Optical Media

Fog as a symbol, unambiguous in the visual arts (closedness, obscurity), acquires ambiguity in the screen arts. On the example of his most publicly discussed feature films and prose, this article explores how Werner Herzog uses fog to represent the ambivalence of social processes. It functions as both physical space and its metaphysical concealment, symbolizing characters' searches for meaning. Fog allows to clarify the concepts of honor and dignity, highlighting the boundaries between appearance and reality, the physical and metaphysical, and the mundane and otherworldly. Herzog depicts the crisis of human exceptionalism, where contingency becomes fundamental to existence and knowledge; cinema transforms into a tool for recognizing events that shape our lives and challenge our morality. Employing ecological and actor-network theories, the analysis reveals fog as a topos of intrapersonal catastrophe, a way of experiencing the natural within oneself-a form of self-communication extending to nature's subjectivity. Herzog's characters (Hiroo Onoda, Aguirre, Fitzcarraldo, Forester Hias), hearing the call of their call of existence as nature's call, respond to it and irrevocably lose their notions of honor. Another symbolic meaning of fog in Herzog’s films is aggression and transgression. Topological reflection—viewing characters’ psyches as maps of their journeys and fog as their accessible psychological state—connects Herzog’s diverse uses of this powerful imagery.

A presente Dissertação insere-se no projeto FCT do IHC-Referência: UIDB/04209/2020 integrado no Projecto KNOW.AFRICA -Redes de conhecimento na África Oitocentista: uma abordagem das Humanidades Digitais dos encontros coloniais e do conhecimento local nas narrativas de expedições portuguesas (1853-1888).

Acaba de sair a público em Espanha, este livro que contém uma série de textos dedicados ao tema do Documento numa perspectiva semiótica e cujos autores são maioritariamente membros do GESC-Grupo de Estudos em Semiótica da Cultura-cujo Presidente é Jorge Lozano. Há a assinalar a participação de autores destacados como Lev Manovich, reputado especialista de cultura digital, Paolo Fabbri, o semiólogo mais marcante da contemporaneidade, e Tarcisio Lancioni, reconhecido especialista da semiótica da imagem

A fotografia psiquiátrica dos casos de microcefalia fornece um exemplo por excelência do "unheimlich", da inquietante estranheza, no cruzamento da técnica, da ciência e da arte. Na Cultura Visual da Medicina em Portugal, os microcéfalos foram objecto de iconografia científica desde Miguel Bombarda a Ernesto Roma, entre outros autores, e ela não deixa de refletir o imaginário social que se projeta sobre a deformidade monstruosa. O extenso estudo de Miguel Bombarda sobre a microcéfala Benvinda, de finais do século XIX, pela sua documentação fotográfica, pela sua extensão e profundidade, bem como pela fundamentação teórica que o sustenta, bem pode ser tomado como o modelo de toda a posterior fotografia psiquiátrica nacional.

Sim, claro que há humor neste título insólito de Patrícia Lino – O Kit de Sobrevivência do Descobridor Português no Mundo Anticolonial. Sim, claro que há ironia, paródia, riso ou talvez apenas sorriso (ou então pranto e ranger de dentes?). Há um desfasamento entre o carácter técnico de qualquer kit e a absurda inutilidade deste manual de instruções, um desencontro entre a letra e o espírito, os discursos citados e o discurso que os põe ao espelho, para os pôr a ridículo. Há, claro, tudo isso; mas há ainda, e é decerto o mais importante, um programa extremamente sensível e urgente - um apelo à reescrita da História, à reinvenção da linguagem, à audição do outro.

Acaba de sair a público em Espanha, este livro que contém uma série de textos dedicados ao tema do Documento numa perspectiva semiótica e cujos autores são maioritariamente membros do GESC-Grupo de Estudos em Semiótica da Cultura-cujo Presidente é Jorge Lozano. Há a assinalar a participação de autores destacados como Lev Manovich, reputado especialista de cultura digital, Paolo Fabbri, o semiólogo mais marcante da contemporaneidade, e Tarcisio Lancioni, reconhecido especialista da semiótica da imagem

