Black Metal

In this essay, I wish to analyze the shift in anti-religious sentiment in heavy metal music from the days of the “Satanic Panic” to today. I claim that much of the idea of “Satanism” which certain  conservative American groups associate with this genre of music stems not from the music itself, but rather from discourses external to it. Moreover, I contend that the explicit anti-religious references in current heavy metal music emerge as a direct response of rock artists to the many  accusations of “Satanism” which conservatives have put forward over the years. Thus, in the first part of this essay I shall analyze the lyrics of twelve songs taken from three popular American metal bands and artists active after 1990. Afterwards, I will use discourse analysis in order to  see what sort of relationship arose between metal artists and their most vocal opponents, during the “Culture War '' and in its aftermath. Finally, I will connect the aforementioned findings in order to prove my point.

Forsideillustrasjon: S14720.12 Bunnskår / Hel bunn av kokekar (ikke spannformet). Funnet in situ i gulvlag på Hølland, Rogaland. Funnet er ikke saerskilt omtalt i artikkelen i dette nummeret, men foto inngår i den samlete dokumentasjonen fra utgravningen. Det skarpe skillet mellom svart/brunt i skårenes profil skyldes brenning med dyremøkk som også ble påvist i ovnsanleggene på lokaliteten. CC-BY foto: Anette Graesli Øvrelid, AM, UiS. Vi ser fram til å høre fra deg!

Har du hørt om Fra Kristiania-Bohêmen?
Det intense, eksistensialistiske frihetsmanifestet som ble beslaglagt samme dag det utkom den 12. desember 1885? Arbeidernes frigjøring på 1930-tallet førte nemlig til het debatt om denne boken, som på sikt førte at boken igjen så dagens lys, men ikke før desember 1950.

Hervör sem dúvida foi um nome a despertar a criatividade de artistas escandinavos ao longo dos tempos, a figura de mulheres guerreiras desperta o interesse em leituras como as Eddas e as Sagas e nas representações românticas do séc. XIX na Escandinávia, neste artigo discute-se algumas visões da mulher guerreira da Era Viking, em contrapartida com o que se sabe arqueologicamente sobre elas, e a ótica
utilizada na figura da Hervör de Peter Arbo e a Hervör homenageada na canção
da banda Månegarm.

This article pioneers an exploration of the child and childhood in metal music. Using a grounded-theory approach, it examines the prevalence of 'the child' in metal music lyrics. The findings reveal a strong correlation between childhood imagery and specific metal subgenres, indicating that children's representation in metal serves both aesthetic and social diagnostic purposes. These representations of the child reflect broader cultural constructs. They engage with common topics associated with the child, such as hope or despair for the future, the idealization of nostalgia and childhood innocence, and the impact of trauma over generations. The child is used to create pathos across genres; she is named in passing and used to shock. Ultimately, however, metal music does not challenge dominant constructs of the child. This article offers a brief introduction to the constructivist turn in childhood studies and highlights aspects of the common mythos of childhood. Metal music uses unquestioned norms around childhood to support its genre expression and emotional affects. The child thus plays an integral role in defining the cultural and aesthetic essence of metal music.

"Allure is a special and intermittent experience in which the intimate bond between a thing's unity and its plurality of notes somehow partially disintegrates" (Guerrilla Metaphysics , p.143) Wolf tones tend to be characterised as unwanted octaval pulsing resonances in orchestral music found on stringed instruments. There is considerable literature on how to avoid or get rid of them, even equipment that has been created to eliminate them from performances and recordings. Allure and the plurality of notes caused by wolf tones obscure the designated notation from being heard in a pure form as these accidental harmonics cry across Ebs and G#s, screaming and lamenting over the purposeful and desired notes. It is this undesired liminality of sonorous wailing and destructive capability that imposes itself upon the intended. These howling wolf tones are not unwanted. Black metal has tended to embrace their abyssic qualities as their otherness and sonic representation of the void offer a door into the unknown, sonically and performatively. Black metal's preoccupation with the occult, in ritual and performance is well documented from bands such as Mayhem, Behemoth, Darkthrone and Denigrata that demonstrate what the occult sounds like to its adherents.

