Teoria E Critica De Arte

This dissertation examines how Ernest Mandel (United Secretariat – Fourth International) and Tony Cliff (International Socialists / Socialist Workers' Party), two leaders emerging from Trotskyism, investigated and positioned themselves regarding the collapse of the Soviet Union, in dialogue with the organizations they led. By analyzing articles and documents published in various activist periodicals between 1985 and 1992, it was possible to observe that despite defending divergent theoretical perspectives—the theory of the (bureaucratically) degenerated workers' state and the theory of state capitalism—both supported the end of the Soviet Union, albeit to different extents and in different ways. According to the perspective defended in this research, these alignments were primarily driven by social pressures that permeated the mentioned organizations, but also by the debates that marked the crisis of Trotskyism after World War II, when revolutions and Soviet expansion into Eastern Europe sparked discussions about revolutionary leadership, Stalinism, and the transition to socialism. Belonging to the same generation of activists as opponents, Mandel and Cliff ultimately converged in supporting the end of the USSR and in denying that capitalism had been restored after 1991.

Este artigo propoe analisar a utilizacao do argumentum ad verecundiam (argumento de modestia ou argumento de autoridade) como indicio do estilo de um autor. A premissa que orienta este estudo e que o argumentum ad verecundiam indicia a atuacao da categoria bakhtiniana de estilo (BRAIT, 2005), dentro da premissa de sua indissociabilidade, das categorias tema e forma composicional, nos generos do discurso (BAKHTIN, 2016).

Upac.academia.edu/vitorpordeus Arte e ciência, 21/09/2025 Introdução O caso de Reginaldo Rodrigues Terra, atualmente com 76 anos, representa um exemplo raro e paradigmático de recuperação de identidade, autonomia e dignidade após décadas de institucionalização psiquiátrica no Brasil. Hospitalizado aos 11 anos de idade, Reginaldo passou cerca de 58 anos em diferentes instituições, entre elas a Clínica de Paracambi-onde viveu trinta anos em condições reconhecidamente violentas-e o Hospital Psiquiátrico do Engenho de Dentro, onde residiu por mais três décadas. Em 2009, nos conhecemos neste hospital, quando se iniciou sua participação no projeto do Hotel da Loucura e, posteriormente, na Teatro Clínica DyoNises, experiências comunitárias que integraram teatro, clínica e saúde pública. Desde 2017, Reginaldo vive em uma residência terapêutica do município do Rio de Janeiro, e relata de modo consistente como a saída do ambiente hospitalar mais manicomial foi decisiva para a melhora de sua qualidade de vida. Neste artigo, apresento a trajetória de Reginaldo como um caso de estudo clínico e sociocultural, enfatizando o papel da arte, da performance e da memória como ferramentas de reconstrução subjetiva e política.

O objetivo deste artigo é apresentar a atividade de Gilda de Mello e Souza (1919-2005) em seus últimos ensaios como um dos mais reinventivos exercícios críticos que temos sobre literatura, espetáculo, artes visuais, escultura, fotografia, cinema e dança. Para isso, analisamos o conjunto dos ensaios presente em A idéia e o figurado (2005). Por um lado, sugerimos três elementos estruturais da crítica da ensaísta, a saber, “o objeto concreto”, “os traços desimportantes” e “a decifração de códigos”; por outro lado, buscamos relacionar essas estruturas, respectivamente, à formação da revista Clima, à proximidade ao método indiciário de Giovanni Morelli e à aplicação permanente e relativa da iconografia e da iconologia de Erwin Panofsky. Acreditamos que, em A idéia e o figurado, a crítica de Mello e Souza constrói-se, no mínimo, pela presença desses três elementos supracitados, além de aclimatar e atualizar as abordagens desses dois críticos de arte, reinventando a reflexão artística brasileira de seu tempo e porvir.

Neste ensaio sugerimos que a análise iconológica desempenhada por Gilda de Mello e Souza (1919-2005), a qual privilegia os objetos particulares e a valorização dos detalhes, se aproxima da de Aby Warburg (1866-1929), consideradas as devidas distâncias e relativizações. Argumentamos que, em oposição à análise estritamente formalista das imagens, ambos os intelectuais apontam em suas análises para um resgate da vida social a fim de compreender a arte, há muito preconizada pelo historiador da arte suíço Jacob Burckhardt (1818-1897).

O presente texto endossa a suspeita de Bento Prado Jr. (1937-2007) de que haveria certa continuidade entre os temas e o estilo de Mário de Andrade (1893-1945) e Gilda de Mello e Souza (1919-2005). Tomando a música como paradigma, ao retomar, uma a uma, as relações temáticas propostas por Prado Jr., propõe-se pensar o conceito marioandradiano de inacabado como um elemento da estética de Gilda. Espera-se, com isso, contribuir para uma compreensão mais aprofundada da forma ensaística em nossa autora enquanto um posicionamento, mais do que teórico, social.