Com algumas excepções que complexificam a regra, entre as quais os filmes de animação, o medium do cinema possui uma matriz fotográfica. No seu célebre artigo sobre a "imagem fotográfica", André Bazin discute a "objectividade essencial" (2002,13) comum às artes do cinema e da fotografia. Contudo, a esse substrato fotográfico o cinema acrescenta o tempo e o movimento, aproximando-se de uma ideia de espectáculo que remonta a meios e formas mais antigos, tais como a Lanterna Mágica e a Fantasmagoria. O cinema inscreve-se, assim, de forma determinante, numa história dos media assombrados, e o lugar que ele ocupa nesta história foi investigado e caracterizado por Laurent Mannoni no seu ensaio seminal, Le Grand art de la lumière et de l'ombre: archéologie du cinéma, por meio de uma detalhada e convincente escavação dos antecedentes espectrais do cinema (Mannoni 1999). Menos de um ano após a primeira projecção pública de filmes dos irmãos Lumière, em Dezembro de 1895, Georges Méliès, um ilusionista tornado cineasta (numa altura em que ideias de autoria ainda estavam longe de ser associadas à prática cinematográfica), começa a explorar as potencialidades mágicas e oníricas que encontra neste novo meio de representação, concebendo filmes de temática fantástica, povoados de situações e criaturas sobrenaturais. Desta galeria de seres fabulosos, o fantasma revela-se, desde logo, uma das mais notórias, em obras marcantes entre as quais se contam Le Manoir du diable (1896) e Le Château hanté (1897). O fantasma tornar-se-ia uma figura recorrente na história do cinema, do século

Assuming a a common agenda linking the Portuguese anthropological missions in Africa of the mid-20th century, this paper analyses the unpublished iconographic spoil of Angola’s Anthropological Mission (1948, 1950, 1952, 1955). I aim to point out both the main goals of the Portuguese colonial anthropology use of the photograph- ic apparatus and its epistemopolitical matrix, gathering the human sciences of anthropology (physical/criminal) and psychiatry. I take the concept of degeneration — the idea of a biological defect or evolutionary delay affecting some people — as being still operational in studying those populations under colonial administration. I argue that colonial anthropology, tecnocientifically supported by the photographic image production of stigmata — physical/psychical marks of degeneration, which are visible on the body surface — has attended so much or less to the rationalisation of the colonial labour exploitation (in what would be a primary economic agenda) than to the construction of the idea of a multicontinental and multi-racial Nation, which, nevertheless, has never ceased to affirm the physical inferiority of the colonised bodies as a way to justify the Portuguese colonisation. Bearing in mind Portugal’s general delay and the political necessity of facing the anticolonial movement of the post-II World War, I conclude that the same degeneration that had lost its force in some epistemological domains — e.g. psychiatry, which paradigm transition has mainly to do with to psychoanalysis’ apport —, still appears as the conceptual guideline of the approach to the colonised bodies, proving itself co-opted by a eugenic political agenda. The photo- graphic medium task is crucial here: having presided over the visual construction of the mentally ill, photography presides over the optical construction of the racial Other.
Keywords: Anthropobiology | photography | colonised bodies | degeneration | stigmata

Bratton após em 2015 ter publicado aquele que apresentaria os seus grandes princípios programáticos e inscreveria o seu nome no centro do debate actual entre a teoria dos media, do design e da arquitectura e a filosofia política. Referimo-nos a The Stack-On Software and Sovereignty (The MIT Press), obra extensa e ambiciosa na qual Bratton analisa as implicações geopolíticas daquilo a que chama computação à escala planetária, a qual, por um lado, é descrita tecnicamente com recurso à figura da pilha (stack)-um esquema que dá conta das várias camadas dessa espécie de infra-estrutura total: utilizador, interface, endereço, cidade, nuvem, Terra-e, por outro, é conceptualizada enquanto megaestrutura acidental, uma arquitectura planetária que "estamos a construir deliberada e inconscientemente e, por sua vez, nos está a construir à sua própria imagem, formando um todo coerente e interdependente" (Bratton 2015, 5). Sob o diagnóstico tecnológico que Bratton descreve encontra-se o horizonte principal do livro, o qual é essencialmente político: figurado no nomos da nuvem, e a partir de uma revisão das teorias de Carl Schmidtt, Bratton insiste numa tese com várias implicações: a falência ou a insustentabilidade do modelo histórico e vestefaliano do Estado-Nação perante a ubiquidade e a transnacionalidade da computação em rede e das corporações tecnológicas que tanto ligam como dividem o mundo em novos espaços