Muinaiset jumaltarut ovat erottamaton osa black metal -musiikin ja -kulttuurin kuvastoa. Lukemattomat genren yhtyeet ovat ammentaneet jo vuosikymmeniä inspiraatiota oman kulttuurinsa esikristillisestä menneisyydestä ja muinaisista jumalista. 1 Muinainen mytologia ja jumaltarut ovatkin olleet black metalin keskeisiä teemoja yhdessä satanismin, okkultismin ja nihilismin tapaisten aiheiden kanssa viimeistään 1990-luvulta lähtien. 2 Huolimatta norjalaisten, osin myös suomalaisten 3 ja ruotsalaisten 4 , yhtyeiden noususta genren keskiöön -josta kohta tarkemmin -soitettiin black metalia 1990-luvun alkaessa muuallakin. Hyvin omaperäinen ja merkittäväkin ilmiö oli jo 1980-luvun loppupuolella syntynyt kreikkalainen black metal. Verrattuna pohjoismaisiin genren edustajiin kreikkalaiset yhtyeet sovelsivat raakaan äänimaailmaan pehmeämpiä, perinteistä heavy metalia lähempänä olevia sävyjä ja rauhallisempaa tempoa. Voidaan sanoa, että genrelleen ominaisesta synkkyydestään huolimatta kreikkalaisen black metalin äänimaailma on lähempänä välimerellistä lämpöä kuin pohjoisen kylmiä metsiä. 5 Merkittävimmiksi kreikkalaisen black metalin pioneereiksi nousivat muun muassa kaksi ateenalaisyhtyettä: Varathton ja Rotting Christ. 6 1 Tunnetuin esimerkki lienee muinaisskandinaavisen mytologian käyttö norjalaisessa black metalissa. Ks. esim.

This thesis documents practice-led research exploring the intersections of, and tensions between, improvised invocation ritual within a chaos magick paradigm and Buddhist insight meditation. I explore the extra-normal self-those aspects of consciousness not usually present, or not usually accessible, in day-to-day life-by mean of improvised ritual work with the extra-normal voice and seek to maintain a Buddhist 'witness' consciousness throughout these explorations. I also explore the tensions between politics, aesthetics and spiritual practice; in particular, queer and trans politics, a timbre-centred vocal aesthetics and chaos magick, shamanic and Buddhist spiritual practices.

The piece consists of nine (or ten) sections alternating between free and scored; the scored sections all consist of silences of different qualities asking the players to explore ways to facilitate the scored silences. In composing with scored silences, the piece attempts to challenge the idea of silence as a transcendental signifier (or of signifying nothing) and seeks to question the assumption that a piece can convey particular experiences for an audience—silences, in particular, can evoke vastly different responses in people experiencing the ‘same thing’. In this sense, one might read the piece as ‘impossible’ and/or an exploration of the impossibilities of communication, but hopefully one that pushes the players (and perhaps audience) to explore these impossibilities with more rigour or attention to detail

This paper examines the enduring tension between witchcraft and Christianity, particularly in African contexts, through the existential lens of Danish philosopher Søren Kierkegaard. By invoking Kierkegaard's categories of despair, dread, the leap of faith, and the concept of the individual before God, this study seeks to understand the psychological and spiritual forces that drive some Christians to simultaneously profess faith in Christ while fearing witchcraft. The paper contends that Kierkegaard's thought offers a critical pathway for liberating Christian consciousness from superstition and fear through radical inwardness and personal faith.

This chapter presents an analysis of the Danish black metal artist Myrkur’s
song Ulvinde: p. 117. (She‑wolf) as a feminist digression from previously established expressions of the black metal subculture and music genre as a masculine sphere. In this context, digression should be understood as a deviation from an established norm, not as an abrupt break from its mainstream, but as a slight inching or nudging away from that which is considered its norm. Myrkur as an artist largely makes use of the same signifiers that make up the total cultural expression of black metal as a music genre, but, in turn, gently pushes them along a digressive trajectory that establishes a feminist space in a male‑dominated arena. I take a semiotic approach in this analysis, focusing on signifiers that express cultural concepts inherent to black metal music.

