Latin American and Spanish Cinema

Resumen Este artículo presenta el análisis de todas las películas mexicanas de temática política producidas durante los años de 1910 a 2014. La metodología utilizada consiste en un análisis de contenido de 54 largometrajes para identificar: año de producción, director, género, período y temática política que aborda, y también los premios nacionales e internacionales que recibieron. Los resultados muestran que México cuenta con una importante filmografía y directores que han abordado acontecimientos claves de las transformaciones políticas del país en el último siglo. Palabras clave Cine político, México, régimen autoritario, cineastas, política.

Lo que se propone en este libro es un acercamiento al fenómeno del cine digital, pero también la construcción de un modelo histórico que dé cuenta de los varios factores que posiblemente estén presentes en esta explosión de creatividad relacionada con el cine.  Así como en la teoría del cine mundial lo digital implica retos conceptuales, el análisis de lo que sucede en Bolivia debería permitir repensar las categorías propuestas hasta el momento para una comprensión otra del fenómeno que interesa aqui.

La tecnología digital ha cambiado las maneras de representar, producir, distribuir y exhibir el cine. Además de haber permitido ampliar las posibilidades de formación y de plantear nuevos retos en la legitimación de los filmes. Así pues, el digital, como pocas tecnologías en la historia del cine, ha cambiado radicalmente todas las instancias que tienen que ver con dicho arte. Tanto así, que se ha vuelto un tópico común, tanto en la crítica como en la investigación, hablar de la muerte del cine.

Esta investigación busca analizar la manera en que funciona la institución-cine en un contexto tan sui generis como el boliviano, determinado por la incertidumbre y la inestabilidad. En un momento en el que varios presupuestos en los que se ha basado la institución-cine parecen cambiar a nivel mundial a partir de la irrupción de lo digital.

Este ensayo examina las representaciones de la “indianidad” latinoamericana prehispánica y colonial temprana en la industria del cine contemporáneo. Con este objetivo, ofrezco una breve reflexión sobre el proceso de representar al otro y los elementos del cine histórico teniendo en cuenta la aplicación de conceptos claves como deseo colonial, estereotipo, intertextualidad y fictocrítica.  Las seis películas examinadas incluyen "La caza real del sol" (1969), "Cabeza de Vaca" (1990), "La Otra Conquista" (1998), "El bien esquivo" (2001), "El Nuevo Mundo" (The New World, 2005) y "Apocalypto" (2006). Además, presto especial atención a películas que intentan colocar al indio como centro temático y como sujeto cuya mirada se intenta representar por medio de la ficcionalización fílmica creando de esta manera nuevos otros para la imaginación popular.

El objetivo del presente estudio fue el revelar las estructuras subyacentes de la novela Santa (1903) de Federico Gamboa y el filme homónimo (1918) dirigido por Luis G. Peredo. Mediante un diseño comparativo se observaron las diferencias y similitudes de dos disciplinas que, aunque distintas, pertenecen a un grupo, el de contar una historia.

El presente escrito analiza la representación de la figura del migrante latinoamericano en el filme La jaula de oro (Diego Quemada-Díez, 2013), interpretándola como la de un no-sujeto sometido a una lógica constante de negación, tanto externa (gubernamental) como interna; asimismo, se examina cómo esta condición se utiliza como una forma de supervivencia ante los diferentes tipos de violencia presentes, tanto en el lugar de origen como en el posterior viaje emprendido. Se abordan, de igual manera, las implicaciones del fenómeno migratorio en el continente americano bajo el sistema capitalista de la modernidad tardía vistos a través de los distintos momentos que ofrece la narrativa del filme.

En un primer visionado, y en términos estrictamente cinematográficos, la película me gustó más de lo que esperaba: está bien ambientada, bien "musicada" y con algunas buenas interpretaciones. Hasta Najwa Nimri está mejor de lo habitual en ella (digamos que no figura en mi lista de actrices favoritas), aunque quien más destaca es Aixa Villagrán, en el papel de

El articulo examina la política exterior de México durante la Guerra Fría, comprendida para efectos de la investigación de 1947 a 1988 ―es decir, de los periodos presidenciales de Miguel Alemán Valdés hasta Miguel de la Madrid Hurtado―, centrándose en la aplicación de una diplomacia cultural ejercida a través del cine. El objetivo principal es explorar cómo las exportaciones cinematográficas reflejan una estrategia de neutralidad y diplomacia cultural, analizando el destino y la distribución de las películas mexicanas en ese periodo. El argumento central sostiene que México, en su afán de mantener una postura independiente en el ámbito internacional, utilizó el cine como una herramienta de soft power, eligiendo cuidadosamente los países de destino para sus películas en funciones de los intereses estratégicos. La metodología adoptada consiste en un análisis cuantitativo y cualitativo de la producción y exportación cinematográfica, considerando las coyunturas políticas y los distintos periodos presidenciales para evaluar los alcances y limitaciones de la política exterior mexicana durante el periodo de Guerra Fría.

