Latin American Theatre

Resumen
El artículo explora cómo la obra Streaming de la memoria de la Compañía de Funciones Patrióticas resignifica espacios del barrio de Almagro en Buenos Aires, transformándolos en territorios de memoria. El texto contextualiza el 24 de marzo como una fecha clave en la conmemoración del terrorismo de Estado en Argentina y examina cómo el colectivo interviene en lugares simbólicos del barrio, vinculando memorias barriales con la historia reciente. A través de una metodología Site-Specific y el enfoque de "Relato Situado", la obra involucra a los participantes en acciones de memoria, generando experiencias colectivas y afectivas. La metodología combina elementos de Investigación Acción Participativa y autoetnografía y el análisis busca explicar cómo estas intervenciones performáticas no solo visibilizan memorias ocultas, sino que también redefinen el espacio urbano como un "teatro expandido," donde lo cotidiano y lo político se entrecruzan. En conclusión, se sugiere que estas prácticas generan una "geopoética de la memoria," permitiendo a los habitantes experimentar el espacio público como un lugar de resistencia y reflexión histórica, donde el pasado se activa y resignifica en el presente.

The Builders Association, es una compañía de
teatro fundada en 1994 bajo la dirección artís-
tica de Marianne Weems. Desarrolla su labor
en colaboración con artistas de distintas dis-
ciplinas para integrar la interpretación en vivo
con otros medios, desde el texto, el video, la
música y la arquitectura. En sus montajes mul-
timedia siempre están presentes las nuevas
tecnologías, bien tras las bambalinas o en el
centro del escenario, complementando la es-
tructura escénica de sus producciones, donde
las pantallas y las imágenes virtuales se han
convertido en un sello distintivo propio. Una
muestra del protagonismo adquirido por es-
tas estrategias formales podemos analizarlo a
través de dos de sus espectáculos más repre-
sentativos, separados casi por dos décadas:
The Master Builder, su primer espectáculo y
House/ Divided, estrenado en 2011. En ambos
montajes el tema central de la escenografía
es una casa de tres pisos, de tamaño natural
y apariencia similar, que se transforma a me-
dida que transcurre la historia; el tratamiento
visual del dispositivo es sin embargo muy dis-
tinto y puede dar idea de la evolución digital
de sus puestas en escena.

The work of Panama's José de Jesús "Chuchu" Martínez fits comfortably among the Latin American dramas of the 1950s and 1960s that moved away "from the social problems of a Spanish American reality to universal metaphysical preoccupations" (Woodyard 186). In Chuchú's work, those preoccupations are principally existential. Indeed, his work has been praised for evoking existential anguish in the face of a meaningless universe (Quackenbush 55-56; Rodríguez-Sardinas and Suárez Radillo 372; Solórzano 156). Existential anguish certainly appears in Chuchú's 1961 drama Caifas, but Caifas goes far beyond such anguish by contributing to recent discussions about subjectivity. That is, Caifas expresses support for "situated subjectivity" (Kruks 11), an essentially existentialist subjectivity that occupies a middle ground between humanism and anti-humanism. Caifas supports this subjectivity through an arresting allegory of faith. This paper reviews existentialist, anti-humanist and humanist accounts of subjectivity, then demonstrates how Caifas creatively employs an allegory of faith to ground the human agency required for situated subjectivity. To begin, a brief plot summary is in order. Caifas unfolds as characters confront the problem of evil: Jewish leader Caiaphas, recognizing that his people cannot reconcile the coexistence of human suffering and a just God, invents a way for them to do so. Caiaphas' plan involves a big lie in which he frames a Nazarene "charlatan" named Jesus (Martinez 80). Interestingly, Caiaphas' framing of Jesus does not simply involve accusing Jesus of a crime. Instead, Caiaphas ensures that Jesus satisfies all messianic prophecies; he then manipulates the Jewish community to demand Jesus' death. After doing so, Caiaphas convinces his people that their miserable lives reflect a just God's punishment for killing the Messiah.

