Journal Articles, Essays and Catalogue Entries by Elena Marchetti

Im Schlangenhain. Nella Serpentara Clara Herrmann und Anneka Metzger im Auftrag der Akademie der Künste, Berlin deutsch/italienisch, 2024
The text explores the role of artists in preserving the natural landscape in Italy and Europe dur... more The text explores the role of artists in preserving the natural landscape in Italy and Europe during the second half of the 19th century. A significant example is the purchase of the Serpentara forest in Olevano Romano by a group of German artists, who in 1873 organized a kind of "crowdfunding" to protect it from destruction. Since the early 19th century, the Serpentara had become a key destination for many European painters, who visited to capture its pristine beauty. The essay discusses the Italian reactions to this event, which was seen not so much as a nationalist act but as an effort by the artists to protect a natural heritage, allowing them to continue studying and painting it. The text also highlights the similarity with the defense of the Fontainebleau forest in France and the significance of these initiatives in recognizing the landscape's value as cultural heritage. At the heart of these early environmental protection actions were the painters and their deep connection with nature, which ultimately led to the establishment of laws for landscape preservation.
Il testo esplora il ruolo degli artisti nel salvaguardare il paesaggio naturale in Italia e in Europa durante la seconda metà del XIX secolo. Un caso emblematico riguarda l'acquisto della foresta della Serpentara ad Olvano Romano da parte di alcuni artisti tedeschi, che nel 1873 organizzarono una sorta di "crowdfunding" per proteggerla dalla distruzione. La Serpentara fin dall'inizio dell'Ottocento era diventata un punto di riferimento per numerosi pittori europei che vi si recavano per immortalare la sua bellezza incontaminata. Nel saggio si discutono le reazioni italiane all'evento, che venne visto non tanto come un atto nazionalista, ma come una difesa di un patrimonio naturale da parte degli artisti, per poter continuare a studiarlo e dipingerlo. Il testo evidenzia anche la similitudine con la difesa della foresta di Fontainebleau in Francia e l'importanza di queste iniziative nel riconoscimento del valore del paesaggio come patrimonio culturale. Alla base di queste prime azioni di protezione ambientale ci sono i pittori e il loro legame con la natura, che avrebbero poi portato all'istituzione di leggi per la tutela del paesaggio.
"Hommes et Migrations", Revue du Musée national de l’histoire de l’immigration. Paris - n° 1343, 94-97, 2023
A Venetian large-scale painting on canvas created for the Doge's Palace in the early 17th century... more A Venetian large-scale painting on canvas created for the Doge's Palace in the early 17th century illustrates a key moment in the friendship strategy orchestrated by the Republic of Venice along the Silk Road.
Une peinture sur toile de grandes dimensions réalisée pour le Palais des Doges au début du XVIIe siècle illustre un moment clé de la stratégie d’amitiés orchestrée par la République de Venise le long de la Route de la soie.
Musée des Beaux-Arts de Lyon, 2021
Complete chronology of the Flandrin brothers, published on the occasion of the exhibition held at... more Complete chronology of the Flandrin brothers, published on the occasion of the exhibition held at the musée des Beaux-Arts de Lyon in 2021.
The Burlington Magazine, v. 164, n. 1437, pp. 11178-11189, 2022
A key episode in the history of mural painting in nineteenth-century France is the commission giv... more A key episode in the history of mural painting in nineteenth-century France is the commission given to Hippolyte and Paul Flandrin between 1839 and 1846 to decorate one chapel each in Saint–Séverin, Paris. Hippolyte’s project launched his career as a leading painter of ecclesiastical murals. Paul’s scheme is an important example of the introduction of landscape painting into monumental decoration. The recent restoration of Hippolyte’s chapel, together with the discovery of unpublished family archives, has cast new light on this decoration.