Black metal is steeped in a harsh, raw, dissonant sonic world. Its misanthropy and blasphemy are screamed into the void. However, this is not the whole story. Black metal has always also been about songs and atmospheres, and many acts have taken it into a more melodic, harmonious and/or dreamlike direction. I will argue that this should not be dismissed as an abandonment of black metal's 'purity', much less a commercial sellout. Bands such as Blut Aus Nord, Wolves in the Throne Room, Deafheaven, Alcest and Lustre have hardly scored mainstream commercial success, but their body of work brings both melody and meditative immersion into the heart of a recognisably black metal ambience.
This essay will argue that such experiments in sound offer a mutation of black metal, not its surrender; and that it is possible to encounter the radical, iconoclastic spirit of the music in what could be called a blackened naiveté which resists the attempts of even black metal purists to define and domesticate it.

Contracted with Anthem press, tentatively scheduled for publication early 2027.

The book offers a set of coherent reflections upon - or rather, performances of - ‘black metal theology’. Like black metal theory, black metal theology is a mutual blackening and complication of black metal and theology. It is not merely an attempt to think theologically upon the body of black metal, or to extract its themes, but to hear black metal as a discourse on God, a talking/singing/making heard of God in which divine simplicity is fatally compromised, while releasing divinity into the transmutatative power of decomposition. The texts vary from more standard academic explorations to more experimental forms, in order to multiply the genres of theology and make its limits porous. The form reflects the guiding idea of the content: to challenge notions of divine simplicity and immutability and to construct a radical theology of a divine that decays and the divinity of decay itself. Decay is a processual, multiagency, creative process in which the boundaries between life and death, the organic and inorganic are complicated. Taking inspiration from Nietzsche (‘Gods too decompose’) and Derrida (‘there is no simplicity in God’), the essays presented here trace the processes of decay through theological motifs of creation, incarnation and resurrection in order to construct a heretical notion of demonic/divine sovereignty made audible in its own decay into corrosive sound.