Louis Jacques Mandé Daguerre’s daguerreotype Boulevard
du rue Temple huit heures du matin (1838) marks a
monumental moment in the history of (what Ariella Aïsha
Azoulay calls) the “imperial technology” of photography
(2019). This image has been historically celebrated in the
Western canon as documenting “the first human being
to be photographed” (Brand 2018, 202): a “man having
his boots polished” who stood still long enough for the
(approximately) seven-minute exposure to impress his
statue-like image on the plate (anon. “Die Lichtbilder”
1839, 91). Dionne Brand sees the photograph otherwise,
however, writing in her poetry/essay The Blue Clerk that,
in this image, she sees “the state of the world” (2018,
202). Brand’s vision of the image — of lived relations and
intimacies that escape capture by the shutter’s blades —
is the counter-reading the poet challenges us to bring to
the colonial archive. Dylan Rodriguez describes an “abolitionist
reading practice” as reading beyond what is
immediately perceived to include the conditions under
which the information emerges. If the conditions for the
emergence of the daguerreotype of the boulevard, and
its inscription into the archive as a monumental event,
are rooted in imperial powers that seek to know, possess,
make and destroy worlds, then acknowledging and reckoning with these conditions is, according to Azoulay,
a method of attending to “the recurrent moment of original
violence,” and beginning to “unlearn imperialism”
(2019, 29). Brand’s reading of the boulevard daguerreotype
demonstrates a process of unlearning imperialism
and an abolitionist reading practice. By following the
traces of Brand’s reading practice (given as poetry) while
examining the conditions of the daguerreotype’s history
as a monumental artefact of imperial technology — via:
journalistic descriptions (1839); the speculative experiences
of subjects of Joseph T. Zealy’s daguerreotype portraits
(1850); Eadweard Muybridge’s photographic experiments
in documenting gesture (1884); and the extended
exposures of Hiroshi Sugimoto’s Theatres (1976-ongoing)
— this paper rehearses methods of reading that release
the grip of colonial aesthetics and transform the world
into what is, therefore, possible.

Este artigo discute as múltiplas relações entre o ato de fotografar e a memória, na era digital. Partindo de um artigo a respeito do impacto da fotografia sobre a memória, da americana Linda Henkel, levantamos alguns questionamentos a respeito da relação da fotografia com nossas lembranças. Existe algo no ato fotográfico que prejudique a construção de memórias? Fotografamos para lembrar? O que escolhemos fotografar importa? O acúmulo de fotografias ajuda ou atrapalha a construção da memória?

The warpage of injection-compression-molded optical media, such as compact discs and digital video discs, due to asymmetric cooling during production is predicted. Thermally induced stress is calculated with a nonisothermal compressible flow simulation with a viscoelastic constitutive model. A finite element analysis is formulated with axisymmetric plate elements based on Kirchhoff thin-plate theory to simulate the warpage of the disc due to the asymmetric thermal stress and gravity after demolding. Simulation results of warpage for compact-disc-recordable moldings are compared with experimental observations under different processing conditions, such as the melt temperature, mold temperature, and packing pressure, with an optical grade of polycarbonate. The comparison shows that the simulation well predicts the effects of various processing conditions. Both the simulation and experiment indicate that of the processing conditions, the mold temperature has the greatest effect on warpage.

Aplicando o conceito de transparência ao corpo humano, este texto parte de uma breve comparação entre os media radiográfico e fotográfico ao nível da sua recepção cientí-fica durante o século XIX. Constatamos que a possibilida-de de uma transparência efetiva ou literal aportada pela radiografia, na sua capacidade de aceder visualmente ao interior orgânico, era já, de algum modo, pressuposta para a fotografia desde a sua apropriação pela classe cien-tífica, em meados daquele século, a crença na omnisciên-cia da tecnologia fotográfica atribuindo-lhe o poder de superar os sentidos para dar a ver o invisível. Analisare-mos, em particular, o uso dito científico que a psiquiatria fez da fotografia, com base na teoria da degenerescência e nos stigmata por ela determinados. No retrato dos estig-mas, a fotografia é assumida como uma ferramenta tec-no-semiótica de tipo indiciário, estabelecendo uma co-municação entre o exterior e o interior do corpo fundada numa transparência de natureza não efetiva mas de tipo simbólico, apontando não uma lesão concreta mas uma predisposição orgânica geral do indivíduo degenerado.

