Mexican Music

El presente trabajo muestra las diversas posibilidades utilizadas por cuatro compositores ―tres peruanos y un italiano― de épocas distintas para transformar, desarrollar y recrear la música de una conocida danza tradicional del Cusco: la kachampa. La primera parte, trata sobre el contexto histórico-musical en el que se ubican las cuatro obras, a fin de establecer su relación con los estilos de escritura y las corrientes en boga de la época. La  segunda  parte,  describe  la  música  de  la  danza  tradicional,  subdividiéndola  en  frases  y estableciendo sus elementos de unidad y de variedad. Luego, empieza el análisis comparativo de cada obra académica en relación a la pieza musical tradicional tomada como punto de partida. Finalmente, se expondrán las conclusiones del trabajo. Se describe someramente las maneras cómo cada compositor enfrenta el problema que implica partir de una danza cuya intención original suele ser más social o ceremonial que musical y cómo estos compositores la han “recreado” con el propósito de darle un valor musical y artístico.

The 2024 edition of ¡Música del Corazón!, an annual event held in Albuquerque, New Mexico, since 2012 and organized by the John Donald Robb Musical Trust, marked a turning point in its history. Typically focused on contemporary traditional music from New Mexico, this edition was dedicated to sacred choral music from the written tradition and ritual dance that circulated along the Camino Real de Tierra Adentro during the Spanish colonial period (1598–1821). This shift in thematic focus had significant implications, contesting narratives of isolation and the perception of an absence of preserved musical sources in the region. This study examines the process of historical imagination that shaped the event’s programming, as well as the thematic, curatorial, and performative challenges that emerged. The article is divided into two parts. The first reviews the trajectory of ¡Música del Corazón! since its inception, including the profile of the performers and the repertoires presented. The second section details and justifies the configuration of the sacred music program linked to the Camino Real. By foregrounding the transmission of these repertoires along the route, this research helps bridge a historiographical gap and highlights New Mexico’s connections with broader Ibero-American music traditions. Furthermore, it underscores the potential of community events such as ¡Música del Corazón! to foster a deeper and more inclusive dialogue on the musical history of the U.S. Southwest in a global context. // La edición 2024 de ¡Música del Corazón!, un evento anual celebrado en Albuquerque (Nuevo México) desde 2012 y organizado por el John Donald Robb Musical Trust, marcó un punto de inflexión en su historia. Habitualmente centrado en las músicas tradicionales contemporáneas de Nuevo México, esta edición se dedicó a la música coral sacra de tradición escrita y a la danza ritual del periodo colonial español (1598-1821) que circularon a lo largo del Camino Real de Tierra Adentro. Este cambio de orientación temática tuvo importantes implicaciones y supuso un desafío a las narrativas de aislamiento y a la percepción de una ausencia de fuentes musicales en la región. Este trabajo examina el proceso de imaginación histórica que dio forma a la programación del evento, así como los retos temáticos, curatoriales y performativos que surgieron. El artículo se estructura en dos partes. En la primera se revisa la trayectoria de ¡Música del Corazón! desde su creación, el perfil de los intérpretes y los repertorios programados. La segunda sección detalla y justifica la configuración del programa de música sacra vinculada al Camino Real. Al subrayar la transmisión de estos repertorios a lo largo de la ruta, esta investigación contribuye a llenar un vacío historiográfico y conecta Nuevo México con las tradiciones musicales iberoamericanas. Además, destaca el potencial de eventos comunitarios como ¡Música del Corazón! para generar un diálogo más profundo e inclusivo sobre la historia musical del Suroeste estadounidense en un contexto global.