This study develops the concepts of scenario and anti-scenario through an examination of Latin American Theater for Social Change. These concepts, along with the transmission of cultural and traumatic memory in performance, help demonstrate that the Social Change movement in Latin America is not just "Brechtian-style" theater, but an original movement that developed an aesthetic of its own. This thesis focuses on the work of two Latin American artists: Brazilian theater maker Augusto Boal, and Colombian playwright and director Enrique Buenaventura. The Boal material examined in this work includes the techniques of Invisible Theater, Forum Theater and Image Theater. Buenaventura's plays considered here include three pieces from Los Papeles del Infierno: La tortura, La maestra and La autopsia. Through an analysis of these artists' work, this thesis extends Diana Taylor's concept of scenario to include the presence of an anti-scenario. Anti-scenarios provoke debate among audiences and question social and political structures, helping to bring about social change. Also, through the transmission of cultural and traumatic memories, Theater for Social Change revisits social traumas, reminding audiences of the faults of our society and challenging us to work for greater social and economic justice. study. Last, I would like to thank my family and friends, especially Jake, who helped me proofread so many times, and my mother Alicia Diaz, for believing in me at all times and supporting me with everything I do.

La presente investigación examina los recursos de hipertextualidad empleados por Jesús González Dávila en su texto dramático Quién baila mambo, para la creación de un contradispositivo que le permite abordar la presencia de los cuerpos desaparecidos y las violencias ejercidas en ellos. Se analiza cómo el autor crea mecanismos dramatúrgicos que subvierten las dinámicas de poder. A través de un análisis teórico y simbólico, se investiga la multifocalidad de la obra, destacando cómo las conexiones hipertextuales y la reconfiguración de sus propias narrativas permiten al autor articular un discurso crítico frente a los dispositivos de control y violencia tradicionales. La metodología incluye un análisis textual detallado de una de las escenas de esta obra y una revisión teórica sobre la generación de dicho contradispositivo desde los mecanismos de la hipertextualidad. Se busca demostrar cómo González Dávila desafía y reinterpreta las relaciones de poder en torno al cuerpo y la violencia, proponiendo nuevas lecturas sobre el control y la resistencia en el contexto social mexicano.

El artículo propone que el teatro de la generación de dramaturgos mexicanos que estrena sus obras desde los años 90 del siglo xx se distingue por un tipo de protagonistas que entronca con la clásica figura del pelado. Mediante el análisis de la pieza Más pequeños que el Guggenheim, de Alejandro Ricaño, se estudia la manera en que estos seres insignificantes provocan la risa del público, así como las implicaciones de esta risa.

El artículo explora las formas de teatralización de la violencia en la literatura
dramática hispanoamericana. Una de las consecuencias del «giro performativo» en las artes escénicas (Fischer-Lichte) es la prevalencia de lo contingente del hecho teatral en la experiencia estética, en detrimento de la mímesis. Frente a la ilusión de realidad en la representación, por tanto, se acentúa la presencia real de público y artistas. Ahora bien, ¿cómo reflejar en el texto dramático –que es mimético por naturaleza– la preeminencia de lo real sobre la representación? Concretamente, ¿cómo adopta la dramaturgia contemporánea los presupuestos del giro performativo al tratar el tema de la violencia? El trabajo analizará la construcción de lo autorreferencial en la pieza Usted está aquí, de Bárbara Colio, para comprender los mecanismos mediante los cuales la escritura dramática contribuye al surgimiento de un «convivio teatral» (Dubatti) de público y artistas en torno a la experiencia de la violencia en el norte de México.