Studiolo: revue d’histoire de l’art de l’Académie de France à Rome – Villa Médicis, v. 12, pp. 38-55, 2015
L'articolo prende in considerazione il periodo romano di Paul Flandrin (1811-1902) basandosi su u... more L'articolo prende in considerazione il periodo romano di Paul Flandrin (1811-1902) basandosi su un'ampia documentazione inedita: 25 opere tra dipinti, disegni, carnet, album, taccuini, che vengono rese note e discusse criticamente in rapporto a Ingres e Corot, i due riferimenti di Flandrin. Si propone una lettura che individua negli anni romani (1834-1838) la nascita di due percorsi che il pittore intraprende in Italia e che segnano la sua intera carriera: una linea di semplificazione e sintesi basata sullo studio dal vero, e una via poetica, intima e simbolista di percepire la natura. Viene altresì alla luce una rete di scambi e rapporti artistici tra Flandrin e i colleghi paesaggisti.

Revue de l'Art, v. 197, n. 3, pp. 59-70, 2017
This article concerns Paul Flandrin’s (1811-1902) activity in Provence in the 1840s and 1850s: it... more This article concerns Paul Flandrin’s (1811-1902) activity in Provence in the 1840s and 1850s: it presents seventeen unpublished works and re-examines his friendships with other artists during this period, particularly in light of the rediscovery of his correspondence with his friend Jean-Joseph Bonaventure Laurens (1801-1890). We show how, in Provence, Paul Flandrin introduced new points of view – especially around Marseille and its gulf – and unique subjects inspired by the Gorges d’Ollioules.
This article also analyses a crucial point in his critical reception: the judgment expressed by Baudelaire in 1845 according to which Flandrin was the first to “Ingriser” (to paint in the style of Ingres) the landscape. The neologism “Ingriser” as applied to landscape became the focal point for discussing Flandrin’s artistic contribution, and Baudelaire’s words were the only ones he left to posterity regarding Flandrin. This article proposes a new interpretation that studies the painter’s sojourns in Provence, focusing on the issues of light and of form and taking into account the criticism of his contemporaries.
in: "Attorno a Klimt. Giuditta, eroismo e seduzione", Exhibition catalogue, Lineadacqua, 2016
Essays in exhibition catalogue

in: "John Ruskin. Le Pietre di Venezia", Exhibition catalogue, Marsilio, 2018
Il catalogo della mostra che si tiene a Palazzo Ducale in apertura delle celebrazioni per il bice... more Il catalogo della mostra che si tiene a Palazzo Ducale in apertura delle celebrazioni per il bicentenario della nascita di John Ruskin racconta la storia d’amore, lunga e fruttuosa, tra il famoso critico inglese e la città di Venezia. Durante la sua vita, Ruskin visitò Venezia numerosissime volte a partire dal 1835 e, in seguito ai lunghi soggiorni in città, pubblicò l’opera in tre volumi intitolata Le pietre di Venezia, un inno alla bellezza, all’unicità e alla fragilità di questa città, destinata a diventare un caposaldo della cultura anglosassone e l’inizio del revival gotico d’epoca romantica.
Il volume si apre con un testo di Gabriella Belli che racconta Le ragioni di una mostra: «Un’esposizione che, per essere quasi la prima che il Paese dedica a questo versatile intellettuale inglese, ha inteso innanzitutto focalizzarsi sul racconto della sua personale vicenda artistica, meno nota rispetto alla più ampia diffusione del suo pensiero, contenuto nelle migliaia di pagine vergate nel corso della vita e pubblicate coeve in magnifiche edizioni». Segue il saggio della curatrice Anna Ottani Cavina John Ruskin. Ritratto d’artista: «Questa mostra su John Ruskin, nel cuore gotico della citta, vuole essere un monito per la salvezza di Venezia; ma poiché un’esposizione coincide con la sua messa in scena, la mostra è anche una sfida a celebrare Ruskin come pittore, grande e singolare pittore, al di là della sua vertiginosa capacità di interpretare i tanti ruoli del genio, al di là della sua stessa determinazione a privilegiare la parola scritta». L’intervento di Joseph Rykwert, John Ruskin. Una voce sempre viva, si concentra sui discorsi tenuti da Ruskin nell’ambito di numerose conferenze, incontri che rappresentavano una delle principali forme di intrattenimento popolare dell’Ottocento.