La storia del Project inizia nel 1974, quando Alan Parsons, londinese ventiseienne ed Eric Woolfson, scozzese di 29 anni si incontrano negli studi di Abbey Road, a Londra. Il primo è di casa negli studios, visto che in quel tempio della musica ha iniziato a lavorare sin dall'età di 19 anni, come tecnico del suono per i Beatles e i Pink Floyd. Partecipa alla realizzazione di album che hanno segnato la storia del rock come Abbey road e Let it be dei Beatles, The dark side of the moon e Atom heart mother dei Pink Floyd. Nel 1976 collaborerà con Al Stewart per la realizzazione del celebre album Year of the cat. Eric Woolfson è invece un avvocato alla soglia dei trent'anni e si diletta nel tempo libero come session man. La passione musicale dello scozzese la eredita dallo zio che a Glasgow suonava il pianoforte e che lo ispira a voler diventare un musicista. Eric inizia a suonare il piano da autodidatta ma non è in grado di leggere la musica. Ben presto riesce a lavorare come turnista al pianoforte con artisti del calibro di Jimmy Page e John Paul Jones che in seguito formeranno i Led Zeppelin, riuscendo a fissargli un incontro con Andrew Loog Oldham, il produttore discografico dei Rolling Stones. Da questo momento Eric riesce a far breccia nel mondo musicale, collaborando con diversi artisti di fama ed è in questo periodo che ha l'idea di realizzare un concept album ispirato a Edgar Allan Poe: sarà il motivo dell'incontro con Alan Parsons. Alan Parsons in quel momento invece decide di lasciare i Pink Floyd e come da lui stesso affermato: «Fu una decisione difficile. I Pink Floyd mi fecero un'offerta generosa, ma avevo appena avuto un singolo nella top ten del Regno Unito come produttore. Così risposi che mi ero stancato di lavorare come ingegnere del suono per i Pink Floyd e che avrei portato avanti la mia carriera da produttore. Ebbi un incredibile successo nel Regno Unito, con due singoli consecutivi al primo posto della classifica dei singoli. Mi sembrava di fare la scelta giusta, rifiutando quel lavoro per i Pink Floyd. Mi offrirono un lavoro come ingegnere del suono a tempo pieno in studio e dal vivo. Lo rifiutai, ma era la cosa giusta da fare. Non avevo alcuna intenzione di diventare un semplice impiegato nello staff dei Pink Floyd. Wish You Were Here non fu un lavoro mio, ma di altre persone». I due singoli da produttore di Alan Parsons al numero 1 nella UK chart nel 1975 sono January dei Pilot e Make me smile dei Cockney Rebel. L'apporto del leggendario ingegnere del suono e musicista, Alan Parsons, sull'opera dei Pink Floyd, si era rivelato, a dir poco, fondamentale. Alan Parsons aveva collaborato con la band nel corso delle sessioni d'incisione del disco che, da molti, viene considerato come il capolavoro indiscusso dei Pink Floyd e che, in ogni caso, rappresenta una pietra miliare nella storia della musica contemporanea. Parliamo del monumentale Dark Side Of The Moon. Ed è così che nasce l'incontro tra Parsons e Woolfson, quando entrambi percepiscono di possedere talenti che si completano a vicenda ma è Parsons, stufo ormai di essere comprimario per altri a chiedere a Woolfson di fargli da manager. Nasce così il Project che, nato ufficialmente nel '75, assumerà il nome dell'ex tecnico del suono dei Beatles e Pink Floyd. per una nuova casa discografica. Arista reagisce, intentando una causa multimilionaria per violazione del contratto, mentre The Sicilian Defense rimane inedito. La richiesta dell'etichetta di un nuovo album nel 1982 viene, tuttavia, soddisfatta da una raccolta Best Of contenente una nuova canzone, You Don't Believe. You Don't Believe riappare nell'album successivo, Ammonia Avenue del 1983, con la voce di Woolfson, così come Vulture Culture del 1984. Entrambi gli album portano in primo piano sintetizzatori ed elettronica, oltre al sassofono. Vulture Culture, tuttavia, non vende le tante copie di Eye In The Sky e di Ammonia Avenue, mentre il successivo album del 1985 Stereotomy non se la passa nemmeno così bene. Con le vendite in calo e le nuove star come Whitney Houston in ascesa nel roster dell'etichetta, Arista è ora più che disposta a concedere un po' di riposo a Parsons & Co. Durante questo periodo, il Project produce la colonna sonora completamente strumentale di Andrew Powell per il film Ladyhawke, che genera polemiche per la presenza di rock and roll contemporaneo e synth-heavy in un ambiente medievale. Il 1987 vede l'uscita di Gaudi, un album sottovalutato sulla vita e gli obiettivi dell'architetto spagnolo Antonio Gaudi, ma quello che nessuno sapeva all'epoca è che risulta essere ufficialmente l'ultimo album di Alan Parsons Project. Dopo Gaudi, Woolfson inizia a lavorare sulle idee per il prossimo album di Project, Freudiana. Ma avendo sviluppato un fascino per i musical teatrali (e in effetti, molti critici nel corso degli anni avevano paragonato le canzoni più grandiose del progetto Alan Parsons al teatro musicale), Woolfson si interessa a trasformare Freudiana in una pièce teatrale. Con diversi successi sia come co-sceneggiatore che come cantante al suo attivo, Woolfson non impiega molto a radunare investitori e artisti interessati a mettere in scena la produzione, ponendo così fine all'Alan Parsons Project. Woolfson continua a creare musical, basandosi sugli album del Project e sui relativi temi, tra cui Gaudi, The Turn Of A Friendly Card, e Freudiana (anche se quest'ultimo lavoro non è attribuito al Project, pur avvalendosi della scuderia di musicisti del gruppo e delle voci, tanto di Woolfson, quanto di Parsons. Con Woolfson fuori dal gruppo, Parsons decide di andare avanti, ma senza il nome "Project", poiché avverte che la band non sarebbe stata la stessa senza le composizioni e la voce di Woolfson. Come con tutti i suoi album precedenti, Parsons continua a non cantare come voce solista, ma solo quando necessario e preferisce rimanere nella cabina di mixaggio. La maggior parte delle canzoni vengono scritte dagli stessi membri della band, che avevano mostrato le loro abilità nell'album Keats prodotto da Parsons e il risultato porta nel 1993 all'album Try Anything Once. Sebbene Parsons abbia detto di essere impegnato a preoccuparsi della musica, per dettare un tema coeso ai cantautori, sembra comunque trasmettere un messaggio di rischiare e fare o dire cose che non si potrebbero fare o dire altrimenti. Arista pubblica l'album, ma le vendite deludenti (nonostante un breve aumento del supporto dei canali radio e video musicali per il singolo "Turn It Up") lasciano Parsons senza un'etichetta per il suo prossimo album. Durante la pausa tra gli album, Parsons e la sua band hanno fanno qualcosa che non avevano fatto dalla spinta promozionale per Tales Of Mystery And Imagination nel 1976: hanno organizzato un tour mondiale con una sezione trasversale del nuovo materiale da Try Anything Once e tutti i loro album precedenti, incluso Tales.