En este artículo, se analiza la representación de la violencia interseccional en la novela Carcoma (2021) de la escritora española Layla Martínez. Las dinámicas de poder reflejadas en la obra se analizan con base en las aportaciones filosóficas de Michel Foucault y la teoría de la interseccionalidad, desarrollada por Kimberlé Williams Crenshaw. Una vez realizada la investigación, se descubre que, en la novela, varias formas de violencia se dividen dentro de la tipología de la violencia personal (recíproca; redirigida; autoinfligida) vs colectiva (violencia política económica; violencia social; violencia machista; violencia del poder discursivo). En la obra, el poder se manifiesta a través de una multiplicidad de relaciones de fuerza, de manera que se forma una cadena de distintos poderes y los personajes están en situaciones de padecer y/o ejercitar ese poder. Asimismo, al realizar la investigación, resulta que los elementos místicos funcionan como un mecanismo constitutivo y estructurador y sirven como una herramienta de denuncia y de empoderamiento literario.

This article analyzes the representation of intersectional violence in the novel Carcoma (2021) by Spanish author Layla Martínez. Therefore, power dynamics are studied based on both Michel Foucault's philosophical contributions and the theory of intersectionality, developed by Kimberlé Williams Crenshaw. Once the research is done, it is discovered that in the novel several forms of violence are divided within the typology of interpersonal violence (reciprocal; redirected ; self-directed) vs collective violence (political/economic violence; social violence; violence against women; discursive violence) and that the power manifests itself through a multiplicity of force relations, forming a chain that makes the characters of the novel to both submit to and/or exercise this power. Furthermore, the research also reveals that the mystical elements act as an essential structural mechanism that serves as a tool for both social protest and fictional empowerment.

Español:
Este artículo analiza la construcción de subjetividades
y personalidades sonoras en la ópera Caupolicán (1902) del
compositor chileno Remigio Acevedo. A través de un examen del
libreto y su musicalización, se explora cómo la obra configura
distintas figuras narrativas y perfiles psicológicos contrastantes
que trascienden la mera representación histórica para articular
un entramado de identidades sonoras. El análisis revela cómo
Acevedo utiliza recursos musicales específicos—como oposiciones
rítmicas, texturas corales diferenciadas y tratamientos armónicos
contrastantes—para construir perfiles sonoros distintivos que
definen a los personajes, tanto individuales como colectivos. Se
estudia particularmente la caracterización musical del héroe
indígena, las figuras femeninas (Fresia y Tegualda) y la oposición
entre los coros mapuche y español como manifestaciones de
subjetividades en tensión. Este enfoque permite comprender la
ópera no solo como un artefacto de construcción nacional, sino
como un espacio de negociación y configuración de identidades
múltiples que reflejan las ambivalencias y contradicciones del
proyecto nacional chileno de principios del siglo XX.

English:
This article analyzes the construction of subjectivities
and sonic personalities in the opera Caupolicán (1902) by Chilean
composer Remigio Acevedo. Examining the libretto and its
musicalization, it explores how it configures different narrative
figures and contrasting psychological profiles that transcend
mere historical representation to articulate a framework of
sonic identities. The analysis reveals how Acevedo uses specific
musical resources—such as rhythmic oppositions, differentiated
choral textures, and contrasting harmonic treatments—to build
distinctive sound profiles that define the characters, both individual
and collective. The musical characterization of the indigenous
hero, the female figures (Fresia and Tegualda), and the opposition
between the Mapuche and Spanish choirs as manifestations of
subjectivities in tension are particularly studied. This approach
allows understanding of the opera not only as an artifact of national
construction but as a space for negotiation and configuration of
multiple identities that reflect the ambivalences and contradictions
of the Chilean national project of the early 20th century.

En ¡Saludos, cubanos! (1963) de Agnès Varda vemos la construcción de un imaginario social y cultural de Cuba como una utopía caribeña poblada por el canto, el baile y la alegría. A través del concepto de afectividad de Espinoza, nos interesa pensar como las representaciones de afectos alegres funcionan como potenciadores de la acción en el marco de proyectos emancipadores o de izquierda de la década de los 60. Palabras clave: cine documental; afectos; Revolución Cubana; Agnès Varda.

A finales del siglo pasado, Tesis (1996, dir. Alejandro Amenábar) lle- gó a ser uno de los thrillers de terror más taquilleros en España. Algunos años después, [REC] (2007, dir. Paco Plaza y Jaume Balagueró) dobló aquel éxito y se situó entre las películas más vistas de su década. Este artículo sugiere una correlación entre ambos films apoyándose en el metadiscurso cinematográfico de cada trama. Específicamente, se sostiene que la entrada de la protagonista de Tesis en el plano de una cámara de vídeo supone una fusión entre realidad y espectáculo que se prolonga en la falsa telerrealidad de [REC]. Esta idea preli- minar permite una lectura de ambos films en conversación con las inquietudes asociadas a la sociedad de la imagen en diferentes momentos de su evolución. Las películas estudiadas incluyen en su narrativa y en su estética las películas snuff, las cámaras de circuito cerrado, el found footage, los videojuegos shooter y el falso reportaje televisivo. Estos elementos, además de generar una atmósfera de suspense, conducen a consideraciones sobre el papel del audiovisual en la época contemporánea. El estudio también examina el diálogo que establece Tesis con películas precedentes donde lo fantasmal cobraba protagonismo, y analiza la aportación de la figura del zombi en el caso de [REC]. Todo ello sirve para entablar una discusión sobre cómo la evolución tecnológica que enlaza un film con otro y sus recursos de terror traducen las ansiedades políticas y sociales del momento, las cuales hunden sus raíces en eventos históricos.