Neste artigo defendemos que a formação intelectual de Gilda de Mello e Souza deu-se de maneira artesanal, refinando assim a caracterização geral, elaborada por Heloisa Pontes, em Destinos mistos (1998), de que os principais integrantes do grupo Clima detinham um conhecimento especializado. Para tanto, levantamos alguns dados biográficos de Gilda e discutimos três situações coletivas, a saber, gênero, locus e geração, articulando-os com a sua produção ficcional e crítica, a fim de mostrar, de modo introdutório, que tanto sua formação intelectual foi assistemática e suas "ferramentas" de análise foram desprezadas academicamente, quanto foi tardio o reconhecimento de seu pensamento.

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Si pensamos en que temer, juzgar y excluir lo diferente es una constante en el mandato de Donald Trump, habría que pensar que lo primero que hay que hacer es sostener un discurso de inclusión que no sólo reconozca las diferencias sino que esté en la constante búsqueda por comprenderlas y aceptarlas como algo normal que no debe tratar de erradicarse sólo por su condición de distinto. El museo puede ser un espacio propicio para incentivar este tipo de reflexiones, para detonar conciencia. Es decir, por medio de la exposición, del arte mismo, se genera un discurso crítico que muestra una postura plural que da pie no sólo a aceptar lo que desde el gobierno se rechaza, sino a comprender una realidad diferente por medio de cada una de las piezas. Así, mientras el solo acto de exponer las obras en este espacio puede ser considerado un potente discurso que aboga por la inclusión, la contemplación (activa) de cada una de ellas invita a la comprensión del otro, a la alteridad misma, que hoy en día tanta falta nos hace

Na obscuridade do espaço literário a palavra ressurge incorporada e consubstanciada de inúmeros sentidos e valores semeados no solo desértico de Ave, Palavra. Por meio dos movimentos de recuo da linguagem a opacidade da poesia roseana anula a representação de um significado primeiro, o verbo essencial já não se desvela como termo, porquanto se abre a uma intenção e transborda para outra realidade. Essa coletânea recria o mundo por meio de uma poesia sóbria, todavia essencial, decantada de uma linguagem vigorosa e enérgica que nunca se cansa de assombrar por sua natureza rebelde e inapreensível. Ave, Palavra comporta uma ação lírica articulada no espaço soberano da obra, um fenômeno que converte toda a superficialidade do mundo exterior em um dito incessante, inesgotável e avassalador. Pretendemos nesse trabalho, fundamentados nos estudos de Maurice Blanchot, estabelecer um diálogo acerca da transcendência abstraída da palavra essencial arraigada no solo poético de Ave, Palavra, tendo como escopo o poema Nascimento.

Este comentario medita sobre el viaje desde la honesta aceptación de un universo sin sentido inherente hasta la construcción activa de una vida con valor. Partiendo de la premisa de que el nihilismo es un punto de partida lógico y no un fracaso, el texto propone una redefinición del vacío: no como una condena, sino como un "lienzo en blanco" que invita a la libertad. Se argumenta que el sentido no se encuentra, sino que se edifica a través de la acumulación de compromisos y acciones deliberadas. De este modo, el antídoto más eficaz contra la desesperanza no es un argumento, sino el peso tangible de una existencia que ha sido creada, y no meramente aceptada.

Resumo: O artigo aborda a transcendência enquanto transfiguração do sentido comum para o uso de materiais "não-nobres", apresentando uma análise crítica das pesquisas plásticas e poéticas de três artistas visuais baseados na Baixada Fluminense, região periférica do Rio de Janeiro, articulando tal materialidade à relevantes aspectos da arte contemporânea e a construção de uma identidade territorial. Palavras-chave: transcendência, arte contemporânea brasileira, identidades territoriais, pesquisa em artes.