A concludere il volume, gli interventi di Sarah Quill, Sergio Perosa, Stephen Wildman, Francesca Tancini e Clive Wilmer, oltre al catalogo delle opere in mostra e la cronologia curate da Elena Marchetti, e la bibliografia a cura di Francesca Tancini.
in: "Attorno a Tiziano. L’annuncio e la luce verso il contemporaneo. Garofalo, Canova, Fontana, Flavin", Exhibition catalogue, Lineadacqua, 2017

Intrecci d'Arte, v. 1. pp. 96-112, , 2012
Paul Flandrin (1811-1902) is a painter with a long career, whichbegan at Lyon’s Fine Arts Academy... more Paul Flandrin (1811-1902) is a painter with a long career, whichbegan at Lyon’s Fine Arts Academy and went on in Paris, both atthe Academy and in Ingres’ atelier. But it was only during his fiveyears trip to Italy (1834-1835) that he found his vocation as alandscape painter. In Rome, even if he was not a pensionnaire ofthe Villa Medici, he became acquainted with the Academy circle,where the master Ingres was the Director. Over the course ofthese five years, Paul Flandrin looked closely at Corot andlearned from Ingres.
For a painter with a classical education, how much does theexperience in Italy matter? For a pupil of Ingres, what does thechoice for landscape mean? For a landscape painter arriving inRome in the 1830s, what does Corot’s heritage mean?
The article aims to answer these questions through a selection ofpreviously unknown artworks, both drawings and paintings. Theresearch moves from the analysis of the artist’s method, hisperception of nature on the spot, his fast recording and the finalcomposition in the studio. There comes out the complex profile ofa neoclassical landscape painter working in the 19th century.

in: "Écrire et peindre le paysage en France et Angleterre", edited by É. Beck Saiello, L. Châtel, E. Martichou, PUR Presses Universitaires de Rennes , 2021
The notion of time is closely linked to that of landscape painting, all along the evolution of th... more The notion of time is closely linked to that of landscape painting, all along the evolution of the genre between the 18th and 19th centuries. How long should an open air session last? at what time should the paysagiste go to the place ? what is the best time of day for each view? For the landscape artist, the question of time becomes the technical translation of his first challenge: "to capture nature in the act".
The debate on time animates all the artistic literature of the time, between practice and theory. It is discussed in treatises (the famous "half-hour" of Valenciennes). Painters debate this topic in artistic correspondence, they consider it at the same time as they work from nature (handwritten notes in notebooks: Paul Flandrin, "to paint from noon to 3. h"). They consider it fundamental to link the memory of a study to the time of its execution (inscriptions on the back of studies: François-Marius Granet, "Tivoli July 2, 1807: Granet de 5 heures à 7 h Soir."; Simon Denis, "a Tivoly. Painted at night." ). Moreover, they relate it in their memoirs or it is specified in the biographies ("M. Bidauld had pushed the passion of the landscape until this point to go to settle entire months in front of a site" Rochette 1849).
This essay proposes to discuss the various occurrences in which time is evoked in artistic literature and to compare them with exemplary works.
Books, Exhibition Catalogues by Elena Marchetti
Catalogue de l'exposition « Louis Janmot. Le Poème de l’âme », Paris, musée d’Orsay, 12 septembre 2023 – 7 janvier 2024, 2023
The Musée d'Orsay has organised in 2023 an exhibition dedicated to "The Poem of the Soul" by the ... more The Musée d'Orsay has organised in 2023 an exhibition dedicated to "The Poem of the Soul" by the artist Louis Janmot (1814-1892). Begun in Rome in 1835 and continued until the end of the artist's life, "The Poem of the Soul" is Janmot's major pictorial and literary project. Preserved in its entirety in the Musée des Beaux-Arts in Lyon, it was described by Henri Focillon, director of the museum from 1913 to 1924, as "the most remarkable, coherent and strange work of Romantic spiritualism". This article focuses on the presence of landscape in the Poem, aiming at offering some new insights on the artist's practice of working "sur nature" and on his frequentation of fellow landscape painters.

