Savoy and the French Royal House) and to a conservative line of the Turin Theatre.

In Butoh and Suzuki Performance in Australia: Bent Legs on Strange Grounds, 1982-2023, Marshall considers how the originally Japanese forms of butoh dance and Suzuki’s theatre reconfigure historical lineages to find ancient yet transcultural ancestors within Australia and beyond. Marshall argues that artists working in Australia with butoh and Suzuki techniques develop conflicted yet compelling diasporic, multicultural, spiritually and corporeally compelling interpretations of theatrical practice. Marshall puts at the centre of butoh historiography the work of Tess de Quincey, Yumi Umiumare, Tony Yap, Lynne Bradley, Simon Woods, Frances Barbe, and Australian Suzuki practitioners Jacqui Carroll and John Nobbs.

El videolit té voluntat de transversalitat i és multidisciplinar a l’explorar els límits de l’art a través de les noves tecnologies, incorpora la poesia com a sement creativa, incideix en la importància de la creació com a font de lleure i instrument del creixement intel·lectual, defensa la literatura i l’expressió audiovisual com a eina de fixació i desenvolupament del pensament, i permet treballar diferents sistemes de representació a partir de la vertebració entre treball individual i en grup i de tres línies que es retro-alimenten: la creació, l’educació i la divulgació, per mostrar que hi ha poesia més enllà dels llibres i dels escriptors.

La tecnologia cada cop juga un paper més important a la nostra societat, en què el món de l'art no queda enrere. Cada vegada més, les institucions culturals aposten per la utilització de la tecnologia digital en els seus espais per tal de divulgar l'art. Sovint se sol confondre el que és l'art digital i el que són les iniciatives o propostes digitals (experiència immersiva, augmentada i mixta). En aquest cas, el present article pretén diferenciar i clarificar què és cadascun d'aquests. La Història de l'Art (i la Història en general) necessita una revisió urgent i clara per tal de poder encabir aspectes actuals que no estan presents en el seu discurs. És el cas de Refik Anadal, Antoni Arola, Alba Corral o Random Internacional; són menys artistes que Joan Miró per utilitzar la tecnologia com a mitjà per crear les seves obres? Al mateix temps, l'aplicació de propostes digitals (a partir de la Intel·ligència Artificial) es presenta com una nova mirada i perspectiva per percebre la imatge. De fet, s'erigeix en una eina que permet conservar, investigar, divulgar, interpretar i reconstruir el nostre patrimoni cultural i artístic. Per tant, es pretén donar una visió de l'art digital i les propostes digitals a partir de casos concrets per tal de poder mostrar les noves iniciatives artístiques que estan sorgint i que es presenten com el futur dins el món de l'art.

This research aims to narrate and identify the diasporas of African dances and their influence on Jazz Dance from a post-colonial perspective. Many books on the history of Jazz Dance often overlook these African influences, presenting erroneous terminology and lacking data on the dances that significantly impacted Jazz Dance. The findings emphasize the importance of recognizing African references and understanding that dance goes beyond movements originating from Africa. It is deeply rooted in an African cultural ethos, which continues to shape and influence contemporary dance today. Unfortunately, cultural roots are often neglected, misrepresented, or erased from mainstream narratives. This underscores the necessity to reevaluate and reclaim these connections, allowing for a more complete and accurate understanding of the history of Jazz Dance. By acknowledging these African influences, we can give proper credit to the cultural contributions that have shaped this dynamic art form, offering a more inclusive and comprehensive narrative of its evolution.

Con un sentido de inclusión y vía exploraciones kinestésicas, la creativa e intérprete Cristina Flores Montes indagó en la manera particular como pueden percibir el mundo aquellos quienes están privados del sentido del oído y de la vista. Efectuando distintos laboratorios acerca de la comunicación intersensorial, ahondando en la toma de consciencia sobre sí y sobre el otro. Y, proponiendo a la vez, la senda del arte dancístico y audiovisual como medios de aproximación sensible a su trabajo sobre la mismidad y la alteridad, ponderando el conocimiento y el respeto hacia lo que nos diferencia.