Se, por um lado, reconhecemos que os diferentes grupos humanos atribuem diferentes usos às imagens, por outro, a difusão cruzada do conceito de arte gerou inflexões, muitas vezes inconciliáveis, em suas funções sociais, deixando evidente a insuficiência, ou mesmo o proselitismo, do projeto humanista ocidental. Desta forma, com a crescente metropolização das sociedades não ocidentais, foi inevitável que esses diferentes usos e modos de agência entrassem em choque nos circuitos globais de exibição − o mercado de arte −, inscrevendo-se dentro dessa compreensão as feiras, as bienais e as grandes exposições institucionais. Esse advento tem levado, inevitavelmente, o discurso tradicional da arte ao estresse, exigindo que teóricos(as) e historiadores(as) o reformulem a partir de novas epistemologias críticas. Partindo desta crise epistemológica, o presente livro, ao reunir as reflexões apresentadas no II Colóquio Usos das imagens: circulação, circularidade e ciclos, nos convida a pensar como poderíamos nos aproximar de outros modos de abordagem da arte levando em consideração os diferentes contextos de seus usos e funções. Ao longo dos capítulos, pretende-se trazer à tona como as tensões entre a arte e a cultura nos têm levado a reconsiderar novas maneiras de formular a sua história, e compreender e expor seus objetos.

Conversatorio y presentación de los artículos del dossier especial sobre Marta Traba en el “Boletín Cultural y Bibliográfico” Vol. LIX N.º 108. Coordinadora del Dossier: Sandra Jaramillo Restrepo. Autores invitados:  Juan David Murillo Sandoval (Instituto Caro y Cuervo), José Ruiz (U. de los Andes), Adrián Celentano (U. Nacional de la Plata), Patricia Zalamea (U. de los Andes), Marcel Gonnet Wainmayer (U. Federal Fluminense).

This paper discusses the spectator participation in the poetic trajectory from the artist Lygia Clark. It was made a documentary research on texts written by Clark, in 1960s. In the study, was used as referential by the non-object theory (GULLAR, 1999), the critic production of the artist’s work (FABRINNI, 1992; MILLIET, 1994) and the analyses by Rolnik (1999). It was proposed as an interpretation from this trajectory a classification in three moments: objectual participation, the body-sensory and collective. It was concluded that, when finding the immanence from the act as generator of poetic, and gives it to the spectator, Clark goes towards the dematerialization of the art object and discovers, in collective dimension of human being, a radical creative ability.

Lynda Nead analisa o nu feminino ao longo da história da arte ocidental, criticando a sua
construção como ícone da “alta cultura” e símbolo da civilização. Segundo a autora, a nudez
feminina na arte pode ser situada em dois espaços contrastantes: (1) no cerne da alta
cultura, discurso da história da arte, ápice estético e, (2) na margem cultural, na borda, se
arriscando a perder a respeitabilidade.

Lynda Nead analyzes the female nude throughout the history of Western art, critically examining its construction as an icon of “high culture” and a symbol of civilization. According to the author, the female nude in art can be situated in two contrasting spaces: (1) at the very core of high culture, within the discourse of art history and as the pinnacle of aesthetic achievement, and (2) at the cultural margins, on the edge, risking the loss of respectability.

Baja California seguía siendo la frontera diversa y estridente del Norte mexicano, sin embargo, comenzaba a mostrarse ante el mundo con una cara diferente; los alcances personales de sus creadores y el evento internacional de inSITE le otorgaban una imagen nueva que dejaba entrever otras perspectivas. El Salón Internacional de Estandartes, convertido en Bienal Internacional el 2000, será otro suceso cultural que distinguirá a esta frontera y particularmente a Tijuana en el área de las artes visuales. Proyecto que tiene sus orígenes en el año de 1996 en el Centro Cultural Tijuana, por iniciativa de Marta Palau, la que reconoce que las particularidades del inmueble (grandes espacios y altura generosa) serán determinantes para las características que conformarán las obras del concurso (Palau, 1988:25). Mismas que debía ceñirse a condiciones, tales como realizarse sobre papel kraft, medir 5 metros de largo por 1.80 metros de ancho y ser trabajadas por ambos lados del soporte para que puedan ser colgadas como pendones. Con el paso del tiempo el soporte inicial será sustituido por telas, lonas, plástico o cualquier material que consienta al artista expresarse, siempre y cuando la obra pueda enrollarse para permitir su transporte e itinerancia. Si bien es cierto que la internacionalización del evento perseguía sumarse a ese reconocimiento naciente del que ya era objeto Tijuana ante el mundo, un fin resultaba primordial en todo esto, permitir el cotejo entre autores locales y creadores del continente americano reconocidos mundialmente -lo que implicaba otros canales de visualización para el arte regional-.

Se, a princípio, a ligação entre arte, crítica e política parece óbvia, a presente obra nos mostra o contrário. Os eixos da coletânea (“Paisagens da arte contemporânea”, “Do urbano ao virtual e vice-versa” e “Som-palavra-imagem: perspectivas críticas”) revelam o campo de forças multifacetado da temática, criando uma experiência de leitura que se integra e se complementa, com cada um dos textos ressoando nos demais. Arte, crítica e política: cruzamentos e contradições é, por isso, uma obra que abre espaços nesse campo prolífico, fazendo jus à complexidade do assunto.