Exhibition Catalogue, Éditions Rmn - Grand Palais, 2022
Voler, traverser les murs et dévoiler les secrets de la Sérénissime... c'est ce que propose l'exp... more Voler, traverser les murs et dévoiler les secrets de la Sérénissime... c'est ce que propose l'exposition immersive « Venise révélée ». Cette découverte renouvelée de la cité des Doges, de ses trésors et de ses histoires, est permise par des images 3D inédites et innovantes. Immersion et sensations incomparables garanties !
Le catalogue suit le parcours de l'exposition qui conjugue une chronologie historique à une déambulation parmi les sites majeurs de la ville.
Chaque partie du catalogue s'articule autour du décryptage iconographique d'un lieu emblématique, de l'essai d'un spécialiste et du focus d'une œuvre d'art symbolique. L'éclairage scientifique des conservateurs de la Fondazione Musei Civici di Venezia et des autres contributeurs renommés permettent de percer les mystères de Venise.
La topologie de la lagune et les fondations de la ville sont passés au rayon X pour comprendre l'émergence de cette ville unique. La puissance économique et politique de Venise ainsi que la vie sociale qui s'y joue est inscrite dans l'architecture de ses plus beaux palais qui sont méthodiquement révélés, de leurs façades à leurs entrailles, avec une attention particulière aux chefs-d'œuvre qu'ils recèlent et que l'on découvre avec un niveau de détail et de confort sans précédent. Les enjeux politiques, économiques et environnementaux sont analysés pour conclure et ouvrir la réflexion sur cette ville qui a encore tant à raconter !

Exhibition Catalogue, In fine éditions d'art - Musée des Beaux-Arts de Lyon, 2021
Hippolyte (1809-1864), Paul (1811-1902) et Auguste (1804-1842) Flandrin, originaires de Lyon, com... more Hippolyte (1809-1864), Paul (1811-1902) et Auguste (1804-1842) Flandrin, originaires de Lyon, comptent parmi les peintres les plus importants de la scène artistique française au milieu du XIXe siècle. Cet ouvrage présente leur travail à la lumière de recherches et de découvertes récentes – parmi lesquelles la restauration des décors de l’église Saint-Germain-des-Prés à Paris –, réunissant un corpus de près de trois cent cinquante œuvres, pour une large part inédit. Il s’attache tout particulièrement à révéler le processus créateur des trois frères artistes, ainsi que leur pratique collaborative originale. Au fil des pages et des thématiques, il invite à découvrir leur parcours, de leur formation auprès de Jean Auguste Dominique Ingres à leurs grandes réalisations, en questionnant leur langage formel et la manière dont celui-ci s’inscrit dans des jeux d’influence ou répond à des traits singuliers. Cette exploration s’achève par une évocation de leur héritage, de Degas à la création contemporaine.
Non sembrava imagine che tace. L'arte della realtà al tempo di Dante
Exhibition Catalogue, Società Editrice Fiorentina, 2011
Ci sono pochi momenti della storia dell’arte che affascinano e suscitano domande come il rinnovam... more Ci sono pochi momenti della storia dell’arte che affascinano e suscitano domande come il rinnovamento naturalistico dell’arte gotica tra Duecento e Trecento. Dopo secoli s’iniziò a leggere in modo nuovo la tradizione artistica precedente, rispondendo al desiderio di rappresentare gli uomini, gli esseri animati e le cose così come si rendono visibili agli occhi di ognuno nella loro individualità. Ma qual è il significato culturale di questo cambiamento?