Notas preliminares: el cine y las formas de imaginar una Isla [6] El 68, la memoria conmemorativa de los Cien Años de Lucha y La odisea del general José (1968) de Jorge Fraga [16] Conmemoración y representaciones 16 El cine y la memoria imaginada 23 Memoria de la fundación e inquietud del presente. Una pelea cubana contra los demonios (1971) de Tomás Gutiérrez Alea [34] La memoria entre la escritura y el cine 34 Tras la identidad plural de la nación 41 El espejo de dos caras 54 Los caminos de Caliban en el cine de Tomás Gutiérrez Alea [58] Caliban contaminante y rebelde en la isla de las transfiguraciones 61 Caliban danzante: el cuerpo en movimiento como expresión de resistencia 66 Caliban monstruo: deformidades del cuerpo y del habla que lo identifican como el otro 70 Caliban absurdo o lo disparatado como signo identitario 72 Caliban tunante: la picaresca insular 77 Caliban nuestro que estás en la tierra 82 La revolución que demuele y construye. Espacios de confrontación, subjetividades en conflicto [86]

This thesis approaches the work of Manuel Puig regarding the critical relationship that the Argentine author accounted for and established with the natural and cultural landscape of the pampas. Firstly, this 'uncomfortable' relationship serves the purpose of placing Puig's work within the history of Latin American narrative as a crucial turning point that unveils literary and cultural rigidities of the region. Regarding the imbrication between cinema and literature it emphasises, Puig's work would constitute a rupture with a certain canonical Latin American narrative by means of both an effective and affective political relationship set between bodies and mediascapes. I chiefly discuss and critically revisit the framework elaborated by Cuban critic Roberto González Echevarría on Latin American narrative, as well as the historical debate on culture/identity opened by D. F. Sarmiento from the nineteenth century onwards. Secondly, Puig's 'uncomfortable' relationship makes it possible to address both literary and cinematic works that underline their own discontent with traditional narratives, thus raising relevant issues of territory, landscape, the national/transnational and language/translation, and, in so doing, supporting the idea of an 'uncomfortable Latin American narrative.' The work of Colombian Andrés Caicedo and Chilean Alberto Fuguet as well as specific films of the Hong Kong director Wong Kar-wai and the Argentine Lucrecia Martel are analysed. I use the general theoretical framework and my own analysis of Puig, together with the corresponding theoretical complements, in order to approach the above mentioned authors' respective works. quite ideological spaces Puig successively faces: the Italian neorealism rules he encounters in Rome as a cinema student at Cinecittà, the Argentine literary/cultural context on the verge of his literary debut and the canon of Latin American literature itself at that time. These spaces constitute literary and cultural landscapes, and, as I shall argue, Puig summarises them under a significant label: the dry pampas. From this perspective, Puig's work constitutes a privileged precedent. It enables us to understand other works/texts -either cinematic or literary-which have attempted to challenge canonical modes of representation, and in some cases even the very idea of something restrictively called 'Latin American.' The filmmakers and authors addressed here can be placed in conjunction with Puig's work, as they deal with analogous overlaps as well as with similar restrictive spaces, though raising important discontents of their own. In that sense, however, Puig's work by no means constitutes a definitive source for the authors/directors chosen, the explicit influence some of them have acknowledged notwithstanding. Their works do not replicate Puig's position, albeit they can be related to it, that is, to their own respective critical positions within their respective literary/cinematic realms. While Alberto Fuguet's work can be seen as influenced directly by Puig, it deals however with both cultural and linguistic landscapes strongly linked to Fuguet's own transnational background. The work of Colombian Andrés Caicedo appears practically in parallel to Puig's, early detaching from celebrated Latin American literature produced from the 1960s on (with the Boom generation and the context of magical realism). In a similar way, while it is possible to address the traces that Puig's work has left upon Wong Karwai's aesthetic, a film such as Happy Together (1997) raises questions (for example, in relation to hybridity and transnationalism) beyond the scope of this influence. Lucrecia Martel's La ciénaga (2001), for its part, depicts uncomfortable bodies surrounded by a landscape just opposite to Puig's dry pampas. What matters here, therefore, is not so much the influence as the discontent itself, which might be considered, as we shall see in the end, as prominently political. In an article in part devoted to explain the link between cinema and literature, the first sentence Puig writes is neither related to the literary nor to the cinematic, but to the geographical. Yet it corresponds not to an allegory resorted to in order to explain something else, for Puig's complaint has concrete coordinates. The Argentine author goes on explaining how far his provincial village was from other points of reference (Buenos Aires, the sea, the mountains), and also how he believed there was a sort of comforting oasis located in that arid town where he grew up: 'en la pantalla del cine del pueblo se to show how Sarmiento's work constitutes an Argentine and Latin American tradition that Puig both deals with and works from. It is not just a matter of how Puig disobeys certain cultural boundaries, but how these boundaries constrain both Puig's work and life, therefore, how Puig manages to destabilise Sarmiento's tradition. For our starting point is, above all, an autobiographical story about transits -and not just about oppositions-from province to city, from the pampas to Buenos Aires, from Argentina to Europe: 'En Buenos Aires no existía la realidad del placer. […] Tardé muy poco tiempo en descubrir que tampoco en Roma […] existía esa ansiada realidad paralela' (Puig 1985a, p. 7). Thus, in Chapter 2 I argue that even though Puig's work unfolds within Sarmiento's tradition (rejecting the pampas), it detaches from it to the extent that Puig feels, unlike Sarmiento, as uncomfortable in the pampas as at the city or at European metropolitan centres. Here the geographical aspect shows its cultural implications and its tight imbrication with those restricted realms Puig experiences and, as we shall examine, with relevant transnational and linguistic displacements involved. This set of elements define the thesis's first two chapters, providing a general context for the following two ones in my analysis of the works of Martel, Wong, Caicedo, and Fuguet. Unlike the first two ones, both Chapter 3, which focuses separately on Alberto Fuguet's and Andrés Caicedo's work, and Chapter 4, which approaches Wong Kar-wai's and Lucrecia Martel's oeuvre in consecutive sections, tend to address specific works. This is at least for a couple of reasons. First, in addressing specific works, this thesis achieves an important counterbalance to previous chapters, which are centred exclusively on Puig's work critically regarding Puig's years before his literary debut. Second, I consider that the work/films analysed stand out, respectively, as the most pertinent to be linked to the matters this thesis focuses upon. Additional theoretical definitions will be offered throughout. Considering that what is at stake is, basically, the refusal of a determined landscape, it is relevant to regard those other substitute sceneries which, in most of Puig's novels, seem to soften the sternness in every setting. Unlike the representation of nature that, as we shall see in Chapter 1, has historically dominated Latin American literature, Puig's work images of nature constitute unrooted fragments provided mainly by the cinematic imagination (mediascapes). However, these fetishised depictions taken mainly from the Hollywood archiveespecially tropical/Caribbean iconic images-are by no means neutral; they become an effective means of resisting those strenuous spaces Puig's characters often endure. This leads us to the problem of how nature is represented. If Puig's work decompresses a certain 11 overpresence of nature in Latin American narrative, as I argue in Chapter 1, it is worth understanding how this relationship is restated, how natural landscapes can take on other forms and roles. For this purpose, we need a helpful theory of the representation of nature. Nils Lindahl's Mediating Nature (2006) offers us a suitable approach that is important to define beforehand. Lindahl distinguishes three discourses of nature. First, the naturalist discourse, wherein nature is defined through a traditional distinction, 'premised on a separation between the human and non-human nature, between nature and culture ' (2006, p. 18). The second one, the culturalist discourse, considers nature as culturally defined, nature is constructed as a (meta-)discourse itself, a result of seventeenth-century Western philosophy (ibid.). The third discourse, the postmodern one, regards nature not as an objective nonhuman reality, and not as a discursive apparatus either. Nature, instead, constitutes a hybridism beyond the culture-nature separation, involving 'mutually imbricating elements, some of which are "other than human" or "more than human," and whose proverbial "sum" is something other than the "parts"' (ibid., p. 21). However, for Lindahl these discourses 2 do not suffice, as his analysis focuses not only on the nature of nature, but specially on mass-mediated nature. The difficulty arises when, despite the synthetic postmodern approach, Lindahl needs to figure out how nature has been something taught, learned, referred to, or massively reproduced, that is, something with a significant degree of autonomy from human experience. Thus, drawing on Charles Pierce's linguistics, Lindahl develops a perspective comprising three interrelated categories. Firstly, the nature of firstness, nature as pure virtuality and possibility: 'The metaphors of Eden used repeatedly to describe such a nature are appropriate in so far as they emphasize the promised and promising nature of the context' (p. 26). Secondly, nature as secondness, where it becomes 'a matter of action and reactions' (ibid.), of causalities and physical efforts which force an experience, nature 'of the ant that bites explorers, of an oil palm nut that falls into a river' (p. 27). Finally, the nature of thirdness, whereby nature becomes signs and 'all the media by means of which nature might be represented, and/or might be made to present itself: nature re/presented' (ibid.). These categories, however, never appear...