Profesores y alumnos de música en conservatorios y escuelas encontrarán en “Música… ¡y acción!” un método “todo en uno”, una propuesta completa, amena y activa, para embarcarse en el apasionante camino de la formación musical.
Partiendo de canciones populares los alumnos descubren los elementos del lenguaje musical abordados en la unidad didáctica correspondiente. Los nuevos contenidos se trabajan desde múltiples
enfoques a través de actividades de ritmo/lectura, entonación, teoría, audición/dictado, movimiento y creatividad/improvisación/composición.
Cada unidad gira en torno a una temática, generada por el texto de la canción inicial, y que también está presente en las actividades de movimiento y creatividad.
Se presentan nuevos instrumentos en cada unidad. Sus timbres se emplean en la grabación de los ejercicios de audición/dictado y lecciones de entonación que pueden descargarse siguiendo las siguientes instrucciones.
El libro del profesor contiene, además de las soluciones de los ejercicios de audición/dictado, orientaciones para descubrir y presentar los elementos novedosos de cada unidad didáctica a partir de la canción introductoria (“Descubriendo una canción”) y sugerencias adicionales para el desarrollo de las actividades de creatividad/improvisación/composición (“¡Inventamos!”).

En este ensayo analizo los elementos mexicanos y americanos en la
música del conjunto norteño y del conjunto tejano, y la manera en que
los músicos de ambos lados de la frontera cruzan naturalmente al otro lado de la tradición, desdibujando las fronteras entre estas músicas hermanas, tomando como ejemplos a Ramiro Cavazos y Mingo Saldívar.

Esta charla presenta un proyecto de musicología digital que recupera, digitaliza y difunde un importante corpus de manuscritos e impresos musicales mexicanos del siglo XIX conservados en diversos repositorios eclesiásticos y civiles. La colección incluye compositores poco estudiados, como José Antonio Gómez y Olguín (1805-1876), y ofrece una visión de las prácticas litúrgicas y musicales de un México independiente en plena transformación cultural. Combinando la musicología histórica con tecnologías de acceso abierto, el proyecto emplea la digitalización en alta resolución, la curación de metadatos alineada con los estándares internacionales (RISM) y la interoperabilidad a través del Marco Internacional de Interoperabilidad de Imágenes (IIIF). Los materiales se alojan en Internet Archive, lo que mejora la accesibilidad global y la conservación a largo plazo. A través de los manifiestos IIIF, los usuarios pueden explorar, anotar y comparar elementos de forma interactiva. Este trabajo defiende un enfoque descolonial de la práctica archivística, dando prioridad a la transparencia, el conocimiento abierto y el acceso colaborativo. Contribuye al desarrollo de estrategias digitales para el análisis de la música iberoamericana, al tiempo que fomenta el diálogo académico transatlántico sobre la circulación de la música, el patrimonio y la tecnología.

Orientador: Adriana Giarola KayamaTese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de ArtesResumo: Composta para o Teatro San Moisé em Veneza no ano de 1797, a ópera cômica em um ato As Damas Trocadas ou Le Donne Cambiate integra a ampla relação autógrafa do compositor luso-brasileiro, Marcos Portugal. Um estudo sobre a obra possibilita contextualizar um importante período para o desenvolvimento da farsa que compreende a década de 1790, antes do apogeu Rossiniano. As Damas Trocadas faz parte da produção operística de Marcos Portugal que marca a sua segunda viagem à Itália (1795-1800), fase de maior produção lírica de sua carreira composicional. Por esse motivo o presente trabalho busca, por meio de documentos coletados, comprovar o trabalho de Marcos Portugal, em Veneza, ao lado de importantes compositores italianos como Domenico Cimarosa e Giovanni Paisiello e, principalmente, apresentar a edição integral, em português, da ópera As Damas TrocadasAbstract: Composed fo...

Resumen Todo proceso de edición es un proceso de selección y toma de decisiones. La edición musical, sobre todo de documentos antiguos, implica no solo el profundo conocimiento de las fuentes y su entorno, sino la necesidad de sustentar con claridad las decisiones que desde ese conocimiento asume el editor. En este caso, se comparten algunas de las decisiones que se tomaron al momento de emprender la transcripción y edición de una parte de los villancicos de Juan Gutiérrez de Padilla.