In-Segnàti da Bologna. Premiati Zucchelli 1963-2016
Exhibition Catalogue, Fondazione Zucchelli, 2016
La mostra intende ricordare oltre cinquant’anni di attività della Fondazione Zucchelli nell’ambit... more La mostra intende ricordare oltre cinquant’anni di attività della Fondazione Zucchelli nell’ambito del contesto culturale bolognese. Preceduta da un lungo lavoro di ricerca sui documenti d’archivio e sui registri della Fondazione, la mostra raccoglie a oggi le opere di ottantuno premiati delle borse di studio che dal 1963 al 2016 sono state elargite agli studenti dell’Accademia di Belle Arti di Bologna. Diversi i bolognesi e molti i nomi che hanno un ruolo ben definito nel mondo artistico contemporaneo.
La mostra chiama a raccolta i vincitori di quel concorso, ma soprattutto restituisce un clima che testimonia la varietà dei modi con cui il gesto artistico si è espresso, la varietà delle tecniche adottate, la molteplicità di soluzioni con le quali quei giovani artisti hanno cercato di definire il mondo. Diversi i tempi, diverse le culture che si sono succedute, i gusti che si sono espressi. Diversi, soprattutto, i maestri che sembrano rivivere nelle tracce lasciate nei lavori degli allievi. Tanti sono gli artisti di rilievo nazionale che hanno insegnato all’Accademia di Belle Arti di Bologna anche dopo i fasti morandiani: da Pompilio Mandelli a Ilario Rossi, Da Luciano De Vita a Quinto Ghermandi, da Antonio Natalini a Concetto Pozzati, da Lea Colliva a Umberto Mastroianni. La mostra comincia con un dipinto del 1963: siamo in pieno clima informale e Mandelli e Rossi fanno parte di quella “banda” radunata da Francesco Arcangeli che, dalle vicine aule dell’Istituto di Storia dell’Arte dell’Università, modellava la complessa compagine dell’Informale padano. Poi si succedono i decenni ed è realmente sorprendente vedere come giovani di vent’anni potessero filtrare l’universo figurativo ormai senza confini che si trovavano a conoscere: da allora e fino ad oggi, attingendo alla Pop-Art americana come alla poetica dell’oggetto, dalla bad painting all’astrazione o alla figurazione. È la presenza costante di un’umanità pulsante e viva ciò che rende questa mostra, a modo suo, unica. In ogni opera sembra ancora poter sentire l’emozione di un’attesa che poteva cambiare la vita, decidere un destino, creare un artista, rafforzarlo, convincerlo.
Papers by Elena Marchetti
International Course on Strategies and Tools for Collections Management, 2025
Paper given on April 24, 2025 at "The International Course on Strategies and Tools for Collection... more Paper given on April 24, 2025 at "The International Course on Strategies and Tools for Collections Management", co-organized by the National Cultural Heritage Administration of China (NCHA), the International Centre for the Study of the Preservation and Restoration of Cultural Property (ICCROM), and the Alliance for Cultural Heritage in Asia (ACHA). Hosted by the China National Silk Museum in Hangzhou, People's Republic of China.
Book Reviews by Elena Marchetti
The Burlington Magazine, 1456, 166, 732-735, July 2024, 2024
Review of the exhibition held at the Petit Palais, Paris 5th March–7th July, 2024
Conference Presentations by Elena Marchetti
Accademia di Roma-Villa Massimo, 23-09-2023, 2023
Lecture held on the occasion of the Serpentara Jubilee, a ceremony organized by the Accademia di ... more Lecture held on the occasion of the Serpentara Jubilee, a ceremony organized by the Accademia di Roma-Villa Massimo and the Akademie der Künste of Berlin to mark the 150th anniversary of the forest's protection by German artists.
Conferenza tenuta in occasione del Giubileo della Serpentara, cerimonia organizzata da Accademia di Roma-Villa Massimo e Akademie Der Künste di Berlino in occasione dei 150 anni dal salvataggio della foresta ad opera di artisti tedeschi.