The exhibition text in italian explores the pictorial work of Ak2deru through the concept of the convergence of the arts — music and painting — and of "Ecriture" as theorized by T. W. Adorno. Text published on Ruth.onl, a website curated by Manuela Pacella, where critical texts in the field of visual arts are archived and categorized.

Critical text in italian from Fabio Mariani’s solo painting exhibition 'Fuzzy blue fenice' held in Venice at the Blue Gallery between September and October 2024. It explains the genealogy of the reference to fuzzy logic and weaves a Deleuzian reading of the works on display.

O livro representa a coletânea de ensaios preparatórios de uma aproximação entre a História do Direito Colonial Brasileiro e os debates em Filosofia Analítica do Direito. A conclusão mais interessante é que, a partir da crítica de Brian Tamanaha ao positivismo de Herbert Hart, é necessário um critério convencional de direito para que ele possa ser utilizado como pressuposto teórico para a pesquisa em História do Direito.

Embora o nominalismo seja conhecido fundamentalmente como uma posição sobre o estatuto ontológico dos universais desde sua respectiva querela no pensamento medieval, seu uso na estética remete a problemas que se não emergiram, ao menos tornaram-se proeminentes apenas com o advento do modernismo. Trata-se da tendência supostamente imanente à arte modernista à radical individualização das obras. Theodor W. Adorno, em sua Teoria estética (1970), foi provavelmente o primeiro teórico a conceituar o fenômeno enquanto uma tendência real da arte de seu tempo. O filósofo tinha em mente sobretudo a própria autocompreensão do modernismo como uma “tradição do novo” em cujo conceito se encontrava a proibição a formas e esquemas de inteligibilidade pré-definidos, herdados de determinada tradição. Essa autocompreensão teria a tendência a forçar as obras a uma tal singularização até que elas implodissem os próprios limites entre formas, gêneros e mídias, tornando-se tendencialmente incomensuráveis em relação a qualquer princípio de discursividade que transcendesse a radical facticidade das obras singulares. Na visão de Adorno, essa tendência parecia conduzir a uma espécie de aporia histórica do próprio modernismo, particularmente do assim chamado “modernismo tardio”. Desde então, esse teorema tem sido ocasionalmente resgatado por teóricos da arte moderna e contemporânea. Esse é o caso, por exemplo, de Noël Carroll e Peter Osborne, que recentemente evocaram o teorema com propósitos antagônicos, seja para negar a sua validade como um exagero despropositado (Carroll), seja para afirmá-lo como um traço distintivo e incontornável da arte contemporânea ou pós-conceitual (Osborne). Partindo de uma reconstrução da constelação conceitual esboçada acima, o presente artigo tem como objetivo verificar a consistência e produtividade do conceito para a reflexão crítica e filosófica sobre a arte contemporânea. Particularmente, pretende-se interrogar as condições de criticalidade de construtos estéticos a respeito dos quais se possa dizer que eles seguem a mencionada tendência nominalista, para então refletir sobre o destino, a função e o método da crítica de arte contemporânea.

'Conectores. Prácticas culturales en contexto' trae al plano prácticas culturales que redefinen los espacios del arte, organizaciones que dinamitan y cuestionan la soledad de los sistemas preestablecidos. Estos textos ponen en valor y en evidencia las retóricas que están detrás de estos ejercicios de resistencia. En el capítulo, Artime hace una valoración crítica del proyecto que lidera como director editorial, Papel Engomado.

Esta resenha apresenta o livro "A fotografia como escrita pessoal: Alair Gomes e a melancolia do corpo outro", de Alexandre Santos. Editado pela Funarte/UFGRS, a pesquisa foi desenvolvida na "Coleção Alair Gomes" -Fundação Biblioteca Nacional, com o objetivo de promover uma reflexão sobre a melancolia na fotografia de Alair Gomes. Além dos escritos e fotografias do artista, foram realizadas entrevistas com parentes, amigos, artistas, críticos de arte, fotógrafos e historiadores. A análise da obra ocorre através do diálogo com a categoria da melancolia, dos Estudos de Gênero e dos Estudos Culturais.