Julián Carrillo, compositor y director de orquesta de gran reconocimiento en el nacionalismo mexicano, nació en 1875, en Ahualulco, San Luis Potosí. A partir de la década de 1920 se dedicó, casi exclusivamente, a desarrollar un sistema que planteó el reto de crear una música nueva, con una nueva escritura, nuevos sonidos, nuevos instrumentos y nuevas composiciones. 1 Además, al maestro Julián Carrillo le fue otorgada por segunda vez la administración del Conservatorio Nacional, de 1920-1923, esto debido a los logros académicos, pero también porque representaba a la persona idónea que podía dirigir a México al progreso y la "modernidad" en la música. 2 Basándonos en la relación que mantuvo con algunos de sus alumnos, constructores y músicos más destacados de esta época, se profundizará en dos personajes jaliscienses: Rafael Adame Gómez, guitarrista, violonchelista y compositor; y Baudelio García Fernández, profesor y constructor de instrumentos musicales, como precursores e innovadores en la composición, ejecución y construcción de la guitarra en cuartos de tono y su utilización en la nueva teoría del Sonido 13.

The purpose of this work is to offer the performer-pianist, a strategy of approach to the Chavian work Sonata Number 2 for piano, the theory of multiple intelligence is linked to favor the work of learning and study of the piece, which, enables an optimal interpretation of the Second Sonata for piano by Carlos Chávez.

Composer Aaron Copland visited Latin America as an amateur diplomat on four government-sponsored tours. These goodwill missions, which brought the composer to Colombia, Argentina, Brazil, Chile, Uruguay, and other countries, drew large audiences and press attention at the time, but have since become footnotes in the composer’s long and prolific career. Using Copland’s travel diaries, eyewitness accounts, and Latin American press items, musicologist Carol A. Hess constructs a dense narrative documenting the composer’s itineraries, approach to cultural diplomacy, interactions with Latin American composers, impressions of the music he heard, and reception by local musicians, critics, and audiences.

This publication is the result of the updating and translation of the Catalogue of Revueltas' Works, first published in 1998 by the UNAM. Since its publication, the catalog has been the primary source of reference for Revueltas' repertoire worldwide. However, extensive research carried out since then by various scholars around the world made it necessary to revise and update the catalog, not only in terms of the works themselves, but also in terms of literature and recordings. Now recognized as one of the most important composers of the 20th century in Latin America, interest in his life and work has grown exponentially. This also led to the need to translate the catalog into English and publish it as a bilingual electronic reference platform, as well as in electronic and physical book formats. The richness and diversity of Revueltas' work, as well as the literature and recordings that have emerged in the 21st century, necessitated a revision of the Catalog's structure and content. The new version includes the editor’s comments and a specific bibliography for each work, making this publication an essential primary research source.

La presente publicación es resultado de la actualización y traducción del Catálogo de las obras de Revueltas, publicado en primera instancia en 1998 por parte de la UNAM. Desde su publicación, el catálogo ha sido fuente primaria de consulta del repertorio revueltiano a nivel mundial. Pero investigaciones masivas realizadas desde entonces por varios académicos a nivel mundial hicieron necesario revisar y actualizar el catálogo, no sólo en lo que toca a la obra, sino también literatura y grabaciones. Hoy reconocido como uno de los compositores más relevantes del siglo XX en el ámbito latinoamericano, el interés por su vida y obra ha crecido exponencialmente. De ello se derivó también la necesidad de traducir el catálogo al inglés y de publicarlo como plataforma de consulta electrónica bilingüe, así como en formato de libro electrónico y físico. La riqueza y diversidad, tanto de la obra de Revueltas, como la literatura y fonografía que ha surgido en el siglo XXI hizo necesaria la revisión de la estructura y contenidos del Catálogo, que en su nueva versión incluye una bibliografía específica por obra, convirtiendo esta publicación en una fuente de investigación primaria fundamental.

Um livro que resgata a riqueza e a expressividade do piano na música regional do Rio Grande do Sul. Resultado de uma pesquisa documental, a obra revela como o instrumento se integrou à identidade sonora do Sul. Além do conteúdo histórico, o leitor encontra um método com 9 estudos para piano, inspirados nos ritmos mais tocados da região. Ideal para músicos, estudantes e apaixonados pela cultura gaúcha. Uma leitura envolvente que une tradição, técnica e musicalidade. Projeto realizado com recursos da Lei Complementar nº 195/2022.