A retrospective of Running with the Devil: Power, Gender, and Madness in
Heavy Metal Music by Robert Walser (1993), one of the first academic books written about heavy metal; subsequent metal research has often grown in complementary directions, emphasizing topics which Walser neglects while avoiding topics Walser discusses at length.

Following on from current debates about historical reenactment linked to right-wing extremism, the German reenactment group Ulfhednar is analyzed as an example of how strongly archaeologically inspired historical reenactment can be interwoven with branches of the subcultural fields of black/pagan metal and neopaganism showing politically extreme right-wing thought patterns. Asking how these respective fields may influence each other, the chapter shows how history reenactment of, e.g., the Germanic or Viking period can be based on accurate reconstructions/replicas of genuine archaeological finds while likewise perpetuating narratives of 19th/early 20th-century neopagan romanticism and völkisch ideas. Clearly detached from current academic discourse about the complexity of ancient societies an ancestral understanding of Germanic and Aryan ethnicity is revived that had provided the alleged historical essence for racist ideologies and politics in the early 20th century. Connecting historical reenactment with the historicizing (sub)cultures of modern ethnic paganism and the black/pagan metal music scene can powerfully link performative and sensually experienceable ways of history appropriations with extremist political agendas. Since open-air museums and similar forms of archaeological heritage maintenance frequently serve as scenery for reenactment performances they might add officially warranted credibility to such politically distorted conceptions of the past raising the question if reenactment practices could even function as an enforcement of politically constructed narratives of the past.

L'intervista è apparsa originariamente sul mio blog di musica 1) Ciao e benvenuti! Presentatevi ai nostri lettori! Ciao e grazie per la disponibilità e lo spazio! Il progetto Ierru vuole unire le sonorità tipiche del Black Metal alle tematiche relative alla cultura sarda. Oltre a me (Roberto -scream, chitarre e basso), al progetto hanno partecipato anche Marco Proietti (voce in growl), Marco Scanu e Marco Brivio (assoli) e Salvatore Taras (che si è occupato dell'adattamento e della traduzione dei testi in sardo-logudorese). 2) E' davvero interessante il vostro concept! Ma andiamo con ordine. Prima, il monicker: Ierru. Nelle note biografiche avete scritto che significa "Inverno" in lingua sarda-logudorese. Cosa vi ha portato a scegliere questo nome, in particolare? Il nome è stato scelto perché ritenuto "evocativo" e ben rappresentativo di certe atmosfere che volevamo trasmettere attraverso la nostra musica e i nostri testi. Ierru è anche il titolo di una delle canzoni presenti nell'album, che ha come