Com algumas excepções que complexificam a regra, entre as quais os filmes de animação, o medium do cinema possui uma matriz fotográfica. No seu célebre artigo sobre a "imagem fotográfica", André Bazin discute a "objectividade essencial" (2002,13) comum às artes do cinema e da fotografia. Contudo, a esse substrato fotográfico o cinema acrescenta o tempo e o movimento, aproximando-se de uma ideia de espectáculo que remonta a meios e formas mais antigos, tais como a Lanterna Mágica e a Fantasmagoria. O cinema inscreve-se, assim, de forma determinante, numa história dos media assombrados, e o lugar que ele ocupa nesta história foi investigado e caracterizado por Laurent Mannoni no seu ensaio seminal, Le Grand art de la lumière et de l'ombre: archéologie du cinéma, por meio de uma detalhada e convincente escavação dos antecedentes espectrais do cinema (Mannoni 1999). Menos de um ano após a primeira projecção pública de filmes dos irmãos Lumière, em Dezembro de 1895, Georges Méliès, um ilusionista tornado cineasta (numa altura em que ideias de autoria ainda estavam longe de ser associadas à prática cinematográfica), começa a explorar as potencialidades mágicas e oníricas que encontra neste novo meio de representação, concebendo filmes de temática fantástica, povoados de situações e criaturas sobrenaturais. Desta galeria de seres fabulosos, o fantasma revela-se, desde logo, uma das mais notórias, em obras marcantes entre as quais se contam Le Manoir du diable (1896) e Le Château hanté (1897). O fantasma tornar-se-ia uma figura recorrente na história do cinema, do século

Este par estereoscópico faz parte do Fundo Alberto Marçal Brandão,
fotógrafo amador portuense, que viveu entre 1848 e 1919, adquirido pelo
Centro Português de Fotografia a um herdeiro, em 20001. O fundo é
constituído por 503 pares estereoscópicos em suporte de vidro e a preto-e-
-branco, tanto negativos como positivos. À imagem que escolhi correspondem
duas cotas (AMB00295 e AMB00296) porque o par, em negativo
e correspondente a uma tomada de vistas única através de uma câmara
estereoscópica, foi cortado e separado em duas imagens, que não são independentes
mas parte integrante da mesma imagem. Esta prática de corte
dos negativos em vidro facilitava o processo de impressão e positivação da
imagem (tanto para vidros como para papel) e permitia acertar as suas
paralaxes, colocando à direita a imagem cujas margens deverão corresponder
ao olho direito e à esquerda a imagem correspondente ao olho esquerdo
(que ficam invertidas no momento da exposição, com ambas as imagens
excedentes a ficar posicionadas nas bordas interiores da placa e não
nas exteriores como acontece na nossa visão). Este acerto assegurava o
bom visionamento estereoscópico.

A pós-modernidade translada para uma sociedade cada vez mais preocupada com os números e com os sistemas de informação. Este trabalho explora os efeitos deste movimento a partir de uma análise de semiótica social do videoclipe Sdubid de Tommy Cash, a partir dos conceitos de Dataísmo de Harari (2015); da semiótica social de Martins (2017) e do imaginário de Durand (1993). Dentre os resultados do trabalho destaca-se um sentimento de insatisfação crescente por parte da maioria da sociedade, que tende à um rápido crescimento, podendo causar uma grande ruptura em pouco tempo.

UIDB/05021/2020 UIDP/05021/2020Este paper tem como objetivo abordar criticamente algu- mas fotografias que compõem um ensaio produzido em 1872 pela London Stereoscopic and Photographic Company. Propomos que a imagem de Ndugu M’Hali, então com setes anos de idade, incorpora um tropo visual (Zarzycka 2016) comum no final do século XIX e início do século XX: crianças em estúdios fotográficos. Esse tropo, enun- ciado por Walter Benjamin em Infância em Berlim, gera questões acerca das memórias visual, cultural e social. Através de uma abordagem concebida a partir da meto- dologia proposta por Aby Warburg, pretende-se delinear diferentes temporalidades da imagem de modo a, por um lado, inseri-la em uma tradição visual e histórica, e, por outro, sugerir suas potencialidades como objeto históri- co-antropológico. Nesse sentido, a ideia de pharmakon (Pinney 2008, 2012) apresenta-se como possibilidade para um contra-olhar frente àquele colonial e burguês: a fotografia, em s...