The COVID-19 pandemic has transformed the dynamics of global tourism, creating an opportunity to explore links between health risk perception and the adoption of responsible environmental practices. This study investigates how the perception of risk associated with COVID-19 influences the pro-environmental behavior of tourists residing in Greater La Plata, Argentina. Using a mixed approach, a Likert questionnaire was designed and applied to 151 international travelers, integrating theoretical constructs of the Norm-Activation Model (NAM): awareness of consequences, environmental responsibility and moral obligation. In addition, the concept of 'pro-environmental health' was introduced to connect psychosocial dimensions with tourism decisions. Exploratory and confirmatory factor analyses revealed that moral obligation and pro-environmental sacrifice are significant predictors of sustainable behaviors, with higher correlations in segments that perceived greater physical or emotional risk during the pandemic. These findings suggest that health crises can catalyze changes in environmental values, provided that infrastructures and social norms are in place to reinforce such practices. The research proposes a conceptual framework that links theories of risk and sustainability, offering practical implications for public policy and tourism marketing strategies in post-crisis contexts.

La experiencia curatorial reciente que realicé para el ciclo Desafíos IV en Fundación Andreani indagó en diversas estrategias mediáticas, desarrolladas para dos etapas que compusieron el programa: de julio a octubre de 2024, con las obras de Elías Sarquis y Damián Sena, y de noviembre de 2024 a marzo de 2025, con la muestra de Juan Benitez Allassia. La curaduría fue abordada desde los conceptos de convergencia, narrativas intermediales y lenguajes emergentes como la postfotografía, el postcine y el postvideo, atravesados desde un pensamiento de diseño. En este proceso, se involucraron prácticas de curaduría y expografía, en diálogo con los artistas y la institución, para generar una reterritorialización del espacio expositivo a partir del dispositivo de la instalación artística como formato de obra.

O propósito deste trabalhoé
delimitar e colocar em perspectiva o lugar
do particular na estética de Theodor
Adorno, a partir de seus deslocamentos,
sobretudo no que concerne: 1) à relação
entre obras de arte específicas e a tradição;
2) à relação entre as obras de arte consigo
mesmas e com a sociedade; e, 3) à relação
entre o particular e o universal – como
apropriação crítica do pensamento de
Hegel por Adorno, explícitas em obras
específicas de Beethoven e Berg. A
justaposição relacional, tal como
sobrescritas nos três tópicos, permitirá
perceber os efeitos dos deslocamentos do
particular que, uma vez configurado no
seio das obras de arte, se estabelece
enquanto negação e crítica do estado de
coisas vigente, na medida em que aponta
para as contradições do tecido social, mas,
negando seu modus operandi, ao se
afigurar como um modo de totalidade não
coercitiva do universal sobre o particular,
no âmbito da qual o particular se move e,
ao se mover, determina a si mesmo e
determina o universal. É esse modo de
determinação, efetuado pelos
deslocamentos do particular, que
posicionará a obra de arte como um agente
articulador – desde seu interior – de modos possíveis e distintos dos modos vigentes de se conhecer e viver em sociedade.

A partir da concepção de Pierre Bourdieu (1930-2002) de campo e habitus, apresentamos neste artigo uma reflexão sobre as intersecções dos diferentes meios da arte contemporânea, em especial o mercado de arte e os colecionismos. Estes são analisados sob a égide de diferentes prismas dos colecionismos possíveis e suas distintas concepções e fundamentos de seus colecionismos. Por meio de metodologia qualitativa de análise bibliográfica, reflito sobre os mecanismos e relações institucionais que o mercado cria entre seus atores sociais, em especial o artista, o marchand e o colecionador. Conclui-se que a obra de arte é tratada, também como uma comodity capaz de movimentar bilhões de recursos financeiros e também as relações de poder no ocidente.

La entrevista concedida por la arquitecta chilena Cazú Zegers a Ingrid-Quintana Guerrero y Rafael Méndez Cárdenas, en el marco de Pabellón 2023, aborda aspectos cruciales para entender el pensamiento de la arquitecta de cara a su oficio y la práctica a la que sustenta. Inquietudes como la relación entre palabra poética y geografía, el pensamiento paramétrico, la ancestralidad cultural que subyace en la región pacífica y el trabajo comunitario, estuvieron en el centro de la conversación.