Interview for Norwegian paper Klassekampen about the key Ukraine's mobilization problem:

"A popular explanation is the inadequacy of weapons provided by the US and Europe. Another explanation highlights the fact that it is practically impossible to demobilize; if you are conscripted, you must serve until the end of the war or until you are injured or killed – or until you desert, explains Ishchenko.
“Many Ukrainians fear that indefinite service is tantamount to a one-way ticket to the front,” The New York Times wrote in October.
But Ishchenko and his team are promoting a different explanatory model. And the key words in their analysis are the state and class.
– Our research shows Ukraine as a post-Soviet state with low legitimacy among its citizens, a state that has provided less and less in terms of pensions, health and infrastructure for over 30 years – a state that is distancing itself from its people, a state that cannot be trusted, Ishchenko elaborates."

Baal-cykeln är en viktig representant för den kanaaneiska mytologin som var okänd, förutom vad Bibeln nämnde om, fram till mars 1928 då en bonde vid Nordsyriens kust plöjde in i en stenplatta som visade sig täcka över en gravkammare. Det här ledde till utgrävningar som uppdagade den forna staden Ugarit. Platsen blev också känd under benämningen Ras Shamra. Där fanns ett bibliotek med kilskriftstavlor varav Baal-cykeln är kanske den mest kända texten.

This essay is one attempt to address the mind-boggling question: why are we in such denial about the likely extermination of everything. I explore this problematic from a soul phenomenological perspective.

"Our current notion of the end of the world (apocalypse) is determined by the style of consciousness that we are today. This style of consciousness can only think the present as logically interpenetrated by the imagined past and by the imagined future, as based on that imagined past. In other words our structure of consciousness insists on linear continuity of time. We cannot think otherwise. Temporal linear continuity defines our current structure of consciousness. When we therefore think the apocalypse we must think in terms of some kind of continuity—a remainder as it is called today. Our present structure of consciousness is simply and fatally unable to think the apocalypse as total, i.e., without remainder. As one author succinctly asks, “can thought go along with its own destitution and ruin?” There seems to be no indication that thought or our present structure of consciousness can “go along with its own destitution and ruin.” We seek in every way possible in imagination to preserve the continuity between our origins and our future, and thus ourselves in our psychological reality, over-riding or erasing the most obvious objections."
We are in total denial! (edited April 2025)

The image of the forest serves as a key symbol in atmospheric black metal, facilitating a connection with the past—an essential component of this music genre's conceptual essence. It also conveys a unique attitude toward nature, often juxtaposed with culture. However, for bands from Russia, the forest additionally functions as an ethnoscape, a significant element of national identity. Some Russian projects further complicate this stereotype by transforming it into a political statement, addressing ecological issues relevant to both global and local narratives. Such an approach is exemplified in Elderwind’s concept album Fires, which highlights the problem of forest fires in the Ural and Siberia, as well as in the ecological manifesto of the duo Grima, who dedicate their creative work to the enigmatic master of the forest. This paper aims to explore how the image of the Russian forest is utilized on visual, textual, and musical levels in the Elderwind project and by bands from the roster of the Slowsnow Records label, which specializes in atmospheric black metal with a forest theme.

ROT ISSUE ONE 2023: IMMUNITY
Sara Manente (ed.)

ROT is the catalogue for a community of practices.
ROT is a medicine and a ritual. The prescription for a new therapy.
ROT is a manual without instructions. A map. A party.
ROT touches upon sci-fi doomed scenarios.
ROT works within the ruins of the future.
ROT engages in weird beautification processes.
ROT uses mushrooming as a research method.
ROT hosts essays, stories, poetry, interviews, visuals, recipes, horoscopes and more.
ROT is mouldy.
ROT is glossy and asks to be touched.