El objetivo del análisis fue develar significados de género en las canciones que
los y las jóvenes indicaron como sus preferidas. Consideramos imprescindible salir de
la mirada adultocentrista que presume conocer sobre los consumos culturales juveniles.
Se vuelve necesario conocer de primera mano los discursos contenidos en sus
preferencias. Nuestro interés primordial fue aproximarnos a los discursos de género
con los que se relaciona la juventud de nuestra investigación.
En esta dirección, la pregunta que guió nuestro estudio fue: ¿Qué significados
de género contiene y vehicula la música preferida por hombres y mujeres jóvenes de la
ciudad de Hermosillo? Para responder esta pregunta optamos por la metodología de
Fredric Jameson (1981) para el análisis de textos culturales. Esta propuesta posibilita
ahondar en la dimensión sociocultural desde un análisis en tres niveles de articulación
discursiva: emocional o psicológico, social y de clase-histórico. Así, el texto siempre
expresa conflictos y contradicciones psicológicas, socioculturales y de clase/históricas
que son posibles de rastrear y dan sentido al texto mismo.
El artículo se divide en cuatro secciones generales: 1) una sección conceptualteórica donde se explica qué se entiende por análisis del discurso en la música,
considerando la relación género-juventud, 2) una sección metodológica, 3) una sección
de análisis del discurso de las tres canciones y videoclips que forman la muestra y 4)
conclusiones y reflexiones finales.

En 1924, y en ocasión de las grandes celebraciones para el Centenario de la Batalla de Ayacucho, se publicó el libro Homenaje de la obra la Campaña de Ayacucho al Centenario de la Libertad Sud-Americana que tenía como principal objetivo entregar documentación sobre dicha campaña y memoriales patrióticos alusivos. En su introducción, Emilio Gutiérrez de Quintanilla señalaba que, entre todos los documentos, “singular y muy gozosamente los realza la canción, ignorada hasta hoy, que nuestro gran compositor Bernardo Alcedo dedicó a esa victoria” haciendo referencia a una obra, titulada por Alzedo como Canción a la Batalla de Ayacucho.

Música Oral del Sur es una revista internacional dedicada a la música de transmisión oral, desde el ámbito de la antropología cultural aplicada a la música y tendiendo puentes desde la música de tradición oral a otras manifestaciones artísticas y contemporáneas. Dirigida a musicólogos, investigadores sociales y culturales y en general al público con interés en estos temas.

Universitat Politècnica de València RESUM L'article examina la implantació del piano a València durant el segle XIX i la seua influència en la vida musical i cultural de la ciutat. L'instrument va substituir altres de tradicionals com el saltiri i el clavicèmbal, i el seu consolidament va impulsar la creació d'una xarxa de constructors, comerciants, intèrprets i docents. Així, el piano es va consolidar com un símbol de modernitat i estatus social, integrantse no sols en els grans escenaris, sinó també en les llars de la burgesia. A més, es va popularitzar en concerts, cafès i vetlades privades, amb una destacada participació de pianistes femenines. L'estudi aborda l'expansió del mercat del piano i la seua literatura, així com la consolidació de rutes de distribució. A més, s'empren eines d'anàlisi de xarxes per a identificar les figures més influents i les comunitats formades. La investigació destaca personatges com el constructor Pedro Gómez, el compositor i mestre José Valero i els docents Pascual Pérez Gascón i Justo Fuster, juntament amb altres rellevants com Antonio Ayala. Les seues interaccions van afavorir el desenvolupament musical i pianístic de la ciutat, posicionant-la en l'àmbit de la música romàntica a Espanya i Europa. Paraules Clau: piano; València al segle XIX; xarxes musicals. El artículo examina la implantación del piano en València durante el siglo XIX y su influencia en la vida musical y cultural de la ciudad. El instrumento reemplazó a otros tradicionales como el salterio y el clave, y su afianzamiento impulsó la creación de una red de constructores, comerciantes, intérpretes y docentes. Así, el piano se afianzó como símbolo de modernidad y estatus social, integrándose no solo en los grandes escenarios, sino también en los hogares de la burguesía. Además, se popularizó en conciertos, cafés y veladas privadas, con una destacada participación de mujeres pianistas. El estudio aborda la expansión del mercado del piano y su literatura, así como la consolidación de distintas rutas de distribución. Además, se emplean herramientas de análisis de redes para identificar a las figuras más influyentes y las comunidades formadas. La investigación destaca a personajes como el constructor Pedro Gómez, el compositor y maestro José Valero y los docentes Pascual Pérez Gascón y Justo Fuster, junto a otros relevantes como Antonio Ayala. Sus interacciones fomentaron el desarrollo musical y pianístico de la ciudad, posicionándola el ámbito de la música romántica en España y Europa.