Contemporary science education faces multifaceted crises—epistemic fragmentation, anti-science movements fueled by disinformation and political polarization, and neoliberal commodification of knowledge. These challenges reduce science education to instrumental workforce training, undermining critical engagement. Paul Feyerabend’s Against Method dismantles the myth of a universal scientific method, advocating for epistemological pluralism and the integration of diverse knowledge systems. This aligns with interdisciplinary theories (Japiassu, 1994; Fazenda, 2001), which emphasize dialogic negotiation between disciplines and phenomenological intentionality centered on human experience. Feyerabend’s critique of methodological monism converges with interdisciplinary principles, challenging hierarchical knowledge structures and promoting epistemic democracy. Interdisciplinarity operates as a political act—fostering "open reason" (Japiassu) and reflexive pedagogy (Fazenda)—to dismantle elitism and eurocentrism in science. Synthesizing these frameworks offers a transformative model for science education: one that prioritizes critical autonomy, embraces controversy, and bridges the academia/society divide. Feyerabend’s pluralism, coupled with interdisciplinary praxis, provides a robust foundation for reimagining science education as a tool for societal democratization—countering neoliberal instrumentalization and fostering emancipatory learning.

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del 12 al 29 de julio de 2012 (dirigido por Mario Ernesto Sánchez; patrocinado por Teatro Avante, American Airlines y otras agrupaciones), rindió tributo al teatro latino que se produce en los Estados Unidos. Participaron compañías de Estados Unidos, Argentina, Ecuador, España y México. El programa educativo, dirigido por la Dra. Beatriz J. Rizk, incluyó coloquios después de las representaciones, talleres, presentaciones de libros, lecturas dramatizadas dirigidas por la Dra. Rizk (de Julio Matas: El cambio, Tonos y Juego de damas; de Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio: Las chicas del 3.5 Floppies; de Virgilio Piñera: Estudio en blanco y negro y Los siervos) y un estupendo congreso en el cual participaron notables estudiosos del teatro. Los afiches del Festival fueron diseñados por Roberto Silva (puertorriqueño) y Armando Tejuca (cubano americano); el Premio a una Vida de Dedicación a las Artes Escénicas se otorgó a Teresa María Rojas (cubana). Short Eyes ("Urban Theatre Movement", Los Ángeles, EEUU; autor: Miguel Piñero; dirección: Julián Acosta) muestra a un grupo de reos en el patio interior de una prisión que se interrelacionan según sus diferentes intereses. Predomina el tema del sexo, tanto en el recuento de experiencias heterosexuales, como en escenas de carácter homosexual. Un nuevo preso, acusado de ser violador de niñas, viene a unirse al grupo: su crimen es censurado por los demás, quienes al final le dan muerte. Lo que vemos y oímos es la descarnada realidad de la vida entre rejas. La obra queda marcada por un crudo realismo, carente de artificios. Lo que se ofrece al espectador, a lo largo, es una visión superficial, heterogénea, de aquel conglomerado de seres violentos que viene a configurar un collage multicultural de vicios humanos. La calidad de las actuaciones permitía olvidarnos de que eran actores y no presidiarios los sujetos que veíamos en escena. Infieles ("La Compañía Pro-

es un monólogo en que Emmanuelle Marquis, identificándose medularmente con la rara y sicótica Paquita, cuenta cómo ésta da muerte con unas tijeras a los tres hombres que se acercan a ella con fines eróticos, para quedar al fin atrapadas las dos (actriz y personaje), pagando por sus crímenes, en la prisión del escenario. El drama defiende a la mujer que reacciona brutalmente en un mundo patriarcal que la esclaviza.