With contributions by Adrijana Gvozdenovic, Agnese Krivade, Alix Eynaudi, Anne Juren, Asli Hatipoglu, Carolina Mendonça, Cécile Tonizzo, Coline Gautier, Daniele Gasparinetti, Deborah Robbiano, Eleanor Ivory Weber, Elke Van Campenhout, Ēriks Ašmanis, Eve Gabriel Chabanon, Gary Farrelly, Goda Palekaite, Günbike Erdemir, Jaime Llopis, Jennifer Russo, Jeroen Peeters, Jonas Palekas, Kristin Wiking, Lucia Palladino, Luciano Maggiore, Marko Gutic Mižimakov, Michelle Anay Woods, Muna Mussie, Muslin Brothers, Natasha Papadopoulou, Nina Janela, Norberto Llopis, Paloma Bouhana, Peggy Pierrot, Sandra Muteteri Heremans, Santiago Ribelles Zorita, Sara Manente, Sébastien Tripod, Sina Seifee, Sofie Durnez, Wilson Le Personnic.

The allure of the Pagan past—the prehistoric and early medieval eras before Christianisation—pervades modern media, from fantasy novels and video games to Viking TV series and comics about ancient heroes. This volume explores the deeper, more political currents running through the popular fascination with these distant times. Focusing on three key areas—historical reenactment, ethnic Neopaganism, and the metal music scene—the book examines how these fields not only entertain but also serve as powerful vehicles for political ideologies.
The collected essays explore how these “popular Pagans” create romanticised images of pre-Christian societies, idealising their perceived naturalness, ethnic purity, and martial heroism. Drawing on ethnicist thinking, ancestral identification and nostalgia for an unadulterated past, these portrayals often disregard current scholarly discourse. Instead, they perpetuate outdated narratives, that are more in line with far-right ideals, fostering exclusionary beliefs and anti-democratic rhetoric. Based on research discussions initiated at the Leibniz Institute for the History and Culture of Eastern Europe, this volume is the first to shed light on the political role of the Pagan past in contemporary Germany, Poland and Hungary.

Prima di vedere gli aspetti distruttori di Kali e Shiva, un breve accenno alla "demonologia" vedica. Nell'India antica l'energia negativa è incarnata già nei Veda negli Asura, termine che originariamente significava "signore potente, dio". Asura è soprattutto il potere di creare e provocare le creazioni a mezzo della forza magica e dell'illusione delle esistenze. E, poiché di questo potere si servono anche i nemici degli Dei e degli uomini, generando illusorie immagini della loro forza, nella storia religiosa posteriore il termine Asura venne ad indentificare i demoni, portatori di un mondo di tenebre che si oppone al mondo di luce. Spesso il potere demoniaco è rappresentato da esseri personali o neutri, designanti il rischio e le conseguenze del rischio. I demoni hanno aspetto misto, in composizioni teriomorfiche orrifiche, in forme antropomorfiche, nelle quali le strutture umane vengono confuse, capovolte, annullate nella loro armonia funzionale (demoni a tre teste o senza testa, senza gambe e dita), quasi ad indicare il riaffiorare di uno stato di caos, di indiscriminazione, di opposizione all'ordine. Gli Asura, nel valore demoniaco, sono l'illusione magica trascinante, il potere taumaturgico nefasto, la felicità inesistente perché non sostanziale. Raksas sono gli spiriti del male in genere, Pishaca sono i lemuri che divorano la carne dei cadaveri, Yathudhamas sono i demoni che intervengono nel rito sacrificale rendendolo vano ed inefficace, ma anche gli ispiratori degli stregoni. Arbudi è il Signore del campo di battaglia che sparge la morte. Vrta è il mitico drago serpente che impedisce alla pioggia di scendere e che Indra (*) uccide. I demoni portano morte e malattie, disonestà, violenza; tormentano in particolar modo le partorienti, le giovani spose, inaridiscono le forze vitali, la vegetazione. E perciò il fedele per difendersi da loro si affida alle potenze divine e luminose, ad Agni, distruttore igneo dei demoni, ad Indra, a Soma: "Oh Indra e Soma, bruciate il demone, reprimetelo...