RESUMEN

Este trabajo investiga la fusión de dos tradiciones musicales aparentemente dispares: la música barroca europea, personificada por Johann Sebastian Bach, y la rica herencia musical de Colombia. A través de una composición original titulada “Sincopando a Bach”, esta investigación aborda la creación de una suite colombiana para quinteto de cuerdas frotadas que incorpora elementos de la escritura contrapuntística barroca y ritmos sincopados característicos de la música colombiana. El estudio examina el proceso de composición, destacando las decisiones armónicas y melódicas que permiten la integración orgánica de estos dos estilos musicales en una obra cohesiva. Además, se analiza la influencia cultural y las implicaciones de esta síntesis musical, explorando cómo la música puede servir como medio para la expresión cultural y la promoción de la diversidad musical.
Palabras clave: Johann Sebastian Bach, música barroca europea, herencia musical de Colombia, escritura contrapuntística barroca, suite colombiana

 
ABSTRACT

This work explores the fusion of two seemingly disparate musical traditions: European Baroque music, personified by Johann Sebastian Bach, and the rich musical heritage of Colombia. Through an original composition titled “Sincopando a Bach”, this research addresses the creation of a Colombian suite for a string quintet that incorporate elements of Baroque contrapuntal writing and characteristic syncopated rhythms of Colombian music. The study examines the composition process, emphasizing the harmonic and melodic decisions that enable the organic integration of these two musical styles into a cohesive work. Furthermore, it analyzes the cultural influence and implications of this musical synthesis, exploring how music can serve as a means for cultural expression and the promotion of musical diversity.
Keywords: Johann Sebastian Bach, European baroque music, musical heritage of Colombia, baroque contrapuntal writing, Colombian suite

Este trabajo investiga la fusión de dos tradiciones musicales aparentemente dispares: la música barroca europea, personificada por Johann Sebastian Bach, y la rica herencia musical de Colombia. A través de una composición original titulada "Sincopando a Bach", esta investigación aborda la creación de una suite colombiana para quinteto de cuerdas frotadas que incorpora elementos de la escritura contrapuntística barroca y ritmos sincopados característicos de la música colombiana. El estudio examina el proceso de composición, destacando las decisiones armónicas y melódicas que permiten la integración orgánica de estos dos estilos musicales en una obra cohesiva. Además, se analiza la influencia cultural y las implicaciones de esta síntesis musical, explorando cómo la música puede servir como medio para la expresión cultural y la promoción de la diversidad musical. Palabras clave: Johann Sebastian Bach, música barroca europea, herencia musical de Colombia, escritura contrapuntística barroca, suite colombiana.

RESUMEN: Este artículo examina cómo la ópera Guatemotzín (1871) de Aniceto Ortega construye subjetividades contrastantes mediante recursos musicales que trascienden el simple exotismo. A través del análisis de elecciones tonales, contornos melódicos y estructuras rítmicas, exploramos cómo Ortega crea personalidades musicales distintivas para Cuauhtémoc y Cortés que representan conflictos culturales más amplios. En lugar de emplear marcadores musicales estereotípicamente "indígenas", Ortega utiliza el lenguaje musical occidental para crear un perfil psicológico complejo para Cuauhtémoc, reservando las referencias musicales prehispánicas para las secciones tlaxcaltecas. Este enfoque establece a Guatemotzín como obra fundacional del nacionalismo musical mexicano, donde elementos puramente musicales narran dinámicas de poder colonial y resistencia cultural.