patrocinado por Teatro Avante y varias fundaciones e instituciones, este año el Festival homenajeó a México. De las catorce puestas en escena (Argentina, Brasil, Chile, España, Estados Unidos, México, Puerto Rico y Uruguay), sin duda la más sobresaliente fue Por las tierras de Colón (Premio Letras de Oro, 1987), del autor mexicano Guillermo Schmidhuber de la Mora, que montó Teatro Avante de Miami y dirigió Mario Ernesto Sánchez. La acción ocurre en Colombia durante el notorio "Bogotazo" (1948), desencadenando por el asesinato del líder liberal Jorge Eliécer Gaitán. Una famosa actriz llega con su esposo, también actor, al teatro donde va a presentarse una obra en la cual ambos actuarán, momentos antes de que ocurra el incidente, y se ven obligados a permanecer encerrados en aquel sitio por más de 30 horas. Las observaciones de carácter político sobre América Latina, los juegos dramáticos entre actriz y actor, la irrupción de un capitán del ejército al cual el director del teatro (un liberal) da muerte (al final) en escena, y el conflicto amoroso de la pareja, componen la obra. La esencia del mensaje que nos da Schmidhuber se resume en unas sentencias que pronuncia el director y abrevio a continuación: "Ya no somos tan jóvenes. Quizás ya hemos entrado en la vejez sin nunca alcanzar la plenitud. Todas las revoluciones irán al fracaso porque no basta el bolivarismo. Tenemos que inventar, no imitar. El sueño de Bolívar no ha pasado de ser una utopía". La riqueza imaginativa de la impecable dirección de Sánchez, puso su producción a la altura del mejor teatro representado (en español u otras lenguas) de cualquier gran ciudad. La hermosura de la escenografía de Pedro Balmaseda y Jorge Noa, realzada por un primoroso diseño de luces del propio Sánchez, la música original de

Nunca antes tuvo este Festival -del 11 al 28 de julio de 2013, dirigido por Mario Ernesto Sánchez-la magnitud de su vigésima octava edición. Con cuatro salas disponibles, se aumentó el número de piezas escenificadas. El 20 de junio se develaron los afiches del Festival y del Día Internacional del Niño, diseñados por la artista peruana Carmen Sasieta, como parte del homenaje que se le hizo a Perú. La velada contó con el monólogo La madre (escrito por Sara Joffré González, dirigido por Jacqueline Briceño y montado por Teatro Avante, Miami), magistralmente interpretado por Danly Arango en el papel de una mujer que se hace pasar por transformista, apareciendo en un espectáculo denigrante, el cual está a punto de descubrir y presenciar su hijo. El peruano Ernesto Ráez Mendiola fue el recipiente del Premio a Una Vida de Dedicación a las Artes Escénicas. Hubo tres exhibiciones: de fotos de Asela Torres de obras peruanas incluidas en anteriores Festivales; de pinturas del artista peruano José Torres Böhl; y de vestuario y escenografía diseñados por Nobarte (Jorge Noa y Pedro Balmaseda). El Componente Educativo, organizado por la Dra. Beatriz Rizk, incluyó conferencias, foros después de las funciones, cine y presentación de libros, entre ellos un volumen que comenta los primeros veinticinco años del Festival. Hubo también un concierto de música barroca, Las fuentes de Bimini ("La Folía", Madrid, España; director: Pedro Bonet) -para celebrar el 500 aniversario de la llegada de los españoles a la Florida-dedicado a composiciones relacionadas con el descubrimiento, exploración y colonización de las Américas (siglos XV-XVIII); y otro de jazz (Coming Home; "Jaume Vilaseca Trío", Barcelona, España). Los ríos profundos (escrito por José María Arguedas, dirigido por Mario Delgado Vásquez y montado por Cuatrotablas, Lima) fue una dramatización de la novela de Arguedas, cuyo protagonista es un niño mestizo, criado entre indios y educado en el ambiente triste de un colegio religioso,

La obra de la dramaturga argentina Susana Torres Molina, Extraño juguete, publicada en 1978 y ampliamente representada desde la fecha de su producción, presenta interesantes puntos de conexión con una de las más recientes obras de la autora, Una noche cualquiera, ganadora del XVIII Premio de Teatro "Hermanos Machado" de Sevilla (1998). A pesar de la distancia temporal y las diferencias temáticas y estructurales que median entre ambas obras, éstas comparten el elemento metadramático como uno de los aspectos más importantes para su análisis. Como contrapunto a Extraño juguete, en este ensayo se valorará el metadrama en Una noche cualquiera en su función de juego y recurso dramático, y como instrumento ideológico ligado a la recuperación de la memoria histórica argentina. Richard Hornby ha estudiado ampliamente el concepto de metadrama y ha añadido nuevas perspectivas a los estudios de Lionel Abel, Sydney Homan y Robert Nelson, entre otros. 1 Hornby indica que el metadrama es un elemento artístico que da un paso más allá del consabido teatro dentro del teatro, y lo considera un procedimiento a través del cual se descubre una verdad (32). Uno de los puntos de mayor interés en las dos obras de Torres Molina es la utilización del metadrama como estrategia que desvela verdades diferentes de un mismo mundo separado por veinte años de distancia: la Argentina de los 70, al comienzo de la dictadura militar, y la Argentina en democracia de los años noventa. 2 Tanto en Extraño juguete como en Una noche cualquiera el marco metadramático no se desvela desde un principio. En Extraño juguete, el metadrama es el juguete 3 con el que se entretienen dos damas de alta sociedad que juegan a representar los distintos papeles y situaciones que un guionista contratado, el señor Miralles, elabora para su divertimento. El metadrama, es decir, el texto dramático de Miralles, funciona como juguete y protagonista de