Tropicália, ia acontecer a exposição Nova Objetividade Brasileira. Começamos a conversar e ele me convidou para ir ao seu ateliê. Então comecei a frequentar a casa do Oiticica, onde eu conheci Rogério Duarte, Torquato Neto, Ivan Cardoso, enfim, vários amigos, e todos frequentavam a casa dele. Um dia, Lygia Pape também apareceu, eles já eram amigos do Movimento Neoconcreto e do Grupo Frente. De imediato, quando conheci Lygia, bateu uma empatia muito grande, bateu algo bastante forte porque ela tinha um poder de comunicação extraordinário. Ela realmente era uma pessoa muito comunicativa, muito inteligente, despojada. E muito linda porque tinha um rosto redondo, um olho brilhante, uma energia muito boa. Enfim, era uma pessoa maravilhosa de se conviver. Começou ali uma relação muito forte com ela, com Hélio Oiticica, com Mário Pedrosa, com o grupo que estava lá. Você chegou a acompanhar alguma das aulas da Lygia? De arquitetura? Essas aulas externas que ela fazia na favela da Maré, por exemplo? AM: Eu não, mas vi algumas de suas aulas na Universidade Santa Úrsula e eram extremamente criativas. Ela chamava "pesquisa de campo". Tinha essa coisa poética de: "Vamos pra pesquisa de campo". E ia para o subúrbio, que ela adorava, com um fusca cor de café com leite: Madureira, Bangu, enfim... Lygia andava em tudo que era lugar; e no subúrbio porque tinha ali uma energia que lhe interessava. Quer dizer, tinha ali toda uma criatividade que ela captava e possivelmente aplicava em seu trabalho. RC: E a dimensão construtiva? Pois há uma poética construtiva de outra espécie, e muito forte... "a liberdade precisa ser conquistada" | entrevista com antonio manuel 36 AM: Era uma fonte, ou melhor, para Lygia era um alimento. Assim como o mercado de Madureira a alimentava muito. Eu fiz alguns trabalhos assim com Lygia. Por exemplo, no filme que ela realizou chamado A Mão do povo, que era um pouco essa ideia da cultura popular que pode virar uma coisa erudita. A Mão do povo era simplesmente um filme que mostrava o que cada um realizava com uma lata de óleo: o cara pegava a lata de óleo, cortava e dali saía uma flor, depois cortava outra tira da lata de óleo e saía outra flor, e ia fazendo arranjos com essas latas de óleo. Ou um outro que pegava um cipó e fazia mandalas. Enfim, é a mão do povo... E esse trabalho eu fui chamado para fazer com Lygia. RC: E o Wampirou? AM: Wampirou foi outra experiência, um pouco mais vanguarda. Não teve essa origem tão marcante na cultura Kitsch que entusiasmava Lygia. Ela gostava era dessa pesquisa de campo, sair pelo subúrbio. Fiz algumas dessas pesquisas com ela e me lembro que no Sumaré, por exemplo, ela olhou a montanha e visualizou uma espécie de buraco cavado na terra, e começou então a ressoar O Homem e sua bainha. Era uma terra de barro. Paramos o carro, eu fiquei olhando aquele buraco, e ela -já teorizando O Homem e sua bainha -me pediu para raspar aquela terra. Há um registro disso que deve estar no Projeto Lygia Pape. RC: É você cavando o buraco na cena inicial de O Homem e sua bainha? AM: Eu vi uma vez na vida, depois nunca mais. RC: Eu revi recentemente... AM: E aí eu fiquei raspando como se fosse um útero... Aquilo se dava de forma efêmera. Muitas coisas que a gente fez juntos foram efêmeras, aconteceu e acabou, ficou na memória. Esse parece que foi registrado. RC: Vocês que registravam? AM: A própria Lygia Pape registrava. Teve outra experiência com uma cachoeira. Se me lembro bem, no caminho de Petrópolis tinha uma cachoeira maravilhosa com essa energia própria da água... Lygia me pediu para atravessar essa cachoeira (porque dava para atravessar); passava-se por um véu d'água e se desaparecia ali. Esse foi filmado. Entrei e sai na água, vai e vem, e ficou aquela energia forte. Nessa época eu usava um cabelo muito grande, estilo Hair, Beatles, interessante porque ficava aquela água nos meus

Artigo escrito para a Jornada da ABCA ( Associação Brasileira dos Críticos de Arte),  'Crítica de Arte Diante das Crises Atuais'. O artigo reflete acerca dos desafios e impasses epistemológicos e éticos que as recentes desestabilizações no campo das artes visuais implicaram para os campos da Teoria, Crítica, História e Filosofia da Arte

27 декабря 2024 года в Выборгском государственном объединенном музее-заповеднике состоялось открытие очередной выставки из серии «Чудо Рождества», представляющей работы мастеров Санкт-Петербургской государственной художественно-промышленной академии им. А.Л. Штиглица

En el libro El Círculo de la Rosa del escritor venezolano Jesús Torrivilla, la estrategia literaria consiste en habitar la voz y ''el cuerpo'' de Roberto Obregón: en lugar de ocultarlo, lo revela en su dimensión especulativa, aunque los elementos del relato provengan de su realidad vital. De este modo, la ficción se reviste de realidad en diversos ámbitos o esferas disciplinarias. Sin embargo, este juego está clausurado en el territorio ortodoxo y disciplinario de la academia, tal como sucede en la historiografía y, aún más, en la crítica de arte, ambos construidos bajo paradigmas formales que, como en la ciencia, separan una dimensión de la otra. Así, lo que se presenta como real y objetivo se contrapone a aquello que históricamente ha sido excluido de esa categoría, fijando con frecuencia-y con cierto cinismo-una objetividad absoluta para una, y una subjetividad total para la otra. El truco de toda escenificación consiste en ocultar la realidad de donde proviene la representación, en este caso, visible en la narración entregada por el autor, presentando a un personaje que nos habla de manera directa, sin mediaciones aparentes. En un momento dado, se vislumbra en Obregón una infancia solitaria, marcada por fracturas graduales que revelan su temprana obsesión por la rosa.