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Journal Articles, Essays and Catalogue Entries by Elena Marchetti
Il testo esplora il ruolo degli artisti nel salvaguardare il paesaggio naturale in Italia e in Europa durante la seconda metà del XIX secolo. Un caso emblematico riguarda l'acquisto della foresta della Serpentara ad Olvano Romano da parte di alcuni artisti tedeschi, che nel 1873 organizzarono una sorta di "crowdfunding" per proteggerla dalla distruzione. La Serpentara fin dall'inizio dell'Ottocento era diventata un punto di riferimento per numerosi pittori europei che vi si recavano per immortalare la sua bellezza incontaminata. Nel saggio si discutono le reazioni italiane all'evento, che venne visto non tanto come un atto nazionalista, ma come una difesa di un patrimonio naturale da parte degli artisti, per poter continuare a studiarlo e dipingerlo. Il testo evidenzia anche la similitudine con la difesa della foresta di Fontainebleau in Francia e l'importanza di queste iniziative nel riconoscimento del valore del paesaggio come patrimonio culturale. Alla base di queste prime azioni di protezione ambientale ci sono i pittori e il loro legame con la natura, che avrebbero poi portato all'istituzione di leggi per la tutela del paesaggio.
Une peinture sur toile de grandes dimensions réalisée pour le Palais des Doges au début du XVIIe siècle illustre un moment clé de la stratégie d’amitiés orchestrée par la République de Venise le long de la Route de la soie.
This article also analyses a crucial point in his critical reception: the judgment expressed by Baudelaire in 1845 according to which Flandrin was the first to “Ingriser” (to paint in the style of Ingres) the landscape. The neologism “Ingriser” as applied to landscape became the focal point for discussing Flandrin’s artistic contribution, and Baudelaire’s words were the only ones he left to posterity regarding Flandrin. This article proposes a new interpretation that studies the painter’s sojourns in Provence, focusing on the issues of light and of form and taking into account the criticism of his contemporaries.
Il volume si apre con un testo di Gabriella Belli che racconta Le ragioni di una mostra: «Un’esposizione che, per essere quasi la prima che il Paese dedica a questo versatile intellettuale inglese, ha inteso innanzitutto focalizzarsi sul racconto della sua personale vicenda artistica, meno nota rispetto alla più ampia diffusione del suo pensiero, contenuto nelle migliaia di pagine vergate nel corso della vita e pubblicate coeve in magnifiche edizioni». Segue il saggio della curatrice Anna Ottani Cavina John Ruskin. Ritratto d’artista: «Questa mostra su John Ruskin, nel cuore gotico della citta, vuole essere un monito per la salvezza di Venezia; ma poiché un’esposizione coincide con la sua messa in scena, la mostra è anche una sfida a celebrare Ruskin come pittore, grande e singolare pittore, al di là della sua vertiginosa capacità di interpretare i tanti ruoli del genio, al di là della sua stessa determinazione a privilegiare la parola scritta». L’intervento di Joseph Rykwert, John Ruskin. Una voce sempre viva, si concentra sui discorsi tenuti da Ruskin nell’ambito di numerose conferenze, incontri che rappresentavano una delle principali forme di intrattenimento popolare dell’Ottocento.
A concludere il volume, gli interventi di Sarah Quill, Sergio Perosa, Stephen Wildman, Francesca Tancini e Clive Wilmer, oltre al catalogo delle opere in mostra e la cronologia curate da Elena Marchetti, e la bibliografia a cura di Francesca Tancini.
For a painter with a classical education, how much does theexperience in Italy matter? For a pupil of Ingres, what does thechoice for landscape mean? For a landscape painter arriving inRome in the 1830s, what does Corot’s heritage mean?
The article aims to answer these questions through a selection ofpreviously unknown artworks, both drawings and paintings. Theresearch moves from the analysis of the artist’s method, hisperception of nature on the spot, his fast recording and the finalcomposition in the studio. There comes out the complex profile ofa neoclassical landscape painter working in the 19th century.