This work is especially dedicated to my wife Agatha Silvia Nogueira e Oliveira, and to my daughter Mowumi Oliveira Melo. I love you. v My presence in this program is due to a series of efforts and persons absolutely committed and critically engaged with the improvement of black people's lives worldwide. Among many, I specially mention Lúcia Xavier, Sônia Santos, and João H. Costa Vargas. These people insist on believing. I also want to acknowledge the work of Cia. dos Comuns and the artists that are involved in black theatrical practice in Brazil. To be present is always a challenge that those artists / activists decided to face. This work acknowledges the effort of all of those who do not fear the paradox. Finally, I need to acknowledge the support from AADS staff and faculty: Joel

In 1926, the Republic of Panama passed laws restricting immigration into the country, including that of “East Indians, Indo-Aryans, and Dravidians.” In response, South Asian merchants in Panama identifying themselves as racially Hindu, led by Sindhi merchant firms, petitioned the government to be exempted from these restrictions. Besides the economic hardship, they objected to being designated as racially “degenerate” under Panamanian law. Around the same time, in contrast to the racially, religiously, and economically exclusivist kin-making of the elite racial Hindu identifications created by the Sindhi merchants in Panama, Afro-and Indo-Caribbean subalterns in places like Trinidad were using the category “Hindu” and related nomenclature to authorize their own nonnormative modes of social formation. In this essay, I use these two contrasting examples of the making and unmaking of relatedness in the Greater Caribbean, one from Panama and one from Trinidad, in order to analyze differing co-productions of racial religious identifications performed across ethnoracial lines connecting the Afro-Atlantic and Indian Ocean worlds, between India, Latin America, and the Caribbean. These are differing modes of becoming Hindu, Hindu identifications that different groups took up as tactics in different social contexts in the Greater Caribbean. Taken together, these examples shine a light on the ways in which the categories “religion” and “race” have been ineluctably entangled and disentangled through modes of creating relations. At the same time, they allow us to analyze the ways in which the engagements of Hindu-identified practices have been performatively enacted in ways that challenged the taken-as-given understandings of race and religion in the Americas, creating intimacies across reified ethnoracial religious lines.

In the mid-1980s, a middle-aged, Cuban-American playwright answers the telephone in her New York City apartment. After a brief introduction, the person on the other line eventually asks, "So, what are you doing to support yourself these days?" The playwright replies, "I'm painting textiles for a fabric company." The incredulous individual exclaims, "But you're an Obie-Award winning playwright who's been produced on Broadway, Off-Broadway and beyond. You must come teach at Princeton." 1 With this true tale, so begins the university teaching career of nine-time Obie-Award-winning playwright María Irene Fornés (1930-2018). 2 Fornés, considered by many to be the mother of Latinx playwriting in the United States, was an influential and award-winning playwright, director, and teacher. Born in Havana, Cuba, Fornés, the youngest of six children, immigrated to the United States in 1945 and resided in New York City for the rest of her life. Fornés wrote and directed more than 50 plays produced throughout the United States and internationally, including in Cuba,

Si bien la propuesta textual de Alejandro Ricaño, exige un desdoblamiento formal y de los contenidos aleatorios, los cuales se encuentran en el título, una posibilidad de saltos cuánticos espaciotemporales, lo que a su vez, incide en la progresión diegética – mimética; visión del mundo que se proyecta desde el fuero profundo de Ana, la protagonista, hacia sus muchas interacciones con: sus familiares, con sus compañeros y amigos; con su amante/maestro; consigo misma, con su profesión, con el mundo… Listado de peripecias con la que cierra la obra.