O presente artigo interroga a plástica de Adriana Varejão (1964) a partir de questões teóricas abertas pela noção de Pathosformel, cunhada pelo teórico e historiador da arte judeu-alemão Aby Warburg (1866-1929), e, também, em seus desdobramentos pensados pelo filósofo e historiador da arte francês Georges Didi-Huberman (1953). Frente à impossibilidade de debruçar-se sobre a extensa produção da artista, o texto detém-se, especificamente, na recente série Ruínas de Carne (2021-2022), investigada mediante a sobreposição de três questões: a Pathosformel da destruição, compreendida por Didi-Huberman como gestos de levantes; a polaridade, agonística, entre formas apolíneas e forças dionisíacas; e, arrefecimento das forças dionisíacas. O texto estrutura-se a partir de uma lógica associativa e dialoga com a Prancha 77 do Bilderatlas Mnemosyne (1929).

This  article  interrogates  Adriana  Varejão’s  plastic  art  (1964)  based on theoretical questions raised by the notion of Pathosformel, coined by the German-Jewish theorist and art historian Aby Warburg (1866-1929), and also on its developments thought by French philosopher and art historian Georges Didi-Huberman (1953). Faced with the impossibility of delving Imagem: Revista de História da Arte – 365 into  the  artist’s  extensive  production,  the  text  focuses  specifically  on  the  recent  series  Ruínas  de  Carne  (2021-2022),  investigated  through  the  over-lapping  of  three  questions:  the  Pathosformel of  destruction,  understood  by Didi-Huberman as gestures of uprisings; the agonistic polarity between apollonian  forms  and  dionysian  forces;  and,  cooling  of  the  dionysian  forces. The text is structured based on an associative logic and dialogues with Prancha 77 of the Bilderatlas Mnemosyne (1929)

El libro forma parte de los resultados de la investigación “La participación chilena en la I Bienal Latinoamericana de Sao Paulo: memoria y actualidad de la regionalización de las ar- tes visuales desde una mirada decolonial” (Fondart 583323 - línea artes de la visualidad). El trabajo nasció a partir de la observación de un renovado interés por los debates sobre arte e identidad regional en el campo artístico latino-americano generados durante la realización del evento. La publicación presenta artículos de los investigadores, documentación y entretevistas con agentes y investigatores del campo artístico latinoamericano.

Il documento esplora il vivace panorama artistico genovese degli anni Settanta, concentrandosi su mostre e performance che hanno coinvolto artiste di rilievo internazionale. ​Si analizza in particolare la prima personale italiana di Eleanor Antin, "La Ballerina e il Re", inaugurata nel 1974 alla Galleriaforma, che ha affrontato temi come l'identità, la trasformazione del corpo e la critica alla fotografia come documento di "verità". ​Antin ha utilizzato alter-ego e travestimenti per sfidare i ruoli di genere e il concetto di rappresentazione, con opere come "Carving: A Traditional Sculpture" e "The King of Solana Beach". Il documento approfondisce anche il contesto culturale genovese, caratterizzato da un fervente dibattito sulla corporeità e la performance, con gallerie come Unimedia e Samangallery che hanno ospitato artisti come Gina Pane, Laurie Anderson e Rebecca Horn. ​Si evidenzia il ruolo delle galleriste e curatrici nel promuovere l'arte femminile e la sperimentazione, nonché l'importanza di collettive come "Il corpo come linguaggio" per la diffusione della Body Art. ​ Infine, si sottolinea l'interesse per la fotografia concettuale e le esperienze femministe d’oltreoceano, con un focus su artiste come Marcia Hafif e Nancy Wilson-Kitchel.