UID/CCI/04667/2016Acaba de sair a público em Espanha, este livro que contém uma série de textos dedicados ao tema do Documento numa perspectiva semiótica e cujos autores são maioritariamente membros do GESC – Grupo de Estudos em Semiótica da Cultura – cujo Presidente é Jorge Lozano. Há a assinalar a participação de autores destacados como Lev Manovich, reputado especialista de cultura digital, Paolo Fabbri, o semiólogo mais marcante da contemporaneidade, e Tarcisio Lancioni, reconhecido especialista da semiótica da imagem e do texto.publishersversionpublishe

Wendy Hui Kyong Chun, em Updating to Remain the Same: Habitual New Media (2016), argumenta que os media se tornam mais importantes quando parecem não ter importância—quando transitam do "novo" para o "habitual". A autora interpreta a integração das redes sociais nos nossos hábitos como um conceito definidor do presente. Com o momento pandémico, os modos contemporâneos de existência fizeram emergir tais mediações como globalmente evidentes. As fragilidades expostas da vida real, orgânica parecem agora ser mediadas através da existência digital e da mediação tecnológica dos novos media habituais. No contexto da pandemia, "a vida no écran" torna-se o cânone da existência contemporânea. Este número da Revista de Comunicação e Linguagens reúne artigos, entrevistas e ensaios visuais sobre as mediações dos novos media habituais, com foco no individual ou no pequeno coletivo, que se relacionam com esta perspectiva da intimidade digital no contemporâneo.

Wendy Hui Kyong Chun, em Updating to Remain the Same: Habitual New Media (2016), argumenta que os media se tornam mais importantes quando parecem não ter importância—quando transitam do "novo" para o "habitual". A autora interpreta a integração das redes sociais nos nossos hábitos como um conceito definidor do presente. Com o momento pandémico, os modos contemporâneos de existência fizeram emergir tais mediações como globalmente evidentes. As fragilidades expostas da vida real, orgânica parecem agora ser mediadas através da existência digital e da mediação tecnológica dos novos media habituais. No contexto da pandemia, "a vida no écran" torna-se o cânone da existência contemporânea. Este número da Revista de Comunicação e Linguagens reúne artigos, entrevistas e ensaios visuais sobre as mediações dos novos media habituais, com foco no individual ou no pequeno coletivo, que se relacionam com esta perspectiva da intimidade digital no contemporâneo.

Notre analyse de la conception kittlérienne de l'infographie ne concerne pas en premier lieu ce que Kittler a réuni sous le titre de Médias optiques, mais quelque chose dont il traite à un autre endroit, dans un court article pour un ouvrage collectif dirigé par Herta Wolf : Le Paradigme photographique 1. Il y a deux raisons à cela. Premièrement, Kittler a publié « Computergrafik. Eine halbtechnische Einführung » [Infographie. Une introduction semi-technique] en 2002, la même année que les Médias optiques. On peut donc supposer qu'il n'a pas eu le temps d'intégrer cette « introduction semitechnique » à son cours sur les médias optiques. La seconde raison est d'ordre systématique et, en ce sens, plus kittlérienne : l'infographie n'est plus un médium optique-seule sa fin l'est ; une fin à partir de laquelle Kittler dessine cette histoire à grands traits, une fin qu'il évoque certes dans les Médias optiques sans pour autant la développer 2. Notre objet n'est justement pas d'aboutir à la fin des médias optiques. Nous voulons bien plutôt réfléchir aux débuts d'une théorie de l'infographie qui « convient à une situation, dans laquelle les images sont le code dominant de la communication 3 ». Le choix d'ouvrir et de fermer notre argumentation par les deux théoriciens des médias que sont Kittler et Flusser n'est pas arbitraire, mais sert à poser un problème fondamental : le second s'intéresse aux images et tente de s'extirper, en essayiste, de l'histoire coloniale européenne de l'écriture, le premier se consacre aux écritures derrière l'image, aux opérations mécaniques et à une sorte d'eschatologie média-technique, à une histoire de l'Occident qui trouve sa fin dans l'être des algorithmes de l'ordinateur. Les positions de Kittler et de Flusser sur les images de synthèse semblent ainsi complémentaires. Tandis que dans Communicologie ou dans L'Univers des images techniques, Flusser propose une théorie de la culture qui étend l'être et la valeur du régime de l'image contre celui de l'écriture, Kittler maintient le primat du symbolique. Rendre invisible-L'infographie et la fin des Médias optiques Appareil, 19 | 2017