DANCE, THE PIONEER HISTORIAN WOMEN GENERATION,
AND THE CASE OF THE ENCICLOPEDIA DELLO SPETTACOLO (1954-1967)

The essay aims to highlight the significant role of women as dance historians from the 1930s to the 1960s. These pioneer historian women worked as critics and editors of newspapers and specialized magazines, authors of books and encyclopaedias entries, leaders of institutions such as archives and libraries, researchers in the universities, teachers, and dancers in international companies. After having dealt with some major figures of the most active cultural contexts (Great Britain, URSS and United States of America), the essay focuses on the Enciclopedia dello Spettacolo by investigating the women agency in the field of dance and considering not only the international collaborations but also the contribution of the few Italians who took part in this prestigious editorial case.

Pre desetak godina upoznala sam kompozitora Ivu Maleca u hrvatskom gradu Rijeci. Razgovarali smo o našim muzičkim interesovanjima i delovalo je da među njima ima odveć malo poklapanja. U nekom trenutku, komentarišući moje istraživanje opere, Malec je izgovorio nešto što je imalo, otprilike, ovaj smisao (parafraziram): "Mislim da je prošlo vreme pevanja o stvarima. To je zastarelo! Zašto bi neko o nečemu pevao?" Ovo uznemirujuće pitanje mi je do danas ostalo u sećanju. Dakle, zašto bismo uopšte pevali, a naročito, zašto bismo o bilo čemu danas komponovali operu? Šta se i zašto zaista menja kada o nečemu pevamo, u poređenju sa situacijom kada o tome samo govorimo? Ovo Malecovo pitanje ja vidim kao žižekovsko. Ono je neka vrsta "pitanja prošivenog boda" koje ne zahteva samo odgovor, već i promenu koordinata čitavog polja značenja na koje se odnosi.

La propuesta intenta generar articulaciones interpretativas integrales, que, a partir de lo corporal, enriquezcan las posibilidades expresivas y de integración y de proyección de contenidos de carácter: anecdótico, temático, o de estructura de pensamiento. Lo que se produce a partir de la creación de partituras de acción o de movimiento, a las que se carga de discurso a través de laboratorios de indagación, o vía la dramaturgia del actor / bailarín.

The article deals with the concept of dance archive from a transnational point of view with the intention of provincializing the term and making reflections from the Global South. The starting point is the common thoughts that have crossed our training and career as dance scholars, researching in a specific place-Brazil or Argentina-and studying dance history in connection with local artists whose conditions of access to documents are precarious. Aware that the archive is not homogeneous, we systematize and show how dance archives are adopted in Argentina and Brazil, respectively. The article argues that archives dance, are in motion, are choreographies and can be choreographed (in the organization of the past and through new research). Therefore, the strict separation between a fixed archive and the ephemerality of dance is questioned.

"Nommer Femme belle de jour" es una obra viva. Un conjunto visual, que en continuo proceso desde 2002, no ha dejado de crecer, siempre fiel a la inmersión en el mundo interior de la artista, evolucionando en paralelo a ella. La obra está configurada por fotografías de gran formato cuadrado, en color y en blanco y negro, realizadas mediante un gran abanico de técnicas que van de la fotografía analógica a la digital, de la polaroid al escáner. Se trata de una sucesión de imágenes fragmentadas, caleidoscópicas, realizadas desde una sorprendente miscelánea de puntos de vista y con diferentes grados de definición, que partiendo del ámbito de la biografía personal generan una impresionante reflexión sobre el ente femenino.

Ce travail porte sur les performances scéniques qui naquirent à Cuba de la rencontre entre l'idéologie marxiste, officiellement adoptée par le gouvernement depuis 1961, et les religions afrocubaines, pratiquées sur l'île depuis l'arrivée des premiers esclaves africains. D'un côté, le gouvernement révolutionnaire entreprit de transformer les rituels afro-cubains en folklore national, tout à la fois pour en neutraliser la portée religieuse et pour les intégrer au patrimoine d'une nation en pleine construction. De l'autre, il exigea au fil des années un militantisme croissant de la part des artistes et notamment des dramaturges, auxquels il était demandé de produire un théâtre social, au service d'une cause politique résolument athée. Ces deux univers, celui des rituels afro-cubains et celui du théâtre engagé, étaient donc a priori bien distincts. Certains dramaturges entreprirent cependant de les mettre en contact :