Esta comunicacao tem como objetivo investigar o dialogo entre o Grupo de Teatro Clowns de Shakespeare (Natal – RN) e os diretores Fernando Yamamoto – seu diretor artistico – e Gabriel Villela e Marcio Aurelio, encenadores convidados a assinar a direcao das duas ultimas montagens do grupo. Pretende-se investigar o procedimento do convite a encenadores “de fora” como possibilidade de aprofundamento da pratica artistico-pedagogica desenvolvida pelo grupo, que consiste na intensa troca artistica com diversos coletivos e profissionais das artes cenicas. Busca-se identificar no exemplo dos Clowns de Shakespeare quais razoes possibilitaram e instigaram o grupo a convidar tais encenadores e quais foram as decorrencias desses encontros para o grupo. Para tanto, serao analisados os registros dos processos de criacao dos tres ultimos espetaculos do grupo: O Capitao e a Sereia (2009), direcao de Fernando Yamamoto; Sua Incelenca, Ricardo III(2010), direcao de Gabriel Villela; e Hamlet – um relat...

Among the performing arts, the most miraculous, the most mysterious and the most joyful art is the art of puppet theater. In this case, every object, every work, every action serves only for the entertainment of childrenyoung viewers. Puppeteers give life to the doll and create a wonderful world in the child's delicate heart like a flower, and in their clear, innocent eyes.

El libro Entre fuegos de Percy Encinas analiza la dramaturgia peruana que aborda los hechos violentos del periodo de "subversión armada y antisubversión" (SAAS) en Perú (1980-2000). Centrado en obras del sistema literario de élite, como Pequeños héroes (1988) de Alfonso Santistevan y Contraelviento (1989) de Yuyachkani. La obra es un aporte clave para comprender la dramaturgia peruana y su relación con momentos traumáticos de la historia reciente.

Effective communication in today's contemporary world is a herculean task as audiences have transitioned beyond the traditional means of accepting information through verbal and non-verbal communication to the level of aesthetic communication. The bible for one, is a phenomenal religious book that contains sacred truths and deep meanings capable of yielding its readers to repentance and salvation. However, contemporary society has become excessively familiar with the wordings of the scriptures, and they hardly generate new meaning or understanding from the written words or spoken texts. For some others, the scripture is a compilation of esoteric messages that must be expounded into simpler contexts. Hence, in the similitude of the medieval era, dramatists have sought to dramatize the scriptures into pictures and audio-visuals using the channels of adaptation to aesthetically present the gospel message without watering down its essence and sacred meaning to ensure effective communication and understanding of the scriptures. This study engages Ole Thyssen's theory of aesthetic communication as a theoretical framework which identifies aesthetics as a quintessential factor in communication with contemporary audiences. It explores the channels of adapting scriptures for today's audiences. Thus, the study recommends that aesthetics should be prioritized for biblical messages to be communicated effectively to contemporary audiences. Hence, it proposes adapting biblical stories into cultural contexts or theatrical modernization to fit into the culture or mindset of the receiving audience and enhance interpretation.

Poliedra y Eliel o también titulada 1000 caras & soy el que soy, es una dramaturgia original de Elvira del Rocío Ruiz Vivanco. Esta obra de teatro retrata las desavenencias matrimoniales entre Poliedra y Masiosare. Sin embargo, su rutina se trastoca cuando aparece el tercero en discordia, Eliel. Con un tono cómico, se aborda el histrionismo multifacético de la histeria, en esta obra publicada en la Revista Lathouses: Malestar y relaciones de poder y en la compilación Retentivas, Foros de Psicoanálisis 2013-2014.