As one of the most important components of modernism , the symbolic thinking appears as a dominant orientation within the visual arts and literature. The compulsory modernization imposed by industrialization would compel a rapid transformation of the modernity inhabitant ' s mental structure , and therefore , a new perception towards symbolic references. The hat and the horse , would come to embody a symbolic humanity-due to the individual ' s depersonalization among the 19 m Century urban multitude. These signs ' presence in works of Russian writers and in works of the Brazilian writer and art critic , Gonzaga Duque, shows how these symbologies got internationalized. Hats and horses are presented as antithetic symbols of modernity : the first by representing the urban standardization , which simultaneously seeks anonymity and distinction in modern cities : the later , by representing the possibility of rebellion against the domination imposed by rationalism , which kept the individuals from giving full rein to their imagination. Nu , exposto ao frio desta época calamitosa , com uma carruagem que é terrestre e cavalos que não o são Como um dos componentes essenciais do Modernismo , a estética simbolista surge como tendência dominante dentro das artes visuais e da literatura durante as últimas décadas do século XIX. Buscando inspiração no esp írito romântico e contrapondose à visualidade pura dos impressionistas , as idéias simbólicas de pintores franceses como Puvis de Chavannes (1824 -98) , Gustave Moreau ( 1826 -98) e Odilon Redon ( 1840 -1916) serviriam como base para os pós-impressionistas , permeando as obras de Paul Cézanne (1839-1906) , Paul Gauguin (1848 -1906) , Georges Seurat (1859 -91) e Vicent Van Gogh (1853 -90).

This Must Be the Place(Esse deve ser o lugar), nome de uma canção da banda de rock norte-americanaTalkingHeads, compõe o título da recente exposição organizada na Americas Society sob a curadoria de Aimé Iglesias Lukin, historiadora da arte argentina e curadora chefe desta instituição.

O Número 18 da Série Cadernos Flacso, com o tema Artes Visuais e Educação, aborda as relações entre artes visuais e educação por um olhar afrocentrado. A publicação foi organizado pela educadora e pesquisadora Mara Pereira e pela artista, educadora e curadora independente Renata Sampaio e reúne sete artigos que abordam artes visuais e educação a partir de categorias de raça, gênero, classe social, território e geração.

Nzinga – As intersecções entre feminismos, novas epistemologias e artes como práticas de descolonização da pesquisa e do encontro na academia e na vida
Profa. Dra. Renata Aparecida Felinto dos Santos, Eliana Barbosa Amorim, Fernanda Veloso da Costa, José Wesley Nunes da Costa, Maria Claudineide Alves Macedo

nel segno di Merleau-Ponty. Un orizzonte post-minimalista MARIA TERESA ROBERTO «Questo ritagliare è una cosa umile e modesta come un ricamo, ma anche faticosa; mi sembra che sia una fatica buona, nel senso che nasconde l'allusione alla fatica di essere uomini sociali, cioè che questo sia un modo di identificarsi con la realtà» (Intervista a Marisa Merz, 1966, p. 406). La voce di Marisa Merz risuonò per la prima volta in pubblico nel dicembre del 1966, in un'intervista su "marcatré" che inquadrava il momento germinale di una serie di opere, all'epoca inedite e ancora senza titolo, una delle quali sarebbe stata esposta l'anno successivo alla Galleria Civica d'Arte Moderna di Torino con il titolo di «Living sculpture» (Museo sperimentale d'arte contemporanea, 1967, p. 49, ill. p. 110) 1. Il dialogo era accompagnato dalle prime immagini di quelle forme argentee «articolate e vitali, sia sospese in aria che poggiate al suolo» (Intervista a Marisa Merz, 1966, p. 406), realizzate ritagliando e cucendo sottili nastri di alluminio. L'altra voce in campo, attiva nel contribuire a formulare il senso originario di quei lavori, è rimasta finora senza nome, a causa di una disattenzione redazionale nella composizione di un fascicolo di monumentale densità. Proponiamo qui di ricondurla a Mila Leva Pistoi, dal 1964 responsabile della pagina torinese di "marcatré" e molto vicina agli artisti che, come Marisa e Mario Merz, frequentavano la galleria Notizie di Luciano Pistoi, del quale era stata la prima compagna 2 .

Este trabalho investiga imagens da Amazônia nas artes visuais, durante a década de 1970 no Brasil. Analisa-se obras que mencionam explicitamente a região, apresentando uma perspectiva crítica sobre os projetos de integração econômica da Amazônia – que nos anos 1970 culminou em polêmicas ambientalistas de alcance mundial. Busca-se vincular o surgimento dessas obras, de defesa da Amazônia, a uma conjuntura histórica específica e complexa, em que as preocupações ecológicas se voltam para o papel da Amazônia nas dinâmicas climáticas globais. Não obstante, ainda que todos estes trabalhos artísticos partilhem de uma postura política e ideológica de defesa da Amazônia, há um caráter ambíguo subjacente ao modo como muitos deles se referem à Amazônia, permutando com imagens conservadoras sobre a região, presentes nos discursos hegemônicos.