Artykuł porusza temat transgresji w muzyce popularnej, analizując sposoby przekraczania fizycznych granic albumu muzycznego. Po krótkim prześledzeniu historii albumów muzycznych autor omawia pomysły muzyków rockowych na ominięcie ograniczeń dwustronnych płyt długogrających (m.in. albumy podwójne, potrójne, płyty winylowe z zapętlonymi rowkami, „nieskończone” longplaye) – odnosząc się do koncepcji transgresji Józefa Kozieleckiego. W zakończeniu autor porusza kwestię „śmierci albumu muzycznego”, prezentując argumenty za i przeciw tezie o utracie zainteresowania tzw. album-oriented rockiem spowodowanej popularyzacją płyt CD, plików MP3 i serwisów streamingowych.

Jotunheim, Jotunhem eller Jättehem är i nordisk mytologi jättarnas och de andra onda makternas värld, beläget bortom Asgård och Midgård. En tolkning av jättarnas värld: Mellan Asgård och Jotunheim flyter floden Ifingr (Vimur, Donau) som åtskiljer världarna Midgård (central Europa) och Jotunheim (den mäktiga Romarriket). Bortom Elivågor ("de stormpiskade vågorna", Golfström) finns borgen Utgård (Vinland/Venland= sidland, Amerika). Asgård är själva Skandinavien.

O grindcore e uma dissidencia mestica do punk e do heavy metal , em suas vertentes mais rapidas e pesadas, surgidas nos anos 80. A brutal cacofonia marca sua postura anticomercial, e as perspectivas libertarias de suas capas e letras expoe a radicalidade de seu posicionamento politico. A intencao deste texto e promover um dialogo entre a ecologia, a educacao e o grindcore , partindo da concepcao desse ultimo como um criador de perspectivas ambientais e formativas menores e libertarias, nao alinhadas as perspectivas hegemonicas e institucionalizadas. Os conceitos de infâmia e “saberes insurrectos” sugeridos por Michel Foucault possibilitam potencializar o grindcore como agente de construcao de outras verdades e historias.

1. Editorial: Halloween: Cultural and Experiential Entanglements - Jack Hunter
2. The Night of Exception: Understanding Halloween through Schmitt's Political Thought - Bruce Peabody
3. Jack-o'-lanterns, will-o'-the-wisps, and ignis fatuus: Making sense of ghost lights-Andrew Dean and Sylvia Dean
4. Memoirs of a Halloween Enthusiast - Kaja Franck
5. "We sell Hell, so suffer well!": Exploring 'positive' pathogenic possession-Andrew Dean
6. Biographies

Metal T-shirts represent a fusion of music, identity, and ideology. This case study approach explores the meaning of the metal T-shirt. Findings show that the metal T-shirt had several signatory functions, such as personal taste and a provocation against the general social structure. The T-shirt represented a visual identity, and it showed a mastery of a communicative act. The study demonstrates how products, such as T-shirts, are a part of transmedia storytelling in heavy metal culture. Background: The meaning in a T-shirt This paper explores how the T-shirt can have a role in everyday cultural metal practice in which music, identity, and ideology fuse into an aesthetic experience. Snell and Hodgetts state that a T-shirt can be a material representation of social relations (Snell and Hodgetts, 2007). They connected this argument to studies of material culture, such as Tilley’s (Tilley, 2006), which promotes the idea that a core component of the social negotiation of a shared identi...

Queríamos, e ainda queremos, de todas formas, pôr em evidência a potência em ato da Música Extrema como manifestação legítima de uma anti/contra/sub/outra cultura, que, se por um lado, não se submete aos ditames do capital, do Estado, da religião, da militarização, das hierarquias familiares patriarcais, ao mesmo tempo estava, por outro lado, recheada de contradições, violências e más contaminações da sociedade que essa mesma Música Extrema ansiava em rechaçar.