Medieval attempts to make sense of and represent visions have uncanny relevance to the films of Luis Buñuel, and especially those with explicitly medieval themes: Simón del desierto (1965) and La Voie lactée (1969). The former, the last of the films Buñuel produced in Mexico, takes inspiration from the life of a fifth-century Christian stylite, or pillar-saint, and transforms Mexico’s El Valle del Mezquital into the Syrian desert. The latter follows the journey of French pilgrims to Santiago de Compostela, but it collapses together various geographies and 2000 years of history. This chapter traces Luis Buñuel’s medievalism in his autobiographical
writing, personal correspondence, and films. Buñuel’s perception of living through a long Iberian Middle Ages came to shape his unique cinema, as did his interest in religious texts and their descriptions of miracle and theophany. I examine the features of Buñuel’s cine-medievalism that most resonate with medieval depictions of visionary experience, prophecy, and theophany: the merging of temporalities, of mental and physical space, and of the literal and metaphorical.

La Cinemateca del Tercer Mundo Una posible arqueología de sus archivos  (1969-1973) por Isabel Wschebor Pellegrino  A possible archeology of its archives Resumen Esta presentación es un recorrido por el contexto de producción y resguardo de las películas reunidas por la Cinemateca del Tercer Mundo (C3M) entre 1969 y 1973. Se analiza cómo su actividad fue diezmada por la multiplicación de las medidas represivas, hasta desaparecer durante el golpe de Estado de junio de 1973 en Uruguay. Este proceso tuvo un impacto significativo en la historia de su acervo y espacios de funcionamiento, elementos claves para las condiciones de permanencia en el tiempo de un archivo.