En este artículo nos interesa abordar el tema político en la obra El gesticulador de Rodolfo Usigli. En primer lugar, sostenemos que la visión del autor –ya anunciada en “El epílogo sobre la hipocresía del mexicano”– revela una visión conservadora, fatalista y esencialista de la política mexicana. En una segunda parte, nos interesa estudiar las partes en que El gesticulador revela el complejo mecanismo de las decisiones de los políticos. Este comportamiento responde a lo que la teoría de James C. Scott, denomina la relación entre el discurso público y el oculto. Para nosotros, El gesticulador de Usigli revela el complejo balance del manejo del discurso público y el oculto en el sistema político mexicano posterior a la Revolución.

Effective communication in today's contemporary world is a herculean task as audiences have transitioned beyond the traditional means of accepting information through verbal and non-verbal communication to the level of aesthetic communication. The bible for one, is a phenomenal religious book that contains sacred truths and deep meanings capable of yielding its readers to repentance and salvation. However, contemporary society has become excessively familiar with the wordings of the scriptures, and they hardly generate new meaning or understanding from the written words or spoken texts. For some others, the scripture is a compilation of esoteric messages that must be expounded into simpler contexts. Hence, in the similitude of the medieval era, dramatists have sought to dramatize the scriptures into pictures and audio-visuals using the channels of adaptation to aesthetically present the gospel message without watering down its essence and sacred meaning to ensure effective communication and understanding of the scriptures. This study engages Ole Thyssen’s theory of aesthetic communication as a theoretical framework which identifies aesthetics as a quintessential factor in communication with contemporary audiences. It explores the channels of adapting scriptures for today's audiences. Thus, the study recommends that aesthetics should be prioritized for biblical messages to be communicated effectively to contemporary audiences. Hence, it proposes adapting biblical stories into cultural contexts or theatrical modernization to fit into the culture or mindset of the receiving audience and enhance interpretation.

Lo efímero es un suspiro. Lo perenne es el viento que sopla, que fluye y nunca cesa. El teatro en Oaxaca cabalga sobre estas dos afirmaciones. Y al ser una es la otra al mismo tiempo. "Cómo puede ser esto asi? Veamos. Al llegar a Oaxaca, la primera impresión es que estamos ante un lugar lleno de cultura. Es un cofre cargado de tesoros, con cielos maravillosos. No es extraño que aquí abunden los pintores, con una variedad de lenguas que suenen muy musicales; no es extraño tampoco la cantidad de música que hay aquí. Los niños aprenden a leer música mucho antes que leer el idioma español. El propio país, México, está lleno de manifestaciones culturales. Se produce cultura todos los días. No sabe uno decir si a pesar de todo o gracias a las desgracias cotidianas. Pareciera que la producción de cultura en nuestros días fuera la mejor forma de sobrevivir que tienen nuestros pueblos ante los embates de las cada vez más frecuentes desgracias económicas. Y utilizo deliberadamente el término "desgracias" para referirme al acontecer económico, porque en ése, al igual que sucede con las acciones de los dioses en el pensamiento religioso de nuestros pueblos, en ese acontecer, en ese devenir, los factores externos hacen lo que quieren. El hombre es impotente ante ellos. La mano del destino tiene la palabra. Somos sus piezas para que las mueva a su antojo. La vida del hombre es efímera. La del destino, perenne. Los dioses de nuestros días han movido los hilos de la economía y alguna furia, algún enojo deben tener con nosotros que sistemáticamente, desde hace como 20 años, nos han venido lanzando desgracia tras desgracia. Nuestros pueblos están acostumbrados a las iras, enojos y enconos de los dioses. Estamos acostumbrados a ofrendar nuestras vidas para intentar agradar a los dioses y obtener algo de su misericordia que nos permita gozar un poco de la vida, de los placeres de esta tierra, que deben ser pocos, porque en cuanto nos es posible, al calor de los embriagantes y los alucinógenos, con la música y el baile permanentes, nos vamos elevando, entrando a otro estado,