Rumbo al festejo por los 500 años de la fundación de Puebla, el Instituto Municipal de Arte y Cultura celebró con un repertorio musical portentoso el 494 Aniversario de una de las ciudades más bellas del mundo que es nuestra amadísima Puebla de los ángeles.
Bajo la batuta de la destacada directora de orquesta Lizzy Ceniceros, los miles de asistentes al variopinto concierto disfrutaron al son de grandes compositores

La ópera Fidelio (1805) de Ludwig van Beethoven se estrenó en el Teatro Nacional de ciudad de México en abril 1891 con éxito modesto y poca atención por parte de la prensa musical. El compositor y crítico Gustavo E. Campa (1863-1934) presentó Fidelio a la sociedad mexicana en el diario El tiempo. Campa escribió un artículo que, por un lado, presenta una riqueza de datos extraídos de fuentes académicas de su tiempo y, por el otro lado, promueve la imagen de Beethoven como genio incomprendido para impulsar su agenda personal.

El presente artículo, escrito para conmemorar los 250 años del natalicio de Beethoven, invita a la reflexión sobre cómo el significado de las obras cambia con el paso del tiempo.

El compositor Gustavo E. Campa (1863-1934) fue uno de los críticos cosmopolitas con más presencia en la vida musical de Ciudad de México entre 1883 y 1914. Sus críticas educaron al público mexicano en la música de su tiempo, promoviendo el progreso artístico de la nación. Sin embargo, pese al impacto que tuvo en vida, Campa hay sido relegado en la historiografía de la música en México como un crítico francesista, europeizante y conservador. La presente tesis explica la actitud polémica de Campa desde la historia de la tradición de la crítica musical surgida en Europa en el siglo XVIII para comprender la tradición de la que éste formaba parte. Además, sostengo que el investigador ha de recrear el contexto en el que los críticos escribieron para comprender a qué respondían sus juicios estéticos y comentarios.

En este trabajo se aborda la actividad de la Capilla musical de la colegial de San Salvador de Jerez de la Frontera entre 1532 y 1599. Mediante el estudio de los músicos que la integraron y ocuparon su maestría, se logra trazar un acercamiento revisado al desarrollo de su actividad, hasta ahora solo parcialmente estudiado. De forma paralela, se incide y analiza especialmente la figura del músico Bernal González, el maestro más relevante de cuantos sirvieron a la Capilla durante el siglo XVI.

Este artículo presenta un análisis de la imagen percibida de Tijuana a través de cuatro composiciones musicales compuestas entre 1930 y 1941, todas creadas por compositores no mexicanos. El objetivo es discernir, a través de su contenido lírico y motivos musicales, marcadores específicos de identidad. Se busca iluminar una Tijuana distinta de la representación convencional predominante que la asocia con una ciudad marcada por el vicio y el deterioro moral. Esta indagación se fundamenta en preguntas fundamentales: ¿Qué constituía la percepción predominante de Tijuana durante la década de 1930? ¿Cómo podemos establecer una correlación entre la música elaborada por compositores extranjeros y las nociones preconcebidas en torno a Tijuana? De este modo, se logra trazar un recorrido histórico-musical que revela una ciudad con una identidad sonora y una historia distintivas.

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Durante los mil ochocientos, todas las regiones y sociedades del mundo participaron en nuevas dinámicas de producción, distribución y venta de instrumentos musicales que darían origen a una industria pujante, de corte capitalista, que se caracterizaría por nuevas maneras de consumo. Al paso del tiempo se configurarían redes internacionales que se encargarían de introducir prestigiosos instrumentos en lugares del mundo que décadas antes eran inaccesibles. México, desde su ciudad capital, fue la cuna de los primeros establecimientos que ofrecieron instrumentos musicales provenientes de las fábricas con mayor renombre —en particular dedicadas a la construcción de pianos, órganos e instrumentos de viento—, ubicadas principalmente en ciudades europeas (y más adelante en Estados Unidos). Los fundadores de aquellos primeros negocios interesados por el comercio instrumental fueron de origen extranjero, especialmente francés y alemán, por lo que tenían conocimiento de la popularidad de los objetos que importaban. Aquellos personajes, valiéndose de relaciones políticas, económicas y sociales trajeron ejemplares de enorme valor por sus cualidades tecnológicas, acústicas y estéticas, las cuales eran a la vez sinónimo de prestigio, modernidad y civilización. Las redes de comerciantes abonaron maneras propias de vender sus productos y compitieron por un lugar en la cada vez más fortalecida industria musical. Emplearon una nueva retórica de venta en la prensa, ofrecieron ejemplares nunca vistos y, sin ser fabricantes pero astutos promotores, regularon el consumo de los instrumentos musicales más populares de la época. Con el tiempo, numerosos establecimientos también se abrieron paso en la venta de estos artefactos y hacia finales de siglo coadyuvaron a que prácticamente todas las regiones del país tuvieran acceso a ellos. En esta investigación se expondrán los tiempos, espacios, personajes, establecimientos, instrumentos, regiones y particularidades que conformaron aquel complejo escenario de comercio instrumental en el curso del siglo XIX en México.

This document presents a summary of work conducted over several years in musical education, performance, and research related to Mexican traditional arts, specifically focusing on the traditional mariachi of Nayarit in its earliest form. Recognizing mariachi as a multidisciplinary, community-based, and multicultural expression, it embodies not only Nayarit's cultural heritage but also the heritage of the western central region of Mexico. Thus, initiating efforts to preserve, promote, and disseminate mariachi was both relevant and significant.

Julián Carrillo, compositor y director de orquesta de gran reconocimiento en el nacionalismo mexicano, nació en 1875, en Ahualulco, San Luis Potosí. A partir de la década de 1920 se dedicó, casi exclusivamente, a desarrollar un sistema que planteó el reto de crear una música nueva, con una nueva escritura, nuevos sonidos, nuevos instrumentos y nuevas composiciones. 1 Además, al maestro Julián Carrillo le fue otorgada por segunda vez la administración del Conservatorio Nacional, de 1920-1923, esto debido a los logros académicos, pero también porque representaba a la persona idónea que podía dirigir a México al progreso y la "modernidad" en la música. 2 Basándonos en la relación que mantuvo con algunos de sus alumnos, constructores y músicos más destacados de esta época, se profundizará en dos personajes jaliscienses: Rafael Adame Gómez, guitarrista, violonchelista y compositor; y Baudelio García Fernández, profesor y constructor de instrumentos musicales, como precursores e innovadores en la composición, ejecución y construcción de la guitarra en cuartos de tono y su utilización en la nueva teoría del Sonido 13.

Salazar es un crítico musical especialmente reconocido, sobre todo en el ámbito español y mexicano. A pesar de ello, aún quedan numerosas cuestiones por investigar en su complejo y rico discurso musical. Probablemente unas de las más importantes y olvidadas sean las cuestiones de género (teniendo en cuenta, además, que el crítico era homosexual, con la asunción no normativa que ello implica). Como se analizará en este artículo, estas miradas de género en sus textos críticos plantean de forma implícita una nueva masculinidad que invade de manera profunda diversas facetas asociadas a la música. De los aspectos vinculados con la nueva masculinidad se analizará uno especialmente claro en sus textos: el uso de las flores, los aromas y los perfumes, con énfasis en un perfume especialmente significativo, el oriental, y su relación con el homoerotismo y la música moderna. Palabras clave: música moderna, vanguardia, nueva masculinidad, flores, perfumes, orientalismo, homosexualidad. Adolfo Salazar is a particularly well-known music critic, especially in Spain and Mexico. However, there are still many issues to explore in his complex and rich musical discourse. Probably some of the most important and overlooked are the issues of gender (taking into account, in addition, that the critic was homosexual, with the non-prescriptive assumption that this implies). As analysed in this article, these perceptions of gender in his critical texts implicitly suggest a new masculinity that deeply pervades various facets of music. Of the issues related to new masculinity, one that is especially clear in his texts will be analysed: the use of flowers, aromas and scents, focusing on a particularly important scent, the oriental, and its relation to homoeroticism and modern music.

A composer, pianist, director and composition teacher in Uruguay, Puerto Rico, Venezuela, and United States. One of the best-known Uruguayan composers of his generation, his works have been presented in festivals worldwide. He started studying piano with Wilhelm Kolischer, harmony with Tomás Mujica, and composition with Lamberto Baldi, and completed his studies in the United States and France, where he studied composition with Aaron Copland, Arthur Honegger, Jean Rivier, and Darius Milhaud, and orchestral direction with Serge Koussevitzky, Eugène Bigot, and Jean Fournet. The de ning characteristics of his works are his use of a compositive principle based on "groups of sounds" and his search for musical communication by means of expressiveness and lyricism. His catalogue includes soloist works, mainly for piano, as well as symphonic, chamber, and vocal Article Héctor Tosar (1923-2002) By Juarez, Camila

Por medio de bibliografía, hemerografía, historia oral, y documentos inéditos, en este artículo busco reconstruir una parte fundamental de la historia de la enseñanza musical en Monterrey, Nuevo León: la contribución pedagógica del filósofo, pianista, compositor y maestro Nicandro Emilio Tamez Tamez (1931-1985), pionero de la educación multidisciplinaria de la música en México. Discípulo de algunos de los más prominentes pedagogos musicales y compositores del siglo XX-como Domingo Lobato, Miguel Bernal Jiménez, y el alemán Gerhart Muench-, Tamez desarrolló una pedagogía musical innovadora, que combinó la enseñanza del arte de los sonidos con la filosofía y las artes, impulsando la participación de sus alumnos en grupos de cámara y estimulando su creatividad por medio del estudio de la composición. Su aproximación multidisciplinaria al estudio de la música se vio consolidada con la creación del programa de licenciatura en música en la Universidad Regiomontana, que modeló a una generación de influyentes músicos de la región.

La música del compositor español José María Sánchez-Verdú (Algeciras, 1968) se caracteriza por la gran variedad de referencias culturales de diversa procedencia que contiene. Entre ellas, la música del pasado se erige como uno de los elementos más destacados. En efecto, dentro del catálogo del autor existen numerosas composiciones conectadas con obras de grandes músicos de otras épocas. Uno de los ejemplos más claros es Déploration sur la mort de Johannes Ockeghem (2001), una pieza para coro, viola, violonchelo y trombón, que establece un diálogo intertextual con la obra homónima de Josquin des Prez (también conocida como Nymphes des bois), quizás el lamento más célebre de su tiempo. La composición de Sánchez-Verdú contiene diferentes materiales musicales asociados a dos tipos de gestualidad melódica que comparten un mismo objetivo expresivo: transmitir una emoción de tristeza. Por un lado, presenta motivos musicales con una gestualidad descendente ligada a una reacción corporal espontánea de abatimiento; por otro, incluye elementos ascendentes conectados con una gestualidad expresiva más exagerada que responde a la voluntad de proclamar y difundir dicha tristeza. Tales gestos pueden considerarse como auténticas Pathosformeln (fórmulas afectivas) –siguiendo la terminología del historiador del arte Aby Warburg– que han pervivido en la cultura musical occidental durante siglos. Déploration sur la mort de Johannes Ockeghem de Sánchez-Verdú es una muestra de supervivencia de esas Pathosformeln de tristeza en el presente y, en última instancia, una prueba de supervivencia emocional y cultural. Este capítulo muestra cómo Sánchez-Verdú crea su propio lamento a partir de algunos materiales musicales prestados y otros propios que se ajustan a dichas fórmulas afectivas.