The paper examines the figuration of sounds in the first film of Lucrecia Martel, La Ciénaga (The Swamp, 2001), with a particular emphasis on the interpretation of the figural dynamics of the film's last scene. It argues that the idea of sonic cinema by Gregg Hainge is relevant for the figural analysis developed by Nicole Brenez since Hainge shows that the sonic realm is a privileged sphere to grasp the figuration of the filmic material. This means also that the essential dynamism of cinema can be clearly revealed through the mapping of sonic operations and through the understanding of sonic plasticity. This paper tries to map the operations of this kind in Lucrecia Martel's film through the isolation of sonic figures and the description of their transfiguration. The analysis reveals that this film develops a figural relationship (in the sense established by Erich Auerbach) between sounds and the source of sounds, between ambiguous signifier and clear signified, between sensory impression and trancendental experience. Martel's film uses the very base of filmic material -the connection and disconnection of sound and image -for a metaphisical interpretation of the human experience.

Lucrecia Martel’s first three feature films, often referred to as the Salta Trilogy due to their shared setting in the Salta Province of northern Argentina, depict lives, and a world, in crisis. Her critical approach to cinema furthermore draws attention to processes of perceptual crisis that occur through the interplay between characters, viewers, and the cinematic image. This essay studies the relationship between crisis and critique in her films, proposing that it is grounded in one of the central narratives of modern art: the narrative of estrangement, whereby art is a process that enacts perceptual crises and renewals, allowing viewers to see, hear, and feel things differently. The overwhelming emphasis in existing scholarship lies in the ways that Martel’s films successfully estrange viewers’ perception, generating a critical consciousness of reality and laying the groundwork for transformative political action. This essay, in dialogue with texts by Jacques Rancière, Roger Ebert, Ana Amado, Rei Terada, and Pier Paolo Pasolini, argues that her Salta Trilogy also dramatizes, and reflects on, the crisis of estrangement itself in the art cinema of the turn of the twenty-first century. By situating Martel’s perception-oriented approach on the interior of the atmosphere of crisis that saturates her films, it demonstrates how they simultaneously rely on the narrative of estrangement, and consider its possible failure.

En 1947, la novela El jugador dio lugar a la primera película en español rodada a partir de una obra de Fiódor Dostoievski. El objeto de este artículo es un estudio comparado de los hipertextos que dicha novela generó cuando Manuel Villegas López, como guionista, y León Klimovsky, como director, decidieron llevarla al cine en Buenos Aires. Nos referimos a cinco hipertextos: el tratamiento, el guion literario, el guion técnico, la síntesis argumental y la película. Nuestra hipótesis es que lo que más se valora hoy del film, su modernidad, ya estaba en los textos escritos por Villegas. El análisis narratológico demuestra que, en efecto, la modernidad del film es el resultado de las operaciones que Villegas adopta en el discurso en cuanto a las categorías que Genette denomina voz, aspecto, tiempo y modo.

In the 1980s, two groups were created and developed, the Centro de Medios
Audiovisuales (CEMA) in Uruguay and the Chilean newscast Teleanálisis (TA) that used video as a communicational and informative tool in their respective political contexts: transition to democracy and dictatorial government. This research proposes to relate both experiences within a broader perspective at the Latin American level. To work with archive material together with readings and testimonies built a particular panorama in political, social and cultural terms. In this way, this thesis raises a double contribution: on the one hand, observing the use and transitions of the technologies applied to audiovisual production between 1980 and 1995 and, on the other, analyzing the exchange scenaries where audiovisual producers, international organizations' referents and academics related to communication generated substantial networks for the consolidation of video technology in the continent.
Full text: https://www.colibri.udelar.edu.uy/jspui/handle/20.500.12008/35883

Este artículo desarrolla un análisis de la música y las voces narradoras en dos largometrajes de ficción pertenecientes al Nuevo Cine Chileno: Valparaíso, mi amor (Aldo Francia, 1969) y El chacal de Nahueltoro (Miguel Littin, 1969). Se propone una indagación descriptiva y funcional fundamentada en las teorías de la banda sonora (Buhler 2019; Buhler, Deemer y Neumeyer 2010; Neumeyer 2015; Chion 1997; 2004; 2018; Kozloff 1988; Gorbman 1987, entre otros), tomando como contexto primordial el estudio de lo cinematográfico, y el desarrollo incidente de lo sonoro para con lo visual dentro del espacio abstracto de la instancia narrativa (Aumont et al. 1996) y la constitución de un discurso cinematográfico (Aumont et al. 1996; Stam 2001; Metz 2002). Desde ese marco, se ponen en discusión las premisas en torno al valor realista intrínseco de estas dos cintas, y se argumenta en torno a cómo las músicas y las voces contribuyen precisamente a un refuerzo de la ficción.

Las músicas del organillo chileno dan cuenta de cruces e intercambios culturales ocurridos en sus más de 170 años de uso. Sus cilindros, no solo albergan la combinación de músicas originales europeas con canciones populares y del folclor local, sino que también dan testimonio de prácticas basadas en la manipulación del dispositivo para la renovación de repertorio. Para estudiar este fenómeno, revisamos la música de 33 cilindros de organillos, analizamos producciones discográficas y entrevistamos a cultores. De este modo, se pudo establecer un acercamiento a un elemento curiosamente muy poco estudiado, pero central para el patrimonio del oficio organillero: la música.

In the late 1990s and early 2000s Latin American films Amores perros, Diarios de motocicleta, El hijo de la novia, Y tu mamá también, and Cidade de Deus enjoyed unprecedented critical and commercial success in global markets. Benefiting from external financial and/or creative input, these films were considered examples of transnational cinema. This book examines the six transnational directors (Iñárritu, Cuarón, del Toro, Meirelles, Salles and Campanella), who made these and the subsequent commercially successful and mostly ‘deterritorialized’ films (21 Grams, Babel, Biutiful, El espinazo del Diablo, El laberinto del fauno, Blindness, The Constant Gardener, Children of Men, On the Road, El secreto de sus ojos). Arguing against criticism in which these films’ commercial (Hollywood) and transnational features efface the authorial sensibilities of these directors and make them irrelevant to Latin American trends and politics, this book shows how they engage with national, continental a...

Recenzió Lénárt András: “Mozgóképes múlt - Közelítés a film és a történelem kapcsolatához”,Kronosz kiadó, Pécs, 2024 című könyvéről./Review of András Lénárt's book "Cinematic past - Approaching the relationship between film and history", Kronosz, Pécs, 2024.

El programa de films " Consumir el consumo"  explora las dinámicas de los flujos culturales y económicos en el contexto de los años 70, cuando se consolidaron las dictaduras latinoamericanas y comenzó el proceso de financiarización del capitalismo.

Las películas que lo integran, como las de Hélio Oiticica, utilizan los clichés de la industria del entretenimiento para crear una afirmación ambigua, donde se cuestiona el sistema sin una simple actitud de rechazo. Estos trabajos exploran la torsión entre el espectáculo mediático y la subjetividad de los individuos, poniendo en evidencia una mezcla de apropiación y resistencia.

A través de la recontextualización de estrellas de cine hollywoodiense clásico, o de músicas pop, las películas desafían la lógica capitalista, proponiendo una crítica al consumo, no en términos de negación, sino en una suerte de resignificación lúdica. La ambigüedad en estos gestos refleja un espacio de resistencia que va más allá de la política tradicional, vinculando prácticas disidentes y la creación de nuevos lenguajes a través del ocio, la improductividad y el gozo, que permiten una forma de “alienación de la alienación”.

Programa de films por Ж:

Agripina é Roma Manhattan (1972) – Hélio Oiticica -15 min

Vivencial I – Jomard Muniz de Britto (1974) 13 min

Lupe – José Rodriguez-Soltero (1966)  49 min

Frescáh no Cirio (2015) – Leona Vingativa – 5 min

A partir de este corpus documental, los investigadores asociados del Departamento de Investigaciones de nuestra Biblioteca Nacional, Ferreira y González Estévez, desarrollan un estudio meditado y profundo sobre la red metadiscursiva rioplatense en la que Horacio Quiroga desarrolló un diálogo intertextual hasta ahora inexplorado con el contexto crítico cinematográfico de su época, y otro intratextual entre su producción ficcional y la teórico-crítica que exploró el nuevo arte del siglo XX.
Con este Cuaderno de Literatura, la Biblioteca Nacional de Uruguay cumple una vez más con el objetivo de producir conocimiento y abrir campos de estudio a futuros investigadores.

Elena Romiti

Este texto analiza la representación estética de la violencia ejercida sobre el cuerpo masculino en el filme Heli (Amat Escalante, 2013) y su relación con una política de soberanía criminal en el marco de la guerra del Estado mexicano contra el narco. A nivel del estilo, la cinta construye un hecho social —término de André Bazin— en el que la representación frontal y pausada del tormento al cuerpo masculino y de su emasculación, con su trasfondo escénico, aluden a la necesidad del Estado mexicano de afirmar su identidad viril mediante la degradación de identidades masculinas en zonas colonizadas.

In the late 1990s and early 2000s Latin American films Amores perros, Diarios de motocicleta, El hijo de la novia, Y tu mamá también, and Cidade de Deus enjoyed unprecedented critical and commercial success in global markets. Benefiting from external financial and/or creative input, these films were considered examples of transnational cinema. This book examines the six transnational directors (Iñárritu, Cuarón, del Toro, Meirelles, Salles and Campanella), who made these and the subsequent commercially successful and mostly ‘deterritorialized’ films (21 Grams, Babel, Biutiful, El espinazo del Diablo, El laberinto del fauno, Blindness, The Constant Gardener, Children of Men, On the Road, El secreto de sus ojos). Arguing against criticism in which these films’ commercial (Hollywood) and transnational features efface the authorial sensibilities of these directors and make them irrelevant to Latin American trends and politics, this book shows how they engage with national, continental a...

Escribir, reescribir, quizás soñar. Fue una de las características del Modernismo Hispano la reescritura de textos de otros autores, dándoseles crédito o no. Tal parecía que el mensaje-y, a veces, hasta su hechura-vía la respuesta del lector (que, en estos casos, era también prestidigitador de palabras) se hacían independientes de su forma original. Martí fue, posiblemente, uno de los primeros practicantes de tal modalidad creadora, lo cual resulta del todo lógico, pues formó parte del grupo de fundadores del primer movimiento literario en castellano nacido fuera de España. Basado en lo anterior, se me ocurre reescribir (respetuosamente, aunque con debatible calidad) unos conocidos versos del Apóstol: Dos tiempos tengo yo: uno para vivir y otro para morir. ¿O son uno los dos? Ello me conduce, entonces, al concepto de tiempo. Los físicos siempre nos han dicho que este es unidimensional e irreversible. Más recientemente, el italiano Alessandro Coppo teoriza que el tiempo no es un elemento fundamental de la realidad, sino solamente una ilusión creada por el entrelazamiento cuántico 2. Por mi supina ignorancia en el campo de las ciencias, no puedo adentrarme en teorías que, dada mi reducida capacidad intelectual, no van más allá de indescifrables galimatías. Hay otra definición no de un científico, sino de un filósofo, que sí está a mi altura intelectual: la de Martin Heidergger, quien dijo que "creemos que el tiempo pasa, cuando los que pasamos somos nosotros." 3 Ello implica que, para el controversial alemán, el tiempo es estático, a partir de lo cual se me ocurre ver/sentirlo como una especie de muralla sin principio ni fin, junto a la cual andamos quedos o al galope, según las circunstancias del yo de cada cual, alargando o apurando todos el período de forjadores de huellas haciendo camino al andar. Ahora bien, ¿qué determina ese transitar lento o veloz junto al tiempo hasta llegar al cáliz que nada ni nadie puede apartar de cada ser humano? Unos beberán de la postrera copa sosegados; otros, por el contrario, exhaustos de ser. En este punto de mi reflexión no puedo evitar referirme a la vieja y conocida porfía de predestinación VS libre albedrío. Según los propugnadores del primer elemento de la paradójica dicotomía, el ciclo vital de todos está predestinado; para los que se adhieren al segundo, el ser humano hace su propio destino.

El triunfo de la Revolucion Cubana inaugura en Latinoamerica una epoca donde empieza a sentirse/vivirse que la revolucion social era “posible”, necesaria y urgente. Siguiendo esta tradicion pero sin recurrir a las armas, “la via chilena al socialismo” impulsada por el gobierno de la Unidad Popular (1970-1973) intento llevar adelante un gobierno popular y democratico. En este sentido, el bloque de los anos 60/70 se caracterizo por la practica politica y artistica entrelazada. Asi, se fue generando en el continente un “cine revolucionario” que buscaba con la realizacion cinematografica aportar a la construccion del socialismo. En Chile la practica de los cineastas militantes estuvo atravesada por este “compromiso”, este sentimiento de urgencia y necesidad etica de lograr con la camara aportar al proceso revolucionario.

El cine norteamericano tiene una gran importancia en la difusión de estereotipos y mitos sobre los "otros", es decir todos aquellos que desde la perspectiva de la cultura norteamericana dominante, están marcados por la diferencia étnica, religiosa y nacional. Debido a que la industria cinematográfica norteamericana tiene un alcance mundial las imágenes que difunde de los otros, pueden llegar a constituir la única o principal fuente que nutre las representaciones de pueblos y etnias que no se conocen mediante el contacto cara a cara. En las películas norteamericanas nos encontramos con diversas imágenes sobre el hombre y la mujer latina que pueden tener consecuencias en cuanto a cómo percibimos y cómo nos relacionamos con la gente proveniente de América Latina. Se trata de representaciones estereotipadas y mitologizadas de los "latinos" 1. Algunas

Volumen 1 – 9 reseñas en total de 5 países; 6 reseñas en revistas Scopus, WoS o Conahcyt:

---------- Mexican Transnational Cinema and Literature, edited by Maricruz Castro Ricalde, Mauricio Díaz Calderón and James Ramey, offers innovative analyses of Mexican film and literature through a transnational lens. This bilingual collection of essays examines how Mexican cultural productions transcend national boundaries in terms of aesthetics, production, distribution, and reception. The volume is organized around three key themes: the transnational, the national, and representations of the local and global. Contributors provide in-depth studies of films from Mexico's Golden Age to contemporary art cinema, as well as explorations of literary works. By questioning rigid notions of national cinema and literature, the essays illuminate the porosity of borders and the complex interplay between the local, national and global in Mexican cultural expressions. This interdisciplinary volume makes a significant contribution to debates on transnationalism in film and literary studies, offering new perspectives on how Mexican cinema and literature engage with issues of identity, cultural exchange, and globalization.

---------- Mexican Transnational Cinema and Literature, editado por Maricruz Castro Ricalde, Mauricio Díaz Calderón y James Ramey, ofrece análisis innovadores del cine y la literatura mexicana a través de una lente transnacional. Esta colección bilingüe de ensayos examina cómo las producciones culturales mexicanas trascienden las fronteras nacionales en términos de estética, producción, distribución y recepción. El volumen está organizado en torno a tres temas clave: lo transnacional, lo nacional y las representaciones de lo local y lo global. Los colaboradores proporcionan estudios en profundidad de películas desde la Época de Oro del cine mexicano hasta el cine de arte contemporáneo, así como exploraciones de obras literarias. Al cuestionar nociones rígidas de cine y literatura nacional, los ensayos iluminan la porosidad de las fronteras y la compleja interacción entre lo local, lo nacional y lo global en las expresiones culturales mexicanas. Este volumen interdisciplinario hace una contribución significativa a los debates sobre el transnacionalismo en los estudios cinematográficos y literarios, ofreciendo nuevas perspectivas sobre cómo el cine y la literatura mexicana abordan cuestiones de identidad, intercambio cultural y globalización.