Este artigo discute as múltiplas relações entre o ato de fotografar e a memória, na era digital. Partindo de um artigo a respeito do impacto da fotografia sobre a memória, da americana Linda Henkel, levantamos alguns questionamentos a respeito da relação da fotografia com nossas lembranças. Existe algo no ato fotográfico que prejudique a construção de memórias? Fotografamos para lembrar? O que escolhemos fotografar importa? O acúmulo de fotografias ajuda ou atrapalha a construção da memória?

Em 1884, o governo português promoveu uma expedição para a Lunda, no atual nordeste angolano. Chefiada pelo major Henrique de Carvalho, esta expedição contou com o trabalho de homens e mulheres oriundos de diferentes partes da África centro-ocidental, que se revelaram responsáveis, em grande medida, pelo andamento da viagem. Tendo como referência a narrativa desta expedição, produzida por Henrique de Carvalho, o objetivo deste artigo é analisar a atuação destes trabalhadores que ficaram conhecidos como Loandas, considerando as novas formas de exploração do trabalho no pós-abolição do tráfico de escravizados e da própria escravidão em regiões africanas.

Ao abrir o baú do arquivo familiar composto por filmagens Super 8 feitas pelo seu avô, em Angola, na década de 60, Sara Serpa começou um caminho sem retorno. Recognition é o resultado de uma reflexão pessoal e artística sobre o passado colonial de Portugal e da sua própria família, numa necessária intersecção entre as duas esferas – o privado familiar e o histórico colectivo. Para Serpa, abrir esse baú até então desconhecido significou confrontar o silêncio que vive impregnado há décadas de mais nas paredes das casas das famílias portuguesas, em particular daqueles que nasceram, viveram ou combateram em África e na Ásia durante o período colonial. Deste modo, Recognition reflecte um processo de reconhecimento histórico sem o qual será sempre mais difícil compreender certas dinâmicas sociais actuais, herdeiras directas do colonialismo, que se manifestam sob as mais diversas formas de violência social, económica, racial e machista. Recognition é, por isso, simultaneamente um objecto h...

In "Updating to Remain the Same: Habitual New Media" (2016), Wendy Hui Kyong Chun argues that the media become most important when they seem unimportant—when they transition from the “new” to the “habitual”. The author interprets the integration of social networks in our habits as a defining concept of the present. With the pandemic moment, the modes of existence gave rise to such contemporary mediations as globally evident. The exposed fragilities of real-life now seem to be mediated through the digital existence and technological mediation of the new usual media. In the context of the pandemic, “life on the screen” becomes the canon of contemporary existence.

This issue of Journal of Communication and Languages brings together articles, interviews and visual essays on the mediations of the new usual media, focusing on the individual or the small collective, which relate to this perspective of digital intimacy in the contemporary.

Frantz Fanon), everyday racism as colonial trauma (Grada Kilomba), practices of mediation of resistance to death (Achille Mbembe) and disidentification as cultural and political subversion (José Esteban Muñoz). The upheaval of Castiel Vitorino Brasileiro takes place in the movement with which her body escapes from the coloniality that insists on racializing and imprisoning subjects. Enjoying the freedom of disobedience with which she manipulates energies and colonial violence, the artist, psychologist and macumbeira produces devices of fight and healing as selfcare for herself and her allies. It is mainly in the recreation of memories, in its visionary and subversive force, that the Brazilian trauma is conjured. In this process, the disruption of oblivion has to do with the imagination of a new reality in which the word of command is liberation and life. Castiel Vitorino Brasileiro | decolonization | cure | colonial trauma-Keywords No mundo branco, o homem de cor encontra dificuldades na elaboração do seu esquema corporal. O conhecimento do corpo é unicamente uma atividade de negação.