The debate on time animates all the artistic literature of the time, between practice and theory. It is discussed in treatises (the famous "half-hour" of Valenciennes). Painters debate this topic in artistic correspondence, they consider it at the same time as they work from nature (handwritten notes in notebooks: Paul Flandrin, "to paint from noon to 3. h"). They consider it fundamental to link the memory of a study to the time of its execution (inscriptions on the back of studies: François-Marius Granet, "Tivoli July 2, 1807: Granet de 5 heures à 7 h Soir."; Simon Denis, "a Tivoly. Painted at night." ). Moreover, they relate it in their memoirs or it is specified in the biographies ("M. Bidauld had pushed the passion of the landscape until this point to go to settle entire months in front of a site" Rochette 1849).
This essay proposes to discuss the various occurrences in which time is evoked in artistic literature and to compare them with exemplary works.
Books, Exhibition Catalogues by Elena Marchetti
Le catalogue suit le parcours de l'exposition qui conjugue une chronologie historique à une déambulation parmi les sites majeurs de la ville.
Chaque partie du catalogue s'articule autour du décryptage iconographique d'un lieu emblématique, de l'essai d'un spécialiste et du focus d'une œuvre d'art symbolique. L'éclairage scientifique des conservateurs de la Fondazione Musei Civici di Venezia et des autres contributeurs renommés permettent de percer les mystères de Venise.
La topologie de la lagune et les fondations de la ville sont passés au rayon X pour comprendre l'émergence de cette ville unique. La puissance économique et politique de Venise ainsi que la vie sociale qui s'y joue est inscrite dans l'architecture de ses plus beaux palais qui sont méthodiquement révélés, de leurs façades à leurs entrailles, avec une attention particulière aux chefs-d'œuvre qu'ils recèlent et que l'on découvre avec un niveau de détail et de confort sans précédent. Les enjeux politiques, économiques et environnementaux sont analysés pour conclure et ouvrir la réflexion sur cette ville qui a encore tant à raconter !
La mostra chiama a raccolta i vincitori di quel concorso, ma soprattutto restituisce un clima che testimonia la varietà dei modi con cui il gesto artistico si è espresso, la varietà delle tecniche adottate, la molteplicità di soluzioni con le quali quei giovani artisti hanno cercato di definire il mondo. Diversi i tempi, diverse le culture che si sono succedute, i gusti che si sono espressi. Diversi, soprattutto, i maestri che sembrano rivivere nelle tracce lasciate nei lavori degli allievi. Tanti sono gli artisti di rilievo nazionale che hanno insegnato all’Accademia di Belle Arti di Bologna anche dopo i fasti morandiani: da Pompilio Mandelli a Ilario Rossi, Da Luciano De Vita a Quinto Ghermandi, da Antonio Natalini a Concetto Pozzati, da Lea Colliva a Umberto Mastroianni. La mostra comincia con un dipinto del 1963: siamo in pieno clima informale e Mandelli e Rossi fanno parte di quella “banda” radunata da Francesco Arcangeli che, dalle vicine aule dell’Istituto di Storia dell’Arte dell’Università, modellava la complessa compagine dell’Informale padano. Poi si succedono i decenni ed è realmente sorprendente vedere come giovani di vent’anni potessero filtrare l’universo figurativo ormai senza confini che si trovavano a conoscere: da allora e fino ad oggi, attingendo alla Pop-Art americana come alla poetica dell’oggetto, dalla bad painting all’astrazione o alla figurazione. È la presenza costante di un’umanità pulsante e viva ciò che rende questa mostra, a modo suo, unica. In ogni opera sembra ancora poter sentire l’emozione di un’attesa che poteva cambiare la vita, decidere un destino, creare un artista, rafforzarlo, convincerlo.
Papers by Elena Marchetti
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Conferenza tenuta in occasione del Giubileo della Serpentara, cerimonia organizzata da Accademia di Roma-Villa Massimo e Akademie Der Künste di Berlino in occasione dei 150 anni dal salvataggio della foresta ad opera di artisti tedeschi.