This bilingual introduction frames the key themes and questions explored in this edited volume on Mexican transnational cinema and literature. It problematizes concepts of national cinema and literature in an era of increased global mobility and cultural exchange. The editors highlight how the book's chapters examine transnational flows and border crossings in Mexican film and literary production across three main axes: transnationalism and postmodernism; textual movements and displacements; and migration and borders. They emphasize how the contributing authors analyze works that challenge rigid notions of national identity and representation, instead revealing the hybrid, fluid nature of cultural production in a globalized context. The introduction situates the volume's scholarship within broader debates about nationalism, transnationalism and cultural circulation in the 21st century, particularly in light of resurgent nationalist discourses. It argues for understanding Mexican cinema and literature through a transnational lens that recognizes the complex interplay between the local, national and global.

--------------- Esta introducción bilingüe enmarca los temas y preguntas clave explorados en este volumen editado sobre el cine y la literatura transnacional mexicana. Problematiza los conceptos de cine y literatura nacional en una era de creciente movilidad global e intercambio cultural. Los editores resaltan cómo los capítulos del libro examinan los flujos transnacionales y los cruces fronterizos en la producción cinematográfica y literaria mexicana a través de tres ejes principales: transnacionalismo y posmodernismo; movimientos y desplazamientos textuales; y migración y fronteras. Enfatizan cómo los autores contribuyentes analizan obras que desafían las nociones rígidas de identidad y representación nacional, revelando en cambio la naturaleza híbrida y fluida de la producción cultural en un contexto globalizado. La introducción sitúa la investigación del volumen dentro de debates más amplios sobre nacionalismo, transnacionalismo y circulación cultural en el siglo XXI, particularmente a la luz de los resurgentes discursos nacionalistas. Aboga por entender el cine y la literatura mexicana a través de una lente transnacional que reconoce la compleja interacción entre lo local, lo nacional y lo global.

El artículo analiza la relación de amistad y respecto entre Máximo Gómez y José Martí, y en especial el proce4so de maduración de la percepción del primero sobre el segundo, desde su ruptura en 1886 tras el Plan de San Pedro Sula hasta la muerte de Martí en mayo de 1895

The book "Directory of World Cinema: Spain," edited by Lorenzo J. Torres Hortelano, is a comprehensive exploration of Spanish cinema, tracing its development and contributions to global film culture. It offers a detailed overview of Spain's cinematic history, examining key movements, directors, and films that have defined the country's cinematic identity. The book covers a wide range of genres, from the early works of the silent era to the modern films that have garnered international acclaim. It also includes critical essays, analyses of significant films, and interviews with influential filmmakers. This directory serves as both an academic resource and a guide for cinephiles interested in understanding the rich and diverse landscape of Spanish cinema.

Este artículo se detiene en los primeros films del documentalista argentino Alejandro Fernández Mouján que abordan, en su conjunto, distintas problemáticas de la región chaqueña en un contexto de avance neoliberal. El análisis se detiene en los diálogos que estos films establecen entre sí a partir de la recurrencia de ciertos motivos audiovisuales y del trabajo sobre operaciones de archivo. A la luz de la trayectoria del realizador el artículo también estudia el modo en que la búsqueda narrativa en estos films navega entre las formas y las temáticas del cine ambiental, sin alejarse nunca de los lineamientos de la tradición del documental social argentino y latinoamericano.

Para conocer a profundidad los valores de un héroe, es necesario hurgar ensu infancia, en su círculo de amigos, en sus primeros años de estudio. Perogeneralmente solo se narra el momento de la heroicidad, olvidando que estaes resultado de una formación continua y de la maduración y radicalizaciónde un pensamiento revolucionario que se comienza a construir desde losprimeros años de vida. En tal sentido, en las presentes líneas pretendemosexplicar la formación patriótica durante la infancia, de uno de los mártiresdel Moncada, Rene Miguel Guitart Rosell (Renato).    

The concept of "mediatized memory" can be applied to television and film productions representing the history of the 1970s. Encouraged by television, memory has become a business of nostalgia, so typical of the localizing processes of the globalized world. This article analyzes the representation of the late Francoist past in Spanish cinema and television. The successful Spanish TV series "Cuéntame cómo pasó" already assumes by its title the explanatory authority over the national past, through the incursion into the private life of the middle classes. Torremolinos 73 (Pablo Berger) aims to relate a cultural anecdote of the late Franco era, superimposing sexual comedy on historical analysis. As an intelligent pseudobiographical and self-referential game, the film represents a happy dialogue between current cinema and the cultural codes of the period portrayed.

With his unorthodox integration of national popular culture and Hollywood borrowings, Spanish director Álex de la Iglesia continues a series of Spanish directors from the turn of the millennium who prefer to work in the field of comedy. De la Iglesia creates new interweavings of comedy and social commentary from the parodic appropriation of transnational genre codes. In contrast to the culturally specific middle-class comedies of Spanish cinema in the 1990s, LA COMUNIDAD combines national stereotypes with the distinctly transnational imagery and narrative strategies of auteur and genre films. In the mode of hybrid comedy, it mocks the Spain of the fascist past, which is experiencing its uncanny resurrection in the contemporary cinematic Madrid.