A fotografia psiquiátrica dos casos de microcefalia fornece um exemplo por excelência do "unheimlich", da inquietante estranheza, no cruzamento da técnica, da ciência e da arte. Na Cultura Visual da Medicina em Portugal, os microcéfalos foram objecto de iconografia científica desde Miguel Bombarda a Ernesto Roma, entre outros autores, e ela não deixa de refletir o imaginário social que se projeta sobre a deformidade monstruosa. O extenso estudo de Miguel Bombarda sobre a microcéfala Benvinda, de finais do século XIX, pela sua documentação fotográfica, pela sua extensão e profundidade, bem como pela fundamentação teórica que o sustenta, bem pode ser tomado como o modelo de toda a posterior fotografia psiquiátrica nacional.

This media archaeology of early computer graphics tackles the relation between the imaginary and technical media. We focus on the algorithmic procedures and mathematical principles driving 3D computer graphics during the 1970's and we frame them in a discussion about the end of optical media and a reflection on the current situation in which images, commanded by techno-codes, delineate and structure the dominant code of communication with which we imagine. Even though algorithmic simulations of optical worlds do not represent the end of optical media as Friedrich Kittler once argued, computer graphics can be seen retrospectively as an escalation in the production of invisibility. We introduce Frieder Nake's concept of 'subfaces' to describe digital images as entities that are composed out of visible and invisible processes. The subface constitutes our methodological tool to analyze computer graphics historically, through three early problems of 3D computer graphics. We complement this media archeology of early computer graphics with discussing the dialogue between Kittler and Vilém Flusser on the imaginary or techo-imagination.

Sumário Este artigo propõe uma análise ao Álbum Etnográfico da expedição portuguesa ao Muatiânvua, potentado Lunda, no interior de Angola. As fotografias foram produzidas durante a expedição, chefiada pelo major Henrique Dias de Carvalho, entre 1884 e 1888. Procura-se situar a atividade fotográfica no contexto desta expedição, nas suas diversas dimensões políticas e científicas e compreender as políticas de imagem e algumas das retóricas visuais que foram usadas neste contexto colonial. Dado o amplo uso das fotografias para produzir as gravuras da extensa obra científica de Henrique Dias de Carvalho, examinamos as suas propostas metodológicas no campo da etnografia. Este artigo apoia-se sobretudo em conceitos semióticos, na teoria e história da fotografia, na epistemologia das ciências e em pesquisas da documentação da expedição e do seu contexto. Contudo, deve ser lido à luz dos debates em Cultura Visual sobre as imagens como construções políticas. De facto, mostramos que a defesa vigorosa e sincera que Henrique Dias de Carvalho atribui ao estudo das culturas africanas, e até ao respeito por elas, existe tendo subjacente um desígnio colonial, mais abrangente e inquestionado: o de conhecer para melhor dominar. Summary This article proposes an analysis of the Ethnographic Album of the Portuguese expedition to Muatianvua, potentate Lunda, inside Angola. The photographs were produced during the expedition, led by Major Henrique Dias de Carvalho, between 1884 and 1888. The article intends to place the photographic activity in the context of this expedition, in its various political and scientific dimensions as well as within the politics of the image and its visual rhetorics that were used in the colonial context. Given the wide use of photographs to produce the prints included in the extensive scientific work of Henrique Dias de Carvalho, we examine his methodological proposals in the field of ethnography. This article relies primarily on semiotic concepts, as well as in the theory and history of photography, the epistemology of science and in the research of this Expedition's documentation and historical context. However, it must be read in the light of the discussions in Visual Culture on the images as political constructions and as constructions of the political. In fact, we show that no matter how vigorously Henrique Dias de Carvalho defended the importance that should be attached to the study of African cultures, and the respect for them, this defense was understood under an unquestioned colonial design: that of knowing in order to dominate.

Holograms reached popular consciousness during the 1960s and have since left audiences alternately fascinated, bemused or inspired. Their impact was conditioned by earlier cultural associations and successive reimaginings by wider publics. Attaining peak public visibility during the 1980s, holograms have been found more in our pockets (as identity documents) and in our minds (as video-gaming fantasies and “faux
hologram” performers) than in front of our eyes. The most enduring, popular interpretations of the word “hologram” evoke the traditional allure of magic and galvanize hopeful technological dreams. This article explores the mutating cultural uses of the term “hologram” as marker of magic, modernity and optimism.


doi:10.1162/neco.2